abril 28, 2011

Los 50 Mejores Discos de los 90's II.

40. Mezzanine de Massive Attack (1998)
Trip-hop
Massive Attack proporcionó una verdadera suma de recuerdos new wave que, junto con aquél estilo personal e innovador, dieron vida a uno de los más célebres discos ingleses del período. "Mezzanine" es un viaje paranoico e hipnótico al borde de la realidad. Uno de los discos más significativos y poliédricos de la década, una encrucijada entre diferentes mundos musicales (rock, electrónica, hip hop) fundidos y conectados entre ellos por el personal estilo quieto, expresivo y multifacético del grupo que refleja la sociedad moderna con sus emociones y sus ansiedades.
Best tracks :



39. Radiator de Super Furry Animals (1997)
Psichedelia, Britpop
"Radiator" representa el perfecto punto de unión entre enfoque experimental (electrónico y/o psicodélico) y calidez pop: una mezcla extremamente atractiva de power pop, synth desviado, rhodes jazz, guitarras lacerantes y acariciadoras, bocetos folk, coros alienantes, todo resaltado por una escritura a niveles máximos: compleja, multiforme, y sin embargo, sinuosamente "pegajosa", como todo el pop con la P mayúscula. Uno de los discos más extravagantes y escandalosamente creativos de su época.
Best tracks :



38. So Tonight That I Might See de Mazzy Star (1993)
Psych-pop
"So Tonight That I Might See" acentúa la dimensión onírica de la música de Mazzy Star, accediendo en ambientaciones cada vez más lánguidas y espectrales. Disco recomendado a cualquier persona que tenga la intención de concederse el don de un encuentro con Hope Sandoval, grande intérprete sin precedentes, inolvidable por aquella voz etérea, frágil y aterciopelada. Disco destinado a quién ha amado la psicodelia, y non podrá no reconecer la inteligente metamorfosis pop noventera. En cualquier caso: un disco de amar, y de tener.
Best tracks :



37. Screamadelica de Primal Scream (1991)
Housedelic-rock
Conocido simplemente como "el disco que ha unido el rock a la música dance" "Screamadelica" es una revolución cultural, que sacude de los cimientos aquél obtuso planteamiento que tiene como objetivo preconcebido mantener separados diferentes campos musicales, pero no por esto incompatibles. Primal Scream ha demostrado que se puede comenzar desde los sótanos para llegar a las discotecas, que nos podemos nutrir de rock y vivir de dance music, que se puede ser duros, sucios y malos aunque bailando. Disco creativo y sumamente inspirado.
Best tracks :



36. Moon Safari de Air (1998)
Electronica , Pop
“Moon Safari” es un disco agradable de escuchar y extremadamente amplio. La música electrónica más de ensueño dona una nueva vida a corrientes casi extinguidas por completo como el rock psicodélico. Pero no sólo: aquí nos encontramos con una revisión de sonoridades que pasan a través de una increíble clave modernista, enriquecido por sugestiones orquestales y por un gusto por las mezclas que se muestran siempre adecuadas y muy estructuradas. Air abre las puertas hacia una nueva forma de hacer música, convirtiendose en maestros e inspiradores de una entera generación de músicos.
Best tracks :



35. Painted From Memory de Elvis Costello & Burt Bacharach (1998)
Pop
De el encuentro de estos dos artistas nace un disco inolvidable, un disco que habla de las mismas pequeñas grandes cosas de la vida cotidiana: el amor, la vulnerabilidad, la incertidumbre, la soledad... Todo es filtrado por un pequeño desprendimiento, como sucede a menudo en la vida real. Doce canciones de "música ligera" de difícil colocación de género porque no pueden ser relacionadas con un tiempo, con una moda. Pero capaces de representar una mezcla irresistible entre la inteligencia y el alma de dos individuos que se han encontrado quizá reconociendo el uno en el otro un fragmento de sí mismo.
Best tracks :



34. Vivadixie Submarine Transmissionplot de Sparklehorse (1995)
Alt-rock
Disco original que, en su esquizofrenia estilística, centrífuga de una manera muy personal brillanteces de country-rock intimista a la Neil Young, ensayos de power-pop adrenalínico a la Big Star y trozos de folk psicodélico como los grandiosos Byrds. El nivel de la escritura es vertiginoso y los arreglos, son bastante minuciosos. Cuando un disco consigue comunicar sentimientos comunes de manera tan natural, simple y directa, y sin ningún tipo de veleidad intelectual, entonces quiere decir que es una verdadera obra maestra.
Best tracks :



33. Mellon Collie And The Infinite Sadness de Smashing Pumpkins (1995)
Rock
"Mellon Collie..." es un concept album, dividido en dos partes y narra un día entero en la vida de un chico: del alba al ocaso. el título sugiere, que un aura de melancolía decadente impregna todas las canciones del disco, sublimada en rabia deprimida en los temas más guitarrísticos o diluida en lánguido romanticismo en los más atmosféricos; este componente también contribuye a hacer único el resultado final, salvandolo del riesgo de ser sólo una amalgama de recortes musicales desesperados y convirtiendolo en una obra completa y conclusa.
Best tracks :



