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Las 30 Mejores Películas de 2011 II.

2012-02-13T18:00:00.000+01:00

15. Restless de Gus Van Sant

14. Le Havre de Aki Kaurismäki

13. Confessions de Tetsuya Nakashima

12. Meek's Cutoff de Kelly Reichardt

11. Senna de Asif Kapadia

10. Tinker Tailor Soldier Spy de Tomas Alfredson

09. Mistérios De Lisboa (Mysteries Of Lisbon) de Raúl Ruiz

08. Submarine de Richard Ayoade

07. Tyrannosaur de Paddy Considine

06. Shame de Steve McQueen

05. Drive de Nicolas Winding Refn

04. A Dangerous Method de David Cronenberg

03. Hugo de Martin Scorsese

02. Faust de Alexander Sokurov

La Mejor Película de 2011...

01. The Tree Of Life de Terrence Malick

Las 30 Mejores Películas de 2011 I.

2012-02-11T16:35:00.000+01:00

30. Carnage - Roman Polanski

29. We Need To Talk About Kevin de Lynne Ramsay

28. The Guard de John Michael McDonagh

27. Like Crazy de Drake Doremus

26. Melancholia de Lars von Trier

25. Midnight In Paris de Woody Allen

24. Warrior de Gavin O'Connor

23. Once Upon A Time In Anatolia de Nuri Bilge Ceylan

22. Cold Fish de Sion Sono

21. The Artist de Michel Hazanavicius

20. 13 Assassins de Takashi Miike

19. Weekend de Andrew Haigh

18. Take Shelter de Jeff Nichols

17. A Separation de Asghard Farhadi

16. La Guerre Est Déclarée (Declaration Of War) de Valérie Donzelli

Película del día...

2012-02-09T17:00:00.000+01:00

Hugo - Martin Scorsese, 2011

Existen historias que se convierten en parte de nosotros, plasmandonos inconscientemente, y que se revelan ante nuestros ojos cuando ya es demasiado tarde para escapar de su influencia. Tal vez es algo imperceptible, que ciertamente no cambia nuestra vida, pero esto no quiere decir que no exista. Puede ser una fábula escuchada distraídamente en la infancia antes de ir a dormir, la ilustración del superhéroe que ha llenado de aventuras nuestras tardes de adolescentes, el fotograma de esa película capturada por accidente cambiando de canal en la televisión. No siempre todo aquello evoluviona, a veces queda relegado en nuestro equipaje sensorial... pero en raras ocasiones se convierte en pasión y arte.

¿Qué tiene esto que ver con la reseña de "Hugo"? Las asociaciones son mucho más simples de lo que puedan parecer, por que el último trabajo de Martin Scorsese, es una verdadera obra de pasión y amor, hacia ese cine que le ha convertido en la leyenda que todo el mundo conoce. Y por que, a fin de cuentas, toda la historia de Hugo Cabret nació un poco por casualidad, un poco por magia, un poco por distracción. El cine actual en el último año ha querido rendir homenaje al cine de los orígines. Primero la hermosa película muda en blanco y negro de Michel Hazanavicius, y ahora toda una película que nos lleva de la mano a los años 30 en la encantadora París del siglo pasado, contandonos la extraordinaria historia del hombre que transformó el medio de los hermanos Lumiere en arte, dando vida a la máquina de los sueños.

Hugo Cabret (Asa Butterfield) es un niño de doce años con tantos recursos que vive completamente solo en la estación ferroviaria de París. Su padre murió en un trágico accidente y todo lo que queda de él es un cuaderno garabateado y un autómata estropeado: es por eso que al pequeño le encantaría arreglarlo y ponerlo en función. El suyo es un autómata especial, por que puede escribir e, ingenuamente, Hugo cree que esconda el último mensaje de su padre, atrapado en los engranajes en la espera de ser puesto en libertad. Para tratar de completar su tarea busca los mecanismos necesarios en la tienda de juguetes de la estación, robando todo aquello que necesita. Pero un día es descubierto por el dueño (Ben Kingsley), que confisca todo lo que tiene en los bolsillos, incluído el cuaderno con los planos para la reparación del autómata. Hugo le sigue de vuelta a casa, desesperado por la pérdida. Se verá obligado de pedir ayuda a Isabelle (Chloë Moretz), la ahijada del propietario, para recuperar su tesoro. Sin embargo, el fabricante de juguetes no está tan dispuesto a dejar ir a Hugo sin haber revelado antes el misterio que le rodea, tal vez porque, después de todo, le recuerda algo de su obsesivamente cancelado pasado...

Con el respaldo de un presupuesto estratosférico, Martin Scorsese ha tenido la fuerza y la capacidad de reconstruir los años en los cuales el cine dio sus primeros pasos, gracias al verdadero inventor de los efectos especiales, es decir Georges Méliès. El hombre que nos envió primero que todos a la luna, el que dio vida al montaje, "colorando" a mano sus fantasiosas obras maestras, para después morir en la pobreza, completamente olvidado, después de haber sido por años justamente elogiado. Por otra parte, la guerra barrió sueños e ilusiones, cambiando el gusto del público y cortando las piernas a sus visiones, a su cine fantástico, hechos de mundos futuristas y criaturas misteriosas. Hoy, 73 años después, Scorsese ha querido de esta manera "recordar" a ese grandísimo genio al cual todos nosotros "cinéfilos" debemos dar gracias, por haber contribuido a inventar y llevar a cabo un espectáculo similar, reflejado con "Hugo" impecablemente gracias a esa persona que una vez más se ha confirmado, por si fuera todavía necesario decirlo, el más grande de todos.

Encontrandose frenta a "Hugo" es fácil pensar a la obra maestra. Martin Scorsese no necesita, sin duda alguna, presentaciones ni elogios que pongan en relieve su talento. Esteta de la dirección cinematográfica, cura cada proyecto suyo con un perfeccionismo y una precisión casi maníacal. Cada movimiento de la cámara sigue el ritmo de un sueño a ojos abiertos, ligero e impalpable, que muestra y sigue a los personajes sin necesidad de forzarlos. La mirada del espectador espía dentro de la vida de Hugo de la misma manera en la que el joven protagonista hace todos los días desde las ventanas de sus queridos relojes, a los cuales es obligado a trabajar en secreto para evitar ser descubiertos por las autoridades. Cada plano está diseñado como si se tratara de una pintura preciosa, matizada sabiamente por el director de fotografía Robert Richardson, que se las arregla para hacer incluso aún más magníficas las escenografía de Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo. Por no hablar del trabajo de Thelma Schoonmaker, incomparable montadora de cine, que dona un ritmo mesurado y más relajado a la narración.