32. Ten de Pearl Jam (1991)
Grunge
"Ten" es uno de los discos más amados e importantes de toda la escena grunge, y ha abierto las puertas del circuito mainstream a docenas de otros grupos. Cada canción del disco es el manifiesto, a menudo trágico y amargo, de las vidas de diferentes personajes. La melancolía de Vedder, su canto doloroso, su voz cavernosa y potente, hace eco del malestar de una multitud de jóvenes que se reflejan en los personajes descritos en "Ten", decretando desde el principio el éxito. Su fuerza es el ser (todavía) un disco increíblemente anacrónico.
Best tracks :



31. Labradford de Labradford (1996)
Electronica
Mirada decadente sobre una realidad desvanecida como aquella representada en la desenfocada portada del disco; el camino que se realiza escuchando la obra maestra de Labradford es como una inmersión completa en una hipnosis existencial sin precedentes, una inquietud que no asusta  ni aterroriza, pero que captura y hace que sea una parte integrante de ella. "Labradford" es sin lugar a dudas uno de aquellos que son típicamente llamados "disco manifiesto", un disco que si digo "único en su género" es un eufemismo... Inolvidable obra de inmenso espesor artístico.
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*Hacer click en las canciones para ver los respectivos videos.

abril 22, 2011

Película del día...

Habemus Papam - Nanni Moretti , 2011

Nanni Moretti es uno de aquellos directores que divide siempre crítica y público, conquistando o dejando totalmente indiferente. Para bien o para mal, una película de Moretti se convierte siempre en un "evento", mediático. No es fácil encontrar una clave de lectura inmediata para su última obra. Una película que requiere tiempo para ser asimilada lentamente, y sobre la cual se necesitará reflexionar a largo plazo antes de estar expuesto de manera inevitable. El tema tratado, por otra parte, es tan curioso y original que no deja absolutamente indiferente. "Habemus Papam" nos regala a un Moretti completamente alejado de sus últimas películas, decididamente "políticas", y preparado para entrar en las secretas habitaciones vaticanas, en el medio de un Cónclave. Cogiendo inspiración de la elección Papal, Moretti, centra su atención en las angustias de un hombre, elegido "Dios en la tierra" pero en realidad frágil como cualquier otro ser humano. Abrumado por la imponente e inesperada responsabilidad apenas concedida. El Papa de Moretti tiene el rostro cansado, perplejo y afligido de Michel Piccoli, que se encuentra en una crisis depresiva en el momento exacto del anuncio hecho a la multitud reunida en Piazza San Pietro. Para tratar de ayudar al silente y asustado nuevo Pontífice, los cardenales se inclinan hacia el psicoanálisis y hacia el psicoanalista interpretado por un sorprendente y autoirónico Nanni Moretti, personaje no creyente y un poco irritabile, pero absolutamente irresistible...

Técnicamente "importante", con escenografías sontuosas, una Capilla Sixtina completamente reconstruida en los estudios de Cinecittà, con magníficos vestuarios y una épica banda sonora (inolvidable el tema "Todo Cambia" interpretado por Mercedes Sosa en una de las escenas morettianas por excelencia, la del baile cardenalicio), "Habemus Papam" varía continuamente, entre comedia y drama introspectivo, mostrandonos el rostro inédito de la Iglesia Católica, representada por decenas de cardenales que en medio del cónclave pregan al Señor no para ser elegidos, sino más bien para escapar de la inminente responsabilidad, y llenando los momentos de pausa con inconsuetas partidas de cartas. Un punto de vista tocado con garbo por Moretti, que consigue no caer en la fácil ironía, de ninguna manera caricaturista sino más bien sorprendentemente original, sabiendo diseñar rasgos humanos de hombres que desde el exterior, frecuentemente, son vistos casi como "divinidades" en la Tierra.

Nanni Moretti encuentra casi milagrosamente un tono bastante complejo, suspendido entre una solemnidad muy espiritual y un agradable sarcasmo, mientras que consigue expresar esta polifonía de voces y opiniones de forma brillante. Todo esto confirma que cuando se lo propone es un grandísimo director, y no de aquellos que dan vida a infinitos planos secuencia o que utilizan el dolly continuamente, que sabe siempre donde poner la cámara. Las cosas mejores son aquellas silenciosas, como cuando el Papa se encuentra solo o como cuando está en el fondo de una escena. Inúti decir que la interpretación de Michel Piccoli es fundamental, el actor es capaz de expresar eficientemente la extraordinaria complejidad del personaje, es sumamente difícil interpretar un papel excesivo sin excesos. Piccoli lo consigue espléndidamente.

Dejando de lado la real "credibilidad" de la historia narrada, la poética "Habemus Papam" es el admirable regreso de un grande director, poco "prolífico " desde el punto di vista de la dirección pero de ninguna manera banal, que una vez más ha conseguido conquistar a su público a través de una película tan particular como valiente (sobre todo en el final), técnicamente impecable y interpretativamente sublime, a momentos imperfecta pero indudablemente más que notable, Nanni Moretti confecciona una película luminosa y agradable que posee el valor de permanecer suave e intensa, en un admirable equilibrio entre espiritualidad y laicismo bastante peculiar que no se revela fácilmente en una primera visión y que requiere absolutamente un segundo visionado.