Visionando "Hugo" uno se imagina en serio de recorrer uno de los pasillos alicatados y lucidados de Gare Montparnasse, al máximo de su belleza, gracias también a la presencia de personajes puestos en escena por Scorsese para poder construir un esquema creíble a las aventuras de Hugo. La estación es viva y vibrante de luz, sensasión agudizada por el uso inteligente del 3D, que enfatiza los flujos luminosos y las partículas de polvo, transformando los vapores típicos de una estación de tren en impalpables telones evanescentes que los personajes atraviesan sin descomponerse. Estéticamente y técnicamente "Hugo" es un pequeño compendio de cómo se hace cine, utilizando las tecnologías más avanzadas sin destruir el gusto antiguo de la película hecha a mano con condescendiente pasión, todo ello acompañado por una banda sonora -compuesta por el grande Howard Shore- que arrulla al espectador en su onírico viaje en el mundo de las imagenes en movimiento.

"Hugo" es indudablemente un óptimo trabajo de equipo, no sólo de dirección, música, producción ... sino también de un cast excelentemente surtido y apasionado. Listar todos los grandes nombres que participan en la película es una operación artificiosa que no expresa la destreza de todos estos actores en el set. Perfecta la interpretación de Ben Kingsley, lo suficiente como para llevar a creer que Méliès se encuentre en realidad ante nuestros ojos, así como aquella, hecha de miradas indagadoras, de Christopher Lee. Una mención especial va para Sacha Baron Cohen, que ha conseguido darle un corazón y un pasado al personaje del inspector de la estación, que sólo es mencionado como una presencia amenazadora en el libro original, y los dos jóvenes protagonistas Asa Butterfield y Chloë Moretz, engañosamente ingenuos y exquisitamente determinados.

La película es como un mágico libro que se abre ramificandose en varias direcciones, en una constelación narrativa y metacinematográfica. Desde Harold Lloyd y "Le Voyage Dans Le Lune" hasta el viaje en los orígenes del séptimo arte, a través de fotos e ilustraciones que cobran vida, se trata se fotogramas que se convierten en secuencias, piezas de cine que toman forma gracias a la proyección de la fantasía. Aquellos que esperan una película de aventuras fantásticas quedarán ligeramente decepcionados, o mejor dicho, Scorsese es magnífico en esconder la falta de acción real o elementos fantásticos bajo la apariencia del "maravilloso": más allá de las mismas imágenes saturadas de cine, y de los ojos sorprendentes de Isabel y Hugo, en la narración hay poca acción espectacular y la fábula se resuelve en una novela de formación de huella dickensiana.

"Hugo" es, sin duda alguna, la declaración de amor de Martin Scorsese al mundo del cine: perfecta, impecable, incansablemente emocionante. La desesperada búsqueda de Hugo por encontrar un lugar en el mundo, para no sentirse terriblemente solo y desastrosamente abandonado, no es más que un pretexto para poder contar una historia de rechazo aún más grande, aquella de Georges Méliès, en aquel entonces cineasta olvidado y confinado en una tienda de juguetes. Toda la película es un recordatorio constante del cine del pasado, lleno de referencias y homenajes, fragmentos robados a los archivos históricos y al recuerdo de quienes han vivido aquella época. "Hugo" es la historia de cómo Méliès hubiera podido encontra a sí mismo, recorriendo de nuevo aquellos pasos que le han convertido en el gran pionero de los efectos especiales y de las historias fantásticas, dejado de lado durante la guerra mundial por la realidad que se estaba apoderando de su poderosa imaginación. Scorsese se deja llevar por sus sentimientos en relación con la historia del cine, exasperandolos sobre la pantalla grande, convirtiendolos lo más posible universales.

Sin embargo, precisamente por esto, a fin de cuentas "Hugo" se presenta como un magistral "blockbuster" de antología, contradicción (de alguna manera) "forzada" a la cual es imposible escapar. Dos historias portantes que se flanquean: la de Hugo, tierna y comprensible a un público mainstream, y la de Méliès, que coge una ventaja emocional sobre la primera, pero que por su propia naturaleza inherente no puede llegar a todos con la misma potencia. Para aquellos que no conocen al cineasta francés y la importancia que ha tenido en la formación del cine moderno, es difícil compartir las emociones que Scorsese se empeña tanto en relatar, encontrandose de esta manera a visionar "simplemente" una bellísima obra de arte capaz de despertar los deseos de la infancia de cada uno de nosotros. Maravillosamente inolvidable.

Valoración : 10/10

En dos palabras : Martin Scorsese con "Hugo" rinde homenaje y agradece el arte de Georges Méliès, director de más de 500 títulos, inventor de la ilusión cinematográfica y padre de todos nuestros sueños convertidos en realidad gracias a su extraordinaria fantasía. Y entra por la puerta grande en la infinita lista de obras maestras realizadas por el director estadounidense en su envidiable carrera, afortunadamente todavía bastante viva. Lo suficiente como para darnos otra perla indiscutible, capaz de reescribir la historia del cine, dejando volar nuestra imaginación.

Las 30 Mejores Interpretaciones de 2011 II.

2012-02-07T18:00:00.000+01:00

15 Interpretaciones Masculinas

15. Thomas Doret - Le Gamin Au Vélo (The Kid With A Bike)

14. Benedict Cumberbatch - Tinker Tailor Soldier Spy

13. Martin Compston - Ghosted

12. Nick Nolte - Warrior

11. Joseph Gordon-Levitt - 50/50

10. Ryan Gosling - The Ides Of March

09. Tom Cullen - Weekend

08. Peter Mullan - Tyrannosaur

07. Tom Hardy - Warrior

06. Choi Min-sik - I Saw The Devil

05. Jean Dujardin - The Artist

04. Michael Shannon - Take Shelter

03. Gary Oldman - Tinker Tailor Soldier Spy

02. Ryan Gosling - Drive

La Mejor Interpretación Masculina de 2011...

01. Michael Fassbender - Shame

Las 30 Mejores Interpretaciones de 2011 I.

2012-02-05T20:35:00.000+01:00

15 Interpretaciones Femeninas

15. Jessica Chastain - Take Shelter

14. Glen Close - Albert Nobbs

13. Jessica Brown-Findlay - Albatross

12. Shailenne Woodley - The Descendants

11. Carey Mulligan - Shame

10. Viola Davis - The Help

09. France McDormand - This Must Be The Place

08. Mia Wasikowska - Jane Eyre

07. Kirsten Dunst - Melancholia

06. Natasha Petrovic - As I Am Not There

05. Rooney Mara - The Girl With The Dragon Tattoo

04. Jessica Chastain - The Tree Of Life

03. Tilda Swinton - We Need To Talk About Kevin

02. Felicty Jones - Like Crazy

La Mejor Interpretación Femenina de 2011...

01. Olivia Colman - Tyrannosaur

Película del día...

2012-02-02T17:50:00.000+01:00

Tinker Tailor Soldier Spy - Thomas Alfredson , 2011

Muchas veces las cosas no son lo que parecen. En el mundo del espionaje más que nunca. La verdad se oculta bajo capas y capas de diferentes versiones, puntos de vista, desviaciones. Y lo dice también, en un momento de la peícula, el personaje interpretado por Mark Strong : "La capacidad de observar es la característica principal de una espía".

George Smiley es un agente secreto inglés al borde del retiro, encargado por el gobierno de realizar una misión especial, en plena Guerra Fría.“There’s a mole. Right at the top of the Circus”, le dicen: esto quiere decir que su última tarea será encontrar un "topo" soviético dentro del "Circus"(el más alto nivel del British Intelligence Services) y poner fin al peligro que corren todas las operaciones. En 1979, la BBC produjo una miniserie de televisión en siete episodios "Tinker Tailor Soldier Spy", dirigida por John Irvin. Hoy es Tomas Alfredson a llevar por primera vez a la gran pantalla la novela homónima de John Le Carré, de la cual fue basada la miniserie protagonizada por Alec Guinness. Para poder realizar esto, el director sueco de la bellísima "Let the Right One In" abandona la nieve y el frío de su país para aterrizar en Inglaterra.

Aterrizando en Inglaterra, Anderson encuentra un clima ideal para continuar un discurso estilístico iniciado con su anterior película: El de la Europa de la Guerra Fría. Un clima glacial, frío, inquietante. Una pátina de color gris azulado se apoya en los perfectos planos de "Tinker Tailor Soldier Spy", enfatizando la limpieza geométrica de los interiores y las líneas de los edificios, cambiando de color a un mundo que está incubando violencia y engaños. Smiley es casi un fantasma que vaga tranquilo dentro de un mundo donde cada uno hace su propio juego. Observa y trata de arrojar un poco de luz sobre las tantas sombras que se desvelan después de haber descubierto una nueva pista. Se mueve a través de varios puntos de vista, historias directas, códigos (Tinker, Tailor, Soldier, Spy non son otra cosa que los nombres en código para identificar a los sospechosos). Entrando en un gran misterio y obligado a revelar los secretos más incómodos de sus colegas de siempre...

Un juego de ajedrez que definir complejo sería un eufemismo, desde el momento que requiere la máxima atención del espectador durante toda la película. Algunos detalles pueden perderse fácilmente en el camino, pero no es algo grave: al director interesa mucho más envolver al espectador por completo, recreando perfectamente una época oscura. Bastaría, de hecho, aquello que es evidente para todos en hacer de "Tinker Tailor Soldier Spy" una película de altísimo nivel, claro ejemplo, riguroso y elegante de técnica cinematográfica en un sentido amplio y total. La precisión de la escritura es impecable, la calidad de la cinematografía, la atención casi maniacal del vestuario y de la escenografía, el impresionanate nivel de actuación de un cast compuesto por muchos de los nombres de mayor relieve de la mejor escuela de actuación en el mundo, la británica.

Gary Oldman, John Hurt, Colin Firth, Tom Hardy, Benedict Cumberbatch, Mark Strong, Toby Jones, Ciaran Hinds y Dencik David, realizan juntos un trabajo excepcional. Quien destaca claramente sobre los demás, y era fácil intuirlo, es Gary Oldman. Frío, impasible, como si fuera de hielo, pero dispuesto a "derretirse" y elevar el tono de la voz sólo cuando realmente es necesario. Su personaje y su interpretación son una maravillosa metáfora de la película misma: que es un diesel complejo de descifrar, pero que comienza a excavar en las emociones y conquista a aquellos que están preparados para disfrutar de un espectáculo fascinante e incluso original para tiempos como estos. Y todos estos elementos, hábilmente combinados, contribuyen a hacer de "Tinker Tailor Soldier Spy" una las mejores películas de espías jamás realizadas, una película que parece provenir de los años setenta. La película está ambientada en 1973, un año antes de que se estrenará "The Conversation" de Francis Ford Coppola. Con la cual tiene más de una simple afinidad: A buen entendedor, pocas palabras...

"Tinker Tailor Soldier Spy", es una película inteligente en la estratificación de múltiples niveles de las posibles lecturas que permiten al espectador de ser capaz de afrontar de manera diferente dependiendo de sus habilidades e/o intereses. La películas no sólo es recomendable, sino también necesaria, tanto para los amantes del género como para todos los cinéfilos: Alfredson es magistral en el montar y desentrañar el desarrollo complejo de la historia por un lado, mientras por el otro con un tono apagado de sincero humanismo revela y empatíza con las soledades y debilidades de sus espías. En "Tinker Tailor Soldier Spy" las pasiones son más fuertes cuando menos son mostradas, como un espía, especialmente hábil cuando (obviamente) es más invisible. Y Tomas Alfredson lo confirma con una elección que sólo un director de su calibre podía concederse: con la leve ruptura de un final que, sobre las notas de "La Mer", tiñe de repentina y (aparentemente) ligera ironía un final que es mucho más tenso y desilusionado de lo que parece. Simplemente memorable.