Valoración : 8/10


En dos palabras : Moretti maneja con extrema riqueza una confección sontuosa y elegante, consiguiendo utilizar con clase una temática indudablemente difícil, pero en este caso particular, sumamente estimulante. "Habemus Papam", es el perfecto equilibrio entre "mensaje" y entretenimiento, una de las obras más maduras y complejas del director, une el drama humano con lo religioso dando forma a una mezcla de notable inteligencia. Absolutamente recomendable.

abril 20, 2011

Las 50 Mejores Películas de los 90's II.

40. Dead Man de Jim Jarmusch (1995)


Una película que sorprende, muy atemporal, un poco Kafkiana, un poco Shakesperiana con tantos enganches entre western tradicional y sobrenatural, ironía y saltos de cine de terror. El trabajo de Jarmush es rico de simbologías, citas infinitas e ilimitados planos de lectura que la convierten en una cinta de apreciable factura. Pintada magistralmente con una lentitud majestuosa y meditativa, la obra esta hábilmente rodeada por una fantástica fotografía (que dona vejez y suciedad a la película), por la música obsesiva y oscura del grande Neil Young y por la soberbia interpretación de Johnny Depp. (tráiler)




39. Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick (1999)


"Eyes Wide Shut" es un enigma irresolvible cuyos personajes estan a disposición ante nuestros ojos para ser percibidos, traducidos y entendidos. Las imágenes se suceden en una dialéctica entre aquello que muestran y aquello que en realidad significan. Kubrick certifica continuamente aquello que parece falso, aquello que no pertenece a la esfera del la realidad, sino más bien a las ambiguas e (in)decifrables del sueño y de las representaciones (fiestas, orgías, ritos, máscaras, música); y al mismo tiempo impregna de incertidumbre todo aquello que procede auténtico y coherente escena tras escena. (tráiler)



38. In the Mouth of Madness de John Carpenter (1994)

Imprevisible, angustiante, inquietante, una perla que debe ser redescubierta dentro de la cinematografía de uno de los indiscutibles maestros del terror. La obra más ambiciosa y compleja de John Carpenter, en donde su visión apocalíptica, nihilista de la humanidad y de su evolución alcanza la perfección y es empujada hacia extremas consecuencias. Obra absolutamente visionaria con escenas impregnadas de una atmósfera alucinante y de un escenario turbio que solamente él podía haber creado y con uno de los mejores finales jamás realizados para una película de terror. Un cult!. (tráiler)





37. Happiness de Todd Solonz (1999)


Formidable mezcla de drama y humor negro, cinismo e ironía, la obra de Solondz nos revela aquello que se esconde bajo las tumbas blanqueadas de la respetabilidad burgués: perversiones, debilidades, desesperación, violencia. Una galería de los horrores absorbida por una presunta “normalidad”, y por esto aún más inquietante: porque nos obliga a observar los aspectos patéticos y monstruosos con los que se compone nuestra realidad cotidiana. "Happiness", título deliberadamente antifrastico, indica el tema que une las diferentes historias narradas: la búsqueda frenética de una felicidad tal vez imposible de alcanzar. (tráiler)




36. Chóngqìng Sēnlín (Chungking Express) de Wong Kar-wai (1994)


Obra delicada, que nos introduce en la historia poco a poco, presentandonos al principio los efectos y después las causas. El cine de Wong Kar-wai es distante de la epicidad y en "Chungking Express" el caso y la soledad reinan incontrastables, juegan con los destinos y los sentimientos de los personajes: una capa oprimente de ineluctabilidad silenciosa que carga sobre la puesta en escena, a la cual no queda más que refugiarse en personales microcosmos oníricos y en soliloquios mentales delirantes... El director concede visibilidad a los sueños, voz a los silencios; y una esperanza a los finales pendientes. (tráiler)




35. Life Is Sweet de Mike Leigh (1991)


Otro lucido, despiadado, cáustico retrato de la clase obrera inglés por parte del ingenioso e irreverente Mike Leigh: "Life Is Sweet" es una dulce historia realista, que oscila entre la comedia y el drama, nacida como una sutil controversia contra ciertas realidades ingleses. en particular asistimos a la ruptura de una familia normal che afronta los problemas cotidianos que muchos núcleos a menudo se encuntran (im)preparados para hacer frente. Estamos en los parajes de Ken Loach, pero más grotesco, más locuaz, más divertido(o más desagradable, según los gustos). (tráiler)





34. Mat I Syn (Mother And Child) de Aleksandr Sokurov (1997)


Una película insólitamente vibrante, obra desgarradora, delicada como la piel de un niño, y al mismo tiempo cruel como una puñalada en la espalda. Película profundamente sincera , cuya única música de fondo es la voz de los dos protagonistas; una voz suave, susurrada, como las circunstancias lo requiere. Sokurov compone una elegía bajo la huella de la muerte construyendo imágenes como un pintor con sus cuadros, donde a menudo se sumergen los mismos protagonistas. Dura sólo una hora y cuarto., pero su recuerdo dura toda una vida. (tráiler)




33. Ta'm-e gīlās (Taste of Cherry) de Abbas Kiarostami (1997)


El grande director iraní decide abordar un tema difícil y controvertido como el suicidio, realizando una obra hermética y profunda detrás de una apariencia de simplicidad absoluta y hace un viaje intensa y doloroso en el alma humana; confecciona con sabiduría el diálogo y los silencios, el paisaje altamente simbólico, la expresividad totalmente natural del extraordinario actor protagonista para llevar a cabo la intimidad del personaje. La mirada de Kiarostami se mantiene siempre distante y fríamente quirúrgica, pero no menos humana y campasiva. El resultado es una obra de grande poesía. (tráiler)




32. Fargo de Joel & Ethan Coen (1996)


Joel y Ethan Coen aman jugar con géneros y códigos narrativos, en particular aquellos del noir, que aquí, se combinan con la comedia. Comedia sobre la evasión de la rutina, sobre los confines en donde puede ir el hombre para tratar de cambiar la vida propia, generando por el contrario discrasie, caos, dolor. El humorismo nace de la observación de las medidas adoptadas por pura desesperación y escaso interés. La violencia se convierte en una farsa y la imprevisibilidad norma. Los Coen destripan estereotipos regionales de una tajada de America, con elementos de verosimilitud cultural e idiomática, y sátira social. (tráiler)




31. Lost Highway de David Lynch (1997)


"Lost Highway" es el clásico retrato de la potencia de las imágenes que sólo un artista como David Lynch puede expresar de forma excepcional. Un cuadro perfecto de todo auqello que se conoce del estilo del realizador y de como reacciona la mente de una persona con los problemas de la doble personalidad, las sensaciones que prueba, el desconcierto y los lapsos de memoria, la convicción de vivir realmente dos vidas en dos cuerpos diferentes(a menudo se trata de existencias totalmente opuestas e irreconciliables). Un viaje enfermizo al interior de un acontecimiento tan ordinario y "falso" de parecer terrorífico. (tráiler)

abril 17, 2011

Película del día...

The Ward - John Carpenter , 2011

Kristen es arrestada después de haber dado fuego a una casa y es llevada a un hospital psiquiátrico, donde vivirá con otras chicas en una sección aislada. Por las noches los pasillos se llenan de sonidos terroríficos, tal vez producidos por una de las chicas que consigue escapar de su celda . Pero la verdad se encuentra en otra dirección, y Kristen esta dispuesta a todo con tal de desvelar ese misterio que se hace cada ves más grande.

John Carpenter dirige una película clásica. A comenzar por el íncipit, el primero de una serie de asesinatos por mano de un misteriosa presencia que infesta un hospital psiquiátrico, es bastante obvio darse cuenta que nos encontramos frente a una película realizada por el autor de “Halloween”. Pocas cosas en vano, movimientos de cámara controlados pero bastante armoniosos, montaje que evita el efecto de videoclip que parece dominar el cine de género hoy en día. La grandeza de Carpenter esta exactamente en la atención por los detalles, pequeñas pistas desparramadas en la película que, como las migas de Pulgarcito, guian al espectador sobre los caminos de la verdad, aunque si muchos de ellos pueden ser comprendidos y apreciados sólo después de haber descubierto el mistero que se oculta en la película.

Carpenter había prometido de realizar una película "old school", y la promesa ha sido mantenida. En cada pequeñísimo detalle, desde las escenografías, pasando por la fotografía y el maquillaje, “The Ward” parece una película de otros timepos, como si hubiera sido aspirada por un vórtice temporal y arrancada de los años ochenta para ser proyectada en una sala en el 2011. Un clasicismo que, en vez de aburrir o parecer nostálgico, captura y encanta hasta el final. a pesar de un twist que es fácil de anticipar después de 30 minutos de metraje. Pero las sorpresas aquí cuenta relativamente poco: a contar es una ejecución segura, experta, y una gestión del suspenso y del atmósfera que actualmente se dan por descontado, pero que no lo son de ninguna manera.

El cast está compuesto por jóvenes y bellas promesas del séptimo arte, entre las que destacan Danielle Panabaker, Lindsy Fonseca y obviamente la protagonista Amber Heard, que demuestra una grande capacidad de brillar en pantalla, el director se centra sobre sus rostros y sobre sus expresiones, casi cono si desearía entrar en los meandros de sus mentes. Pero a sobresalir es Jared Harris, óptimo en el papel del director del instituto. A pesar de la temática horror, ninguno de ellos actua de manera excesiva, mérito también de la dirección de Carpenter, que no le gusta nunca exagerar. Estrategia ganadora, porque en manos de cualquier otra persona esta película habría sido sólo un producto anónimo de género, en manos de él, por el contrario, se convierte en un trabajo sólido y decididamente agradable.

"The Ward" es una película que marca el regreso de uno de los más, originales, anarquistas, simpáticos y genialoides maestros del cine de génere, que después de la brillante "Ghosts of Mars" del 2001 no había realizado nada más, a excepción de dos  interesantes episodios para la serie "Masters of Horror". Por esto, y por el hecho de que estoy hablando de John Carpenter, no es fácil escribir una crítica, porque aunque habrán espectadores que irán a ver la película sólo pera disfrutar de dos horas de una historia llena de tintas oscuras, habrán muchos más que pagarán la entrada para poderse abandonar finalmente entre los brazos sólidos y precisos del autor que tanto han amado y por el cual han sentido enormemente su ausencia. Visionar una película con ese sentimental estado de ánimo condiciona todo, obviamente. Pero es así y no se puede prescindir o, mejor, es un delito prescindir. Es como perderse una parte de la fiesta.