Valoración : 9/10

En dos palabras : Con "Tinker Tailor Soldier Spy" Tomas Alfredson nos regala una nueva e importante prueba, que es también la confirmación evidente de la extraordinaria peculiaridad de su cine: ser capaz de atravesar los géneros respetandolos en la sustancia, pero "driblandolos" temerariamente, para "renovarlos" y vivificarlos en la forma tan profundamente, de convertirlos más inquietos y "actuales", transformandolos de esta manera en preciosos objetos cinematográficos que el tiempo podría convertir en verdaderas joyas de culto.

Los 30 Mejores Discos de 2011 III.

2012-02-01T20:50:00.000+01:00

10. Ravedeath, 1972 de Tim Hecker

Ambient-drone

Best tracks :

-No Drums

-Hatred Of Music I

-Analong Paralysis, 1978

09. C'mom de Low

Slow-core, Folk-rock, Minimal Pop

Best tracks :

-Try To Sleep

-Majesty / Magic

-Nothing But Heart

08. Bon Iver de Bon Iver

Alt-folk

Best tracks :

-Holocene

-Calgary

-Beth/Rest

07. Meadow Rituals de Lüüp

Progressive folk, Chamber music

Best tracks :

-Taurohathapsia

-Spiraling

-Roots Grown

06. How Strange It Seems de Brent Cash

Pop

Best tracks :

-It's Easier Without Her

-How Strange It Seems

-I Just Can't Look Away

05. James Blake de James Blake

Art soul, Post-dubstep, Electrowriter

Best tracks :

-The Wilhelm Scream

-Limit To Your Love

-Measurements

04. Smother de Wild Beasts

Alp-pop

Best tracks :

-Deeper

-Loop The Loop

-Albatross

03. What The Night Delivers... de Scott Matthews

Songwriter

Best tracks :

-Obsession Never Sleeps

-Ballerina Lake

-Walking Home In The Rain

02. Anna Calvi de Anna Calvi

Noir pop, Songwriter

Best tracks :

-Suzanne And I

-The Devil

-Blackout

El Mejor Disco de 2011...

01. Diamond Mine de King Creosote & Jon Hopkins

Songwriter, Ambient-folk

Best tracks :

-John Taylor's Month Away

-Running On Fumes

-Bubble

*Hacer click en las canciones para ver los respectivos videos.

Los 30 Mejores Discos de 2011 II.

2012-01-31T17:50:00.000+01:00

20. Gentle Spirit de Jonathan Wilson

Songwriter

Best tracks :

-Gentle Spirit

-Desert Raven

-Valley Of The Silver Moon

19. Into The Murky Water de The Leisure Society

Folk-pop, Chamber-pop

Best tracks :

-Our Heart Burn Like Damp Matches

-I Shall Forever Reamain Ab Amateur

-Better Written Off (Than Written Down)

18. Slower, Lower de David Simard
Songwriter, Folk-cabaret

Best tracks :

-The Knife

-Oh My, My

-Play That Saxophone

17. Helping Hands de Butcher Boy

Alt-pop, Folk

Best tracks :

-The Day Our Voices Broke

-Helping Hands

-Bluebells

16. Songbox de Pete Astor

Chamber-pop, Songwriter

Best tracks :

-Dead Trumpets

-Four Letter Word

-Mistress Of Songs

15. Last Of The Country Gentlemen de Josh T. Pearson

Songwriter, Fingerpicking

Best tracks :

-Thou Art Loosed

-Sweetheart, I Ain't Your Christ

-Country Dumb

14. Dogs In Spirit de Anna Aaron

Alt-pop, Songwriter

Best tracks :

-Sea Monsters

-Siren

-In The Devil Camp

13. Lights And Offerings de Mirrors

Synth-pop

Best tracks :

-Fear Of Drowning

-Into The Heart

-Somewhere Strange

12. Mirrorwriting de Jamie Woon

Soul, Dubstep, R&B

Best tracks :

-Night Air

-Lady Luck

-Gravity

11. Lupercalia de Patrcik Wolf

Chamber-pop

Best tracks :

-House

-Time Of Life

-Together

*Hacer click en las canciones para ver los respectivos videos.

Los 30 Mejores Discos de 2011 I.

2012-01-29T17:20:00.000+01:00

30. What Have We Learned de Morphosis

Techno

Best tracks :

-Spiral

-Too Far

-Kwan

29. Whitin And Whitout de Washed Out

Electro-pop, Dream-pop

Best tracks :

-Eyes Be Closed

-Amor Fati

-Far Away

28. Feel It Break de Austra

Electro-dark-pop

Best tracks :

-Lose It

-Beat And The Pulse

-Shoot The Water

27. Days de Real Estate

Psych-pop, Surf-pop

Best tracks :

-It's Real

-Out Of Tune

-Municipality

26. Have You Seen Our New Fort? de Hezekiah Jones

Songwriter, Alt-folk

Best tracks :

-Cannoball (I've Got A Little Room)

-Lift The Shadow From This Heart

-Traffic To The Sea

25. Gravity The Seducer de Ladytron

Synth-pop

Best tracks :

-White Elephant

-Ace Of Hz

-90 Degrees

24. Music Watching Over Me de Deniz Kurtel

Deep-house, Electro

Best tracks :

-Best Of

-The L World

-Yeah

23. 21 de Adele

Blue-eyed-soul, Pop

Best tracks :

-Rolling In The Deep

-Set Fire To The Rain

-Someone I Like You

22. Palace - Chapel Club

Rock

Best tracks :

-The Shore

-All The Eastern Girls

-Paper Thin

21. Making Mirrors de Gotye

Art-pop-rock

Best tracks :

-Somebody That I Used To Know

-Eyes Wide Open

-Giving Me A Chance

*Hacer click en las canciones para visionar los respectivos videos.

Película del día...