"The Ward" a su manera es la película que faltaba (una maravillosa pieza)en la espléndida filmografía del maestro, el regreso a (más allá de) los orígenes, que expresa las ganas de volver al cine de terror con un acercamiento “modesto” (la película es realmente low-budget, pero la confección es bastante digna) y las ganas de homenajear el género en cuestión.

Valoración : 8/10


En dos palabras : La película funciona principalmente gracias a la dirección de una leyenda de género de nombre John Carpenter. Es el ejemplo de como un material abusado (ghost-stories) puede transformarse en algo verdaderamente bueno, gracias a la ayuda de un sistema inteligente de tiempos e imágenes. "The Ward" es una lección de la creación de suspenso, con momentos elevadísimos de tensión y un gran ritmo. Recomendable para los apasionados de Carpenter y para todos los espectadores en la búsqueda de una película de terror del clasicismo exquisito.

abril 13, 2011

Disco Fundamental...

Tonight's The Night - Neil Young (1975)

Género : Rock

Tracklist : 

01. Tonight's the Night
02. Speakin' Out
03. World on a String
04. Borrowed Tune
05. Come on Baby Let's Go Downtown
06. Mellow My Mind
07. Roll Another Number (For the Road)
08. Albuquerque
09. New Mama
10. Lookout Joe
11. Tired Eyes
12. Tonight's the Night, Pt. 2

Describir los sentimientos o la manifestación de los mismos es una labor tan ardua como ineficaz por que significa descontextualizarlos de la experiencia del individuo y conducirlos hacia una dimensión poblada por construcciones artificiales, fruto de la mercantilización de las ideas, por la necesidad de comunicar; aquello que sigue como una degradación del mensaje. Hablar de "Tonight's The Night", es sobre todo, como simplificar la profundidad de aquella experiencia, pero hablar también implica describir la magnificencia y esperar que espíritus afines se abandonen completamente al flujo corrosivo de aquellas estupendas notas.

Disco memorable que trasuda dolor, el dolor de quién ha visto personas amadas caer en el abismo del pecado sin volver a resurgir. Pero la manifestación del sufrimiento, en este caso catarsis y no simple autocompasión; es el medio a través del cual hacer frente a la pérdida, tocar el fondo del barril para después comenzar el ascenso. No sabemos si Neil Young ha logrado conseguirlo, el hecho es que "Tonight's The Night" es uno de esos casos en el que arte y vida real se compenetran indisolublemente, haciendo inexistente o por lo menos inestable la frontera entre mera expresión artística y exteriorización de un sentimiento. En este sentido, resulta emblemática la conmovedora "Mellow My Mind", donde el cantautor, accompañado por la inseparable armónica, parece derramar lágrimas en vez de cantar. E incluso los temas más rock son teñidos de dolor como por ejemplo el boogie alucinado de "World On A String", donde Young hace demostración de su manera nerviosa en tocar la guitarra, acompañado por una batería del ritmo metronómico.

El funeral cofe forma con "Borrowed Tune", piano, armónica y voz sutil aún padeciente y nostálgica. La guitarra eléctrica regresa protagonista en "Come On Baby Let's Go Downtown", dinámica blues y estribillo canturreable, quizás el tema más alegre de todo el disco, llegan aún más atmósferas relajadas en el country de "Roll Another Number", que se entrelazan con las las baladas campesinas de "Harvest" (disco del 1972), ¿y qué decir de "Albuquerque" ?...indudablemente una de las obras maestras de Neil Young: un slowcore ante-litteram del paso intrépido, con las guitarras dialogantes (ácida la de Neil Young, desertica la de Ben Keith), que trasudan psicodelia, óptimo modelo para las canciones más experimentales del catautor canadiense...

"Tonight's The Night" es tal vez el primer concept-album sobre el dolor en la historia del rock, en donde el cantautor canadiense, teniendo una visión clara del propio tiempo, consigue capturar los excesos de una idealidad, desplazando todo en el contexto de su experiencia personal, entrando en discordancia cognitiva con lo que él había (siempre) creído. La grandeza de este disco esta en el ser una obra completa por donde se le mire, en donde la profundidad de los contenidos es transmitida por un sound original, inmensamente influyente en las sucesivas generaciones de músicos. Con este disco Neil Young demuestra de ser un grande filósofo del dolor, portador de un mensaje universal y (a)temporal, porque es fruto de una experiencia individual... En una sola palabra : inmortal.

* 3 grandes temas : 




abril 11, 2011

Los 50 Mejores Discos de los 90's I.

50. Jagged Little Pill de Alanis Morissette (1996)
Alternative rock
Este disco es el retrato de la ganas clásicas de vivir de la juventud y representa diferentes estados de ánimo en manera fresca, espontánea y por consiguiente siempre actual. El tercer trabajo de Alanis es rico en matices, como la portada. Una mezcla de determinación, alegría y deleite, positividad, melancolía y tanta, tantísima aguda ironía, a momentos irreverente. El todo sostenido por los espléndidos arreglos de Glen Ballard que se adaptan perfectamente a los excelentes textos y a los diferentes ambientes de cada canción.
Best tracks :



49. Outside de David Bowie (1995)
Industrial rock, Experimental
Síntesis absolutamente contemporánea de todo aquello que en los veinte años anteriores había entrado en colisión con las búsquedas de Bowie: un choque proyectado en 14 (espléndidas) canciones y 6 temas recitados, dentro de residuos digeridos de ambient music, rock industrial contemporáneo, funk mutante, fragmentos de languideces glam, y muchas otras cosas más, todo emulsionado por una escritura disociada, que procede por acumulaciones, elipsis y lagunas, y que encuentra una verificación programática en la deseada incompletud de un final aún abierto.
Best tracks :



48. Homogenic de Björk (1997)
Electronic, Trip hop
Manifiesto absoluto de la creatividad y de la intensidad artística de la compositora islandesa, el himno del alma retorcida pero romántica, cerebral y poética. El disco que ha definitivamente decretado su suceso y enriquezido de fama su figura. "Homogenic" es una puerta trasera en donde se esconden inventos descabellados y hechizos de otros tiempos: debéis saber que abrirla implica permanecer en su interior durante mucho tiempo, o si tenéis suerte, os quedaréis dulcemente encadenados para siempre.
Best tracks :



47. XO de Elliott Smith (1998)
Songwriter
Disco de la completa maduración artística y compositiva; Elliott Smith perfecciona una vez más sus composiciones independientes agregando una base musical más elaborada, construida, orquestal. Se sumerge dentro de pianos, instrumentos de cuerda y de viento creando una atmósfera envolviente en el disco, alejado del minimalismo de sus inicios. Las canciones se vuelven cada vez más fuertes, intimistas, filosóficas, libres de reglas, y los pasajes vocales pasan con desenvoltura de una tonalidad a otra convirtiendose en una constante.
Best tracks :



46. Achtung Baby de U2 (1991)
Rock
"Achtung Baby", es y representa para U2 un periodo de cambiamento memorable en su música. Como una ola impetuosa, la madurez revuelca al grupo de Dublín, que realiza una obra sugestiva en la secuencia impecable de doce canciones que aunque si las escuchas docenas de veces nunca llegan a cansar, al contrario, no dejan de fascinar por aquella serie de sonidos que trasudan sensaciones, emociones.Un disco con atmósferas bastante compactas para escuchar preferiblemente de noche.
Best tracks :



45. To Bring You My Love de PJ Harvey (1995)
Blues-Rock
PJ Harvey nos muestra la dolorosa transición de la adolescencia histérica a la madurez uterina; ¿y qué cosa si no el blues, el canto de dolor por excelencia, para expresar este traspaso? un ciclo de diez canciones mojadas por el pecado,  por la culpa, por la redención, por un sentimiento religioso que roza lo blasfemo; no es arriesgado pensar en una versión femenina de Nick Cave o quizá Leonard Cohen. Disco inolvidable y terriblemente atrayente. Al igual que su autora.
Best tracks :



44. (What's The Story) Morning Glory? de Oasis (1995)
Rock, Britpop
"(What's The story) Morning Glory?" es el segundo disco de la band de los hermanos Gallagher, y se puede considerar como el más explicativo en su estilo, se puede inserir en una pequeña ruta de crecimiento sonoro, entre "Definetly Maybe" y "Be Here Now". Oasis puede gustar o no, pero este disco es ciertamente muy importante en su género. Ha resucitado una manera de tocar rock que se estaba definitivamente perdiendo en los años 90. Y tal vez la importancia fundamental se encuentra en esto. Innegable decir que se trata de un cd que ha hecho y hará historia.
Best tracks :



43. Violator de Depeche Mode (1990)
Synth pop
"Violator" es un disco inmenso,  intenso, pegadizo y oscuro en igual medida, con una electrónica nunca tan calibrada, tanto así de dejar espacio a guitarras, percusiones y arreglos orquestales sin necesidad que estos alteren mínimamente el estilo típico e inconfundible de Depeche Mode. Inolvidable las notas de este disco, como la incisividad de los textos poéticos cargados de filosofía directa óptimamente estructurados en todos sus puntos. Un verdadero Cult!
Best tracks :



42. Laughing Stock de Talk Talk (1991)
Slo-core
Mark Hollis &  co. dan vida a canciones que saben de viejo (en el buen sentido de la palabra) pero que inventan, nota tras nota, un mundo nuevo. A veces cristalino e impalpable. Otras veces, mucho más concreto y perturbado por pasajes más turbios. Pero la fuerte valencia de la espiritualidad laica que acompaña "Laughing Stock", hace que esto más que un trabajo de perdición sea sustancialmente un canto infinito de redención y de ascenso. En alto, hacia el sol, hasta no regresar nunca jamás.
Best tracks :



41. Millions Now Living Will Never Die de Tortoise (1996)
Post-rock
Un sound cambiante, envolviente, infinito, sumergido en el futuro, con el irrenunciable perfume del pasado. Explosiones al margen, límites extremos que(porque) niegan cualquier prospectiva, mirada lanzada hacia características encrucijadas de mil posibilidades. Energía y miedo, fuga hacia adelante e inercia alterada. Mínimos términos y máximos sistemas, ligereza y genio, diversión y shock indeleble: los rasgos somáticos de una obra maestra.
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abril 07, 2011

Las 50 Mejores Películas de los 90's I.