2012-01-26T17:50:00.000+01:00

Weekend - Andrew High , 2011

¿Cuando una historia de amor se puede definir como tal? ¿Cuál es el paso que marca la diferencia entre sexo y amor? ¿Puede el encuentro fatídico entre dos personas durante pocas horas definirse amor?. La respuesta parece ser afirmativa, o por lo menos esto parece decirnos "Weekend", una nueva pequeña joya, que después de "Tyrannosaur" ofrece otra película interesante proveniente del panorama cinematográfico británico. Un fin de semana juntos es lo que transcurren Russell y Glen, dos gays treintañeros londinenses que se encuentran en un club gay como tantos otros, un viernes como tantos otros, buscando, al igual que tantas otras idénticas veces, calor y compañía. Sin embargo, este encuentro parece ser diferente para ambos, similares y a las antípodas, al mismo tiempo, ya sea con modalidades opuestas, en la búsqueda de un propio lugar en el mundo y del significado de dar a la propia vida.

Russell mira al mundo desde la ventana de su casa en el catorceavo piso, se refugia en ese rincón, realizando acciones lentas y cotidianas: un baño relajante, un cigarrillo en el sillón, sus confesiones en el PC. Glen es temerario, bello, inquieto, de él no vemos el lugar donde trabaja, ni la casa, ni las acciones que realiza cuando se encuentra solo, parece no necesitar de nada ni de nadie. Russell, huérfano y romántico, ha tenido que construir un mundo de cosas, para sentirse seguro, Glen es un animal desilusionado y herido, que depende de sí mismo para poder sumergirse totalmente en los lugares y en las cosas, ostentando encanto y seguridad. Y al final de ese fin de semana, hecho de sexo, confesiones, drogas, alcohol, acercamientos, no habrá un futuro para ellos, por que una inminente separación los dividirá para siempre. ¿Cuál es el punto, entonces, de ese fin de semana?...

Atrás quedaron los días de "Torch Song Trilogy", de "Maurice" o de "Milk", por nombrar sólo algunas de las películas más famosas del panorama cinematográfico homosexual, e incluso, en tiempo más recientes, aquellos de "Brotherhood", que triunfó hace sólo tres años en el Festival Internazionale del Film di Roma con la historia de amor entre dos naziskins. Aquí la homosexualidad se da por hecho, no hay ninguna crisis de identidad y dificultad de aceptación, los gays han dejado la plaza, las marchas y reivindicaciones, para dedicarse - como Glen dice en una frase de la película - "a perder el tiempo en Grindr (aplicación web de citas gay on line) y depilarse el culo", porque ahora, aquella de los derechos (suena extraño decirlo en Italia) es una conquista ya lograda.

Andrew Haigh, en su segunda prueba cinematográfica, desplaza la lente de la cámara de la calle al interior de un apartamento, realizando no una película social o política sobre la homosexualidad, sino íntima. Russell y Glenn han salido del armadio, y la pregunta que el director parece preguntarse es otra: una vez atravesado el muro de la revelación, ¿cuál es el siguiente paso? ¿Cuál es la actitud de adoptar hacia el mundo hétero, que sigue siendo un mundo diferente?. Russell se acerca con condescendencia, como si quisiera demostrar que, a pesar de su homosexualidad, es digno de respeto; Glen, por el contrario, se acerca desafiandolo, exhibiendo, arrogando el mismo derecho de contar sus propias experiencias en el modo virulento de tantos hombres heterosexuales. Y, por último, ¿Qué se debe buscar? ¿Una relación estable? ¿Y cuál es el riesgo? ¿El de sentirse, una vez más, legitimado por el mundo oficial?. A Russell, Glen enseña a ser sí mismo, sin necesidad de justificarse a los ojos del mundo. A Glen, Russell enseña en cambio, a no tener miedo de buscar y vivir ese amor completo, que no se trata de una entrega al establishment, sino de la única cosa que consiga definir el significado y el propio lugar en el mundo.

Al mismo tiempo delicada, erótica e intensamente romántica, "Weekend" tiene el mérito de ser capaz de implicar profundamente al espectador en la historia de Russell y Glen, sin resbalar en los clichés, pero logrando, al contrario, de hacer de este "breve encuentro" algo mucho más vívido y real, con una atención por el realismo de los detalles y de los pequeños gestos que raramente puede ser visto en una película. A este resultado contribuyen de forma determinante las interpretaciones de los dos jóvenes protagonistas, Chris New y el extraordinario Tim Cullen, ambos debutantes y perfectamente entregados a sus personajes. Russell y Glen son inaceptablemente verdaderos y el hecho de que sean dos hombres a haberse encontrado y después enamorado en la película de Haigh no tiene ningún peso, podrían haber sido dos mujeres o dos héteros, poco habría cambiado o eliminado a la historia, que es una celebración a nuestra común e innata diversidad, que a menudo tratamos de sofocar para adecuarnos a un estándar que, afortunadamente, no existe.

Andrew Haigh adopta un estilo minimalista muy acorde con la realidad: una elección que se refleja en la extraordinaria espontaneidad de los diálogos y en una puesta en escena construida enteramente en torno a los dos protagonistas, enfocados casi siempre en primer plano y con la cámara al hombro. A Haigh le interesa, en particular, capturar los matices psicológicos de sus personajes, poniendo en comparación sus respectivas visiones de la vida y del amor y dejando emerger de vez en cuando, los impulsos y los sentimientos que se encuentran justo debajo de la superficie. El resultado es un retrato de dos personas que están buscando (fatigosamente) de construir su propia identidad, en un camino de aceptación hecho también de miedos e inseguridades, y sobre todo de aquel sentimiento de marginación del cual Russell, como homosexual, se siente a menudo afligido.

Y regresa una vez más, prepotente, la misma duda. ¿Un encuentro fugaz puede darse el lujo de definirse amor?. Tal vez podamos ir a buscar la respuesta en las palabras que una encantadora Julie Delphy regala a Ethan Hawke, en la espléndida "Before Sunrise" de hace algunos años atrás, que describía como en "Weekend" el encuentro de dos almas que se posan una sobre otra por pocas horas, sin la posibilidad de algún futuro: "Sabes, si de verdad existe alguna clase de Dios, no debe estar en ninguno de nosotros, ni en tí, ni en mi, pero quizás en un pequeño espacio intermedio. Si existe alguna magia en este mundo debe de estar en el intento de comprender a álguien al compartir algo... Lo sé, es casi imposible lograrlo, pero... ¿Qué importa eso?, en el intento debe de estar la respuesta."...
Fueron Celine y Jessie, en Viena, hace unos años; son Russell y Glen, en Lodres, hoy en día.