50. Rushmore de Wes Anderson (1998)


Adolescentes inquietos y caprichosos, adultos inmaduros y flemáticos se dejan llevar por un mundo extravagante y surrealista iluminado por los colores pop de la provincia norteamericana. la película, lejos del entorno habitual de las comedias estudiantiles, es un mosaico original e intimista de personajes infantiles y contradictorios, filmados con el toque seco, personal y unico de un autor excéntrico como sus creaciones. (tráiler)








49. The Ice Storm de Ang Lee (1997)


Un verdadero documental sobre los usos y costumbres de la America de entoces, el balance de la verdad de los hechos : esta es la impresión que se obtiene, y no de una película basada en una novela. Ang Lee no se rinde ante encantos estilísticos y ante aquél deplorable gusto de "película de arte" que infesta las obras de varios de sus conterráneos. Su mano se desliza segura, entre estos escenarios de época, llegando directa al grano, sin manierismos. (tráiler)








48. Fight Club de David Fincher (1999)


Implicante, irreverente, violenta, lujuriosa y anarquiata, "Fight Club" es todo esto y muchas otras cosas más, basta que cada uno la interpreta como mejor desee, lo importante es dejarse transportar por el grande David Fincher, en los mendros de la locura autodestructiva que la sociedad actual cotidianamente nos contagia bajo forma de venenosa droga subliminal, droga que crea inexorablemente una incurable dependencia por el símbolo de estatus. (tráiler)







47. American Beauty de Sam Mendes (1999)


"American Beuty" es como un viaje sumamente colorido a través de la vida en los barrios residenciales americanos. El título desvela los significados de la película, un trozo de vida cotidiana, que encarna en sus personajes el tipo de realidad americana, analizando y desarrollando algunos preconceptos típicos de la mayor parte de las personas, una realidad que a menudo resulta imprevista y en donde se encuentra inesperadamente aquella belleza tanto deseada. (tráiler)






46. L.A. Confidential de Curtis Hanson (1997)


La fuerza de la película (como de la novela) es el sublime contraste entre los ambientes respetables y las depravaciones de quién las vive, entre las fascinantes atmósferas hollywoodianas de los años 50 y el pragmatismo de los potentes que no dudan en montar las más vergonzosas maquinaciones con tal de conservar sus propios privilegios. El equilibrio inocenca/corrupción esta magníficamente subrayado por la fotografía cromática y por los claroscuros de los fabulosos personajes. (tráiler)






45. Short Curts de Robert Altman (1993)


Con una mirada distante pero complice, irónica pero empática, severa pero compasiva, sin necesidad de exagerar Robert Altman narra una historia que cada día se cuenta por sí sola en todas las carreteras de nuestras ciudades caóticas, pero que no somos capaces de percibir si no a través del filtro de la sensibilidad artística.Una obra maestra de mimetismo y al mismo tiempo una grandiosa, variada, inquietante y emozionante reflexión sobre la vida contemporánea. (tráiler)







44. Rosetta de Jean-Pierre & Luc Dardenne (1999)


Película amarga, pobre, pero de alguna manera genial e indispensable. "Rosetta" es un corazón que late, un corazón obsesionado, símbolo de miles de jóvenes que no encuentran un lugar en la sociedad, una sociedad que rema en el sentido opuesto empujando hacia los bordes a quién desee desesperadamente entrar al interior, es una realidad que nadie desearía conocer y cada uno de nosostros quisiera que no existiese, pero existe, y los hermanos Dardenne muestran magistralmente su presencia. (tráiler)






43. Farewell My Concubine de Chen Kaige (1993)


Con “Farewell My Concubine”, Chen Kaige cuenta medio siglo de historia de la China (y de su mágico teatro), a través de un acontecimiento que a su vez toca la homosexualidad y las relaciones humanas. El resultado es una de las más célebre películas chinas jamás realizadas: una obra completa, de una elegancia más unica que rara, tres horas de amarguísimo  melodrama histórico (y al mismo tiempo una joya de intimidad) che pasan sin ni siquiera un bostezo. (tráiler)






42. Bram Stoker's Dracula de Francis Ford Coppola (1992)


Bram Stoker's Dracula, es una sontuosa película de terror de autor, y también un grande homenaje al cine, a sus origenes (con un par de secuencias con linternas mágicas y películas mudas), al arte liberty y al gótico, una historia de amor y de muerte apasionada, sensual y trágica, legible y apreciable desde varios puntos de vista, una película que no es tan sólo  para los fans de este género, aunque si no faltan la sangre, las transformaciones y las escenas de miedo. (tráiler)






41. The War Zone de Tim Roth (1999)


Incesto, infelicidad e indiferencia son los sentimientos y los temas que circulan en esta sorprendente ópera prima realizada por actor-director que ha tenido sobre todo respeto por sus actores y que modela una película dura, capaz de transmitir malestar y de dejar la sospecha de una asperezza calculada. Una película altamente educativa, poética,  muy humana y bastante cercana. Una obra difícil de mirar e indudablemente  imposible de olvidar. (tráiler)

abril 03, 2011

Película del día...