Valoración : 8.5/10

En dos palabras : Segundo largometraje del director y guionista inglés Andrew Haigh, "Weekend" es una pequeña producción independiente que cuenta, con tonos suaves e íntimos, la historia de amor entre dos chicos que se conocen por casualidad. El poder de esta película radica en su simplicidad y en lo "no dicho" de la relación entre Russell y Glen: las personas son personas, se nos muestra esto, y dos personas que se aman es algo maravilloso. Sin lugar a dudas una de las mejores sorpresas del año pasado, y en donde cada uno (sin distinción de sexo) puede encontrar un poco de sí mismo. Bellísima.

Película del día...

2012-01-24T03:50:00.000+01:00

Senna - Asif Kapadia , 2010

Ayrton Senna falleció el 01 de mayo de 1994, a treinta y cuatro años, a causa de un accidente que tuvo lugar en el Autódromo Enzo e Dino Ferrari de Imola durante el Gran Premio de San Marino, pocas horas después de haber contribuido a la idea de volver a instaurar la GPDA (Grand Prix Driver's Association), asociación de pilotos de la Fórmula Uno, ya activa en los años sesenta y setenta, con el objetivo principal de proteger la seguridad de los corredores en la pista. La asociación se activará poco después y la del campeón brasileño será la última muerte durante una carrera en F1.

Tres veces ganador del título mundial, verdadero "ídolo de las multitudes", personaje siempre al centro de las crónicas deportivas como aquellas de gossip, Ayrton Senna ha encarnado perfectamente la idea del deportista que ama "vivir al máximo", pero sin ese (hasta cierto punto) gusto por los excesos que a menudo caracteriza la existencia de ciertas personalidades en el mundo del deporte. Con sus buenos modales, carácter pacato y aquella inconfundible voz tranquila, conquista fácilmente las simpatías de todos, especialmente la de sus compatriotas, que veían en sus triunfos también una oportunidad de redención para todo el Brasil, país que en esa época conocía pocas satisfacciones.

"Senna", presentado (y premiado) al Sundance Film Festival 2011, representa el debut en este campo de Asif Kapadia, director británico de origen hindú, autor de la apreciada "The Warrior "(de no confundir con la película sobre la MMA protagonizada por Tom Hardy y Nick Nolte), y de la poca considerada “Far North” (con una espléndida Michelle Yeoh). Estudiando y seleccionando, se dice, quincemil horas de material, Kapadia ha ensamblado entrevistas, servicios televisivos, rodajes de las competiciones y escenas de vida privada, para poder reconstruir la brillante carrera del piloto desde su debut en la Fórmula 1 en 1984 hasta la tristemente famosa curva Tamburello, donde terminarían sus competiciones y su vida. Diez años de retos y victorias, reconstruidas, también, con los comentarios de aquellas personas (colegas, técnicos, periodistas) que vivieron de cerca aquellos años.

De estos maravillosos diez años faltan algunos aspectos controvertidos (ninguna referencia a Eddie Irvine, ni al noviasgo con la joven de quince años de edad), tal elección facilita la empatía hacia el piloto, pero esto no depende sólo de la presunta hagiografía que algunas personas han visto en la película, sino más bien por la habilidad que Kapadia ha tenido en el describir Senna como un personaje interesante que ha vivído el automovilismo con pasión, y cuyo mayor reto no se encontraba en el famoso circuito, sino contra el establishment, como cuando criticó abiertamente a los directivos por la introducción de la nueva generación de vehículos con tecnología avanzada a bordo. A la luz de esta polémica, incluso la rivalidad con Alain Prost, co-piloto de Senna en la McLaren, asume un significado particular en la película, visto que el dueño de la FIA, Jean-Marie Balestre era partidario decididamente del piloto francés (del cual, como era previsible, emerge un retrato no precisamente entusiasmante).

Aunque sí quizás es demasiado simple resolver todo afirmando que Senna es el héroe de la historia y Balestre (desaparecido en 2008), el malo, los mejores momentos del documental son aquellos en donde sale la naturaleza rebelde de Ayrton, junto con aquello en donde emerge su lado más sensible, como por ejemplo su reacción a la muerte de Roland Ratzenberger, el coetáneo piloto austriaco, que falleció en Imola durante las pruebas de clasificación para el Gran Premio de San Marino, y donde Senna encontraría la muerte al día siguiente (entre otras cosas, había decidido que, si vencía, habría ondeado la bandera de Austria en memoria del colega fallecido).

El resultado más bello de "Senna" es el de ser capaz de hacernos entender la clase de piloto que era, y esto gracias a la generosa labor de los editores Chris King y Greger Sall que reconstruyen las competiciones con un ritmo y una energía que no dejaría descontentos a los aficionados de "Fast & Furious". La Academy Award no ha aceptado "Senna", entre los finalistas para la categoría de Mejor Documental (una decisión que podría parecer increíble, si no se supiera que estas personas son las mismas que hace unos años dieron un tratamiento similar a "Grizzly Man" de Werner Herzog), pero, fortunadamente, habiendo sido distribuida regularmente en America, puede competir en otras categorías, entonces, sería estupendo si el trabajo de estos dos genios se tuviera en cuenta en la categoría de mejor montaje. "Senna" en Italia no ha tenido una buena distribución (una semana en cartelera), pero es sin lugar a dudas una película a reivindicar, incluso por aquellas personas que nunca han estado interesadas en la Fórmula 1.

Valoración : 9/10

En dos palabras : Nunca es fácil realizar un óptimo documental, incluso cuando el material disponible es sumamente interesante : sin embargo Asif Kapadia realiza un trabajo extraordinario, seleccionando cuidadosamente el material más atractivo para proponer, ya sea a los aficionados que a los neófitos, la figura de una campeón sobre el cual hay mucho que contar. La película está perfectamente equilibrada en todos sus aspectos, y sobre todo es capaz de entusiasmar incluso a los que no sienten interes por los deportes, en virtud de la extraordinariedad de los acontecimientos y del marcado acento sobre las figuras humanas al interior de los habitáculos.

Tres pequeñas reseñas...

2012-01-20T19:15:00.000+01:00

Take Shelter - Jeff Nichols - 2011

Curtis LaForche es un padre de familia que trabaja en una empresa de construcción, paga las cuotas de una hipoteca que le ha permitido hacer suya una bonita casa, adora a su esposa que para hacer cuadrar las cuentas realiza trabajitos de costura para los vecinos. La pareja tiene una hija de pocos años, sordomuda, que aman y que pretenden someter a una operación para resolver al menos parte del problema que la aflige desde el nacimiento. La vida tranquila de provincia, entre los campos y los inmensos cielos, es sacudida por las pesadillas cada vez más frecuentes del protagonista, que le hacen ver cosas horribles y los efectos destructivos de una devastadora furia de los elementos, mucho más fuerte de los tornados que cada año se abaten en la zona. Temeroso de volverse loco, (la madre sufre de esquizofrenia) Curtis solicita consultas médicas a escondidas de su bella esposa, pero cuando se convence de que su pesadilla es una premonición de una catástrofe inminente y comienza a ampliar su bunker a prueba de huracanes, su esposa comenzará a preocuparse seriamente...

Presentada al Sundance Film Festival 2011, y ganadora al Festival de Cannes 2011 del Grand Prix de la semaine internationale de la critique (además del Premio SACD) "Take Shelter" (que significa "refugiarse", para ser preciso) es la segunda película del director y guionista Jeff Nichols, una película fascinante poderosa e inquietante que, disminuyendo la acción en un contexto que parece arraigado en la actualidad (se habla de crisis económica y de inestabilidad en el mercado laboral, además de tocar el tema de la contaminación ambiental), sumerge al espectador entre la psicosis de un hombre común plenamente convencido de sus visiones premonitorias, pero al mismo tiempo consciente de su aparente estado de confusión, un hombre dividido entre el terror por una hipotética apocalipsis inminente y por la gravedad de su condición actual.

Respalada por la partitura musical ansiógena, pero nunca molesta de David Wingo y por los oportunos efectos visuales en CGI, "Take Shelter" tiene sus puntos fuertes en la excelente escritura y dirección de Jeff Nichols, destinadas a imprimir en toda la película una sensación de catástrofe inminente, y en la prueba convincente de todo el cast, con mención especial para los dos actores principales: el impresionante Michael Shannon, que domina la escena con su mirada entre el aturdido y el descabellado, regalandonos una interpretación atormentada y apasionante que devuelve perfectamente el conflicto interno de un individuo (desunido, angustiado, perdido) en la búsqueda desesperada de un nuevo equilibrio. A su lado, la bella y etérea Jessica Chastain (iluminante en la última obra maestra de Malick), con un personaje condenado al sufrimiento, verdadero elemento de ajuste en una familia al borde de la desintegración. Pero "Take Shelter" es también una película sobre el poder del amor y el vínculo de la sangre, aquello que une a los dos personajes principales y la niña problemática, conduciendolos siempre a ayudarse y protegerse a sí mismos, incluso cuando las duras pruebas podrían llevarte a elecciones diferentes, y a reunir todas las fuerzas contra todo pronóstico, hasta quedar solos: solos, pero unidos.

En dos palabras : Segunda película del estadounidense Jeff Nichols (que regresa a dirigir a Michael Shannon después de haberlo hecho en su debut "Shotgun Stories" de 2007) "Take Shelter" es una película sorprendente por intensidad y equilibrio; Se mueve a lo largo de la delgada línea que separa el cine independiente Hollywoodiano, entre la "parábola" intimista y la historia de género, en la observación de la naturaleza y su transfiguración. Absolutamente recomendable.

Valoración : 8.5/10

Snowtwn - Justin Kurzel , 2011

A finales de los noventa, Australia vivió uno de los momentos más oscuros de su historia, durante esos años, el serial killer John Bunting asesinó de manera atroz a once personas antes de ser encarcelado de por vida con todos sus cómplices, gracias a una investigación policial accidental, que nada tenía que ver con Bunting, pero que condujó a los agentes australianos al descubrimiento de algunos cadáveres de seres humanos en un depósito. "Snowtown" transpone en la pantalla grande esta historia a través de la perspectiva de una de las personas involucradas, Jamie, hijo adolescente de la nueva conquista del asesino. John Bunting entra en la vida de Jamie y de sus hermanos después de que estos han sido víctimas de abuso por parte de la pareja anterior de la madre, y se erige como protector de una familia postrada por el dolor. Una profunda hostilidad hacia los desviados - pedófilos - que comienza, sin embargo, a ser cada vez más alarmante, y poco a poco el poder manipulador de John hacia la nueva familia resulta evidente. Un poder que aplasta específicamente Jamie, que es involucrado, a su pesar, en los asesinatos y no encuentra la fuerza para rebelarse contra el terrible "padrastro".

El director Justin Kurzel elige un enfoque casi de documental, alejado totalmente del thriller policíaco, poniendo en escena (principalmente) la vida triste y monótona de una ciudad suburbana. Los lugares de "Snowtown" son los mismos en donde ocurrieron los hechos, y por lo tanto rodada con actores no profesionales, reclutados a nivel local (a excepción del excelente Daniel Henshall que da vida a Bunting) con el fin de hacer lo más veraz posible este recorrido que vuelve a atravesar el oscuro acontecimiento australiano. El ambiente - la sordidez de los parajes y la deriva moral que parece brotar del paisaje - es el de una anónima, pobre provincia australiana, Snowtown exactamente. Y en él, el mal siembra las semillas y germina. Toda la primera parte de la película acumula siniestras indicaciones que anuncian la llegada de algo terrible, que explota visualmente y metafóricamente en una secuencia de una crueldad sin precedentes, obligando al espectador, al igual que Jamie, a la observación de uno de los primeros asesinatos de Bunting, con tortura interminable incluída.