Confessions - Tetsuya Nakashima , 2010

La primera media hora de "Confessions" es uno de los íncipit más deslumbrantes e inolvidables que el cine haya conseguido proponer en los últimos tiempos: en una ordinaria, rumorosa clase escolástica japonés una joven maestra con la voz pacata y casi tranquilizadora esta haciendo su discurdo de despedida. Abandona porque ha muerto su hija Masami, a pesar de que dicen que fue un accidente ella descubre como ha muerto y quiénes son los culpables, informa que se vengará de los asesinos de la pequeña Masami y que su venganza ha comenzado desde las cajas de leche que todos los alumnos han apenas bebido. Se desata el caos pero la maestra continúa a contar de sí misma, de su vida y de su dolor. Una confesión enjendrada por un "je accuse" perentorio y misterioso al mismo tiempo. Ahora si se pensase que esta película es el clásico revenge-movie sería totalmenteun error. Porque en realidad nos encontramos frente a algo de jamás antes visto.Un Rashomon espurio en donde cada una de las cinco voces/personajes principales cuenta la propia historia desde la propia perspectiva. Cinco confesiones, cinco puntos de vista.

Tetsuya Nakashima con uno estilo particularísimo entre recubrimientos lúcidos y oscurísimos virados hacia el rojo sangre, realiza un thriller psicológico original y poderoso que a partir desde el desvelamiento de un misterio (la identitad de los culpables es clara desde el principio) posee la valentía de implicar y turbar mostrando las consecuencias a través de una simple secuencia de pequeñas historias: aquella de la maestra, en efecto, es sólo la primera de las confesiones a la que el título hace refierencia y  a través de la cual la película se desanuda y se estructura, añadiendose después aquellas del alumno "A", del alumno "B" (así es como los llama la maestra), de la madre de este último, y de la compañera de clase Mizuki. Sus declaraciones se agregan, se sobreponen y se integran , proporcionando una continua intercalación de espacios temporales y puntos de vista, y conduciendo de la mano al espectador en el pozo sin fondo de una sociedad enferma y sin referencia alguna en las que los padres distraídos y ausentes crecen hijos nihilistas, anafectivos y violentos.

Dan miedo los dos pequeños asesinos, capaces de cometer un delitto absurdo y de tener, frente a la evolución de los hechos, reacciones tan antitéticas entre ellos como igualmente extremas; dan miedo sus respectivas madres, una ausente porque huyó del rol de madre, indiferente de haber abandonado un hijo a sí mismo con tal de hacer una carrera, la otra omnipresente y sobreprotectora, tensa a exculparlo negando la evidencia; dan miedo sus compañeros de clase, tan rápidos en el marginar los monstruos de parecer a su vez igualmente monstruosos; da miedo la joven y misteriosa Mizuki, tan buena en esconder su lado oscuro detrás de una fachada de madurez aparente; y da miedo incluso la maestra Moriguchi, insensible por el inmenso dolor probado a tal punto poner en pie un plan diabólico y despiado. Dan miedo todos: porque son reales, verosímiles, inseguros, y tremendamente humanos. El mundo oscuro y siniestro de la película es el lugar perfecto para hacer actuar carácteres disfuncionales, dejando poco espacio a la normalidad de las personas. No es fácil identificarse con uno de los protagonistas; Desde luego es natural ser partidario de la maestra vengadora, pero los ambientes en los que viven y actúan los "malos" es fascinanate, brillante, rico, genial. En fin, no os sorprendais si os encontrais a simpatizar por la persona más despreciable.

No hay juicio moral, no existen tesis justicialistas de llevar a cabo, existe más bien la clara intención de poner el énfasis sobre el cortocircuito incurable entre tensión moral y humana debilidad, entre propósitos de venganza,  sensación de pérdida y necesidad de aserción. Lúcido, racional e implacable, Tetsuya Nakashima adopta una dirección plástica, geométrica y sinuosa que a través de un estilo álgido y distante mantiene la película constantemente en equilibrio entre la elegancia de la forma y la brutalidad de la sustancia del drama narrado. Escrito por él mismo teniendo de base la novela homónima de Kanae Minato, sostenido por la fotografía limpia y nítida de Atsushi OzawaMasakazu Ato y por la prueba glacial, incisiva y magnífica de Takako Matsu en el papel de la maestra Moriguchi, habilísima en el manifestar el vacío interior trabajando por sustracción, y contrapuntado por una banda sonora respetable en la cual, junto a las experimentaciones de Boris, se destaca entre las otras la hipnótica e nocturna "Fantasy" de  The XX además de la atormentadora, ansiosa y grandiosa "Last Flowers" de Radiohead, "Confessions" es una película inquietante, poética y extrema: una visión sugestiva e impresionante, destinada a permanecer, capaz de satisfacer los ojos y sacudir las mentes.

Valoración : 9 / 10


En dos palabras : Tetsuya Nakashima dirige una rapsodia en negro que habla de jovenes sin valores, en donde la regla escolástica es tan sólo una pantalla detrás de la cual dar rienda suelta a bestiales instintos. Una película de enorme belleza que desde el punto de vista de la sustancia resulta estar llena de ideas y matices. El punto de no retorno de los revenge-movies, quebrando de un solo golpe cualquier otra película de este género. Absolutamente recomendable.

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