La película utiliza la historia de un asesino en serie para contar una parábola de hundimiento hacia el mal por parte de una persona, el joven protagonista, que asiste paralizado a las acciones de su "educador". Nunca ha sido demostrado el hecho de que Jamie realmente desaprobase aquello que sucedía a su alrededor: ha tenído sólo una reducción de la pena, porque testificó contra Bunting y sus cómplices. "Snowtown" se apropia de una historia real para realizar una película de ficción sobre la cual poder reflexionar, con mayor razón pensando en la identificación del espectador con el protagonista, del cual nos vemos obligados a compartir la mirada impotente (pero también ambigua: ¿quién hubiera tenido el valor de denunciar a Bunting?) sobre los terribles acontecimientos descritos.

En dos palabras : Lenta, torturante, angustiante, maligna pero capaz de absorber todo esto gracias a su estilo alienante, "Snowtown" se desliza en el aburrimiento de una vida sin salidas, te pone incómodo mucho antes de derramar una sola gota de sangre y te golpea como si fuera una piedra en sus explociones de violencia fuera de campo, el director Justin Kurzel arrastra al espectador en ese mundo. A traición, de sorpresa, estampandotelo en la cara de repente, sin dejarte salir. Impactante.

Valoración : 8/10

Another Earth - Mike Cahill , 2011

La temporada pasada les tocó a los planetas hacer de trait d'union a problemáticas del todo humanas y poco sobrenaturales. Ha terminado desde hace tiempo la época de los blockbusters catastróficos sobre asteroides y planetas descontrolados( basta observar "Arnageddon" o "Deep Impact"), el año pasado, después del maravilloso film apocalíptico de autor "Melancholia" de Von Trier, se estrenó también una nueva película en donde un cuerpo celeste termina por condicionar vidas y destinos de nuestra humanidad frágil y débil. Recibida con mucho entusiasmo al Sundance Film Festival, "Another Earth", merece una más que atenta visión por aquella reflexión conmovedora sobre la necesidad de redención que invade al ser humano. Utilizando la ciencia ficción de la forma más estilizada y humanista, Cahill ha realizado un melodrama capaz de tocar puntos ocultos y profundos.

Rodhe (Brit Marling) es una estudiante apenas admitida al curso de astro-física que, cautivada por el nuevo planeta gemelo de la Tierra que ha recientemente aparecido al lado de la esfera lunar, se distrae una noche al volante para admirarlo y termina por provocar un accidente automovilístico en donde pierden la vida la esposa embarazada y el hijo del compositor John Burroughs (William Mapother) que sobrevive milagrosamente después de meses en estado de coma. La joven por esto pasa cuatro años en detención y cuando sale de prisión, es ya una outcast que devorada por los remordimientos renuncia a sus estudios de astrofísica y elige de convertirse en limpiadora de una escuela. Un poco por casualidad, comienza a trabajar para John, desconiendo de la verdadera identidad de la protagonista, entre los dos nace una improbable como intensa historia de amor que parece traer de vuelta la vida y en donde el planeta misterioso es complementario al nuestro y se convertirá en algo más que un telón de fondo espectacular...

Una película de estilo independiente "pobre", que tiene por objeto un realismo puro según la puesta en escena sumamente esencial, pero muy bien cuidada, tiene el gran mérito en el esbozar con sinceridad la desorientación de las almas heridas de personas que los acontecimientos han relegado a los márgenes de la sociedad. Para poder acercarse al mundo de "Another Earth", por lo tanto, no se debe buscar la novedad, sino más bien la capacidad de introspección psicológica y la búsqueda de la poesía. Desde este punto de vista, las composiciones musicales intimistas del grupo neoyiorquino Fall On Your Sword ayudan tantísimo al proyecto. Una parte considerable del éxito de la película se debe también a la excelente prueba de la protagonista, la prácticamente desconocida Brit Marling: la compostura dolorosa de su interpretación permite de entrar en sintonía con su personaje, dibujado con pudor y profundidad. Una agradable sorpresa.

En dos palabras : Una historia de errores, arrepentimientos e imposibles redenciones, dolorosa e intensa, visualmente original y casi impresionista. Una de las películas de ciencia ficción más curiosas, fascinates y sorprendentes de los últimos tiempos. Al igual que en el repentin e irónico final: un golpe de genio que consigue arrastrar el misterio inquietante de la película, las preguntas sobre la identidad y sobre las segundas oportunidades, más allá de los créditos finales.

Valoración : 7.5/10

Película del día...

2012-01-18T17:30:00.000+01:00

Et maintenant, On Va Où? (Where Do We Go Now?) - Nadine Labaki , 2011

Hace cuatro años el éxito inesperado, con la espléndida "Caramel", y ahora la increíble confirmación. Por que Líbano nos ha oficialmente regalado una talentosa (y bellísima) realizadora, Nadine Labaki. Si el debut podría parecer una sorpresa irrepetible, la segunda película como directora no ha hecho más que confirmar su innegable calidad. Presentada el pasado mes de mayo en Cannes en la sección Un Certain Regard, y ganadora del Premio del Público al Festival de Cine de Toronto, "Et maintenant, on va où?" es probablemente una de las joyas de 2011, apenas concluido.

Escandalosamente olvidada en los Golden Globes como mejor película en lengua extranjera, pero candidata oficial de Líbano en los próximos premios de la Academia, la última obra de Nadine Labaki consigue magistralmente tratar un tema, desgraciadamente, actual como el integrismo religioso, haciendolo con sensibilidad, humor y ese tacto extraordinariamente femenino que caracteriza su cine. Moviendose libremente entre el musical y el drama, sin dejarse escpar brillantes toques de comedy, "Et maintenant, On Va Où?" abandona el Beirut de "Caramel" para detenerse de todos modos en un Líbano bombardeado por divisiones humanas, sociales y religiosas, con musulmanes y católicos perennemente en pie de guerra.

Permanecida en su país natal, y una vez más atada a su amada lengua árabe, Nadine Labaki no sólo dirige sino interpreta, una vez más, la protagonista principal de esta aunténtica fábula moderna, tan surrealista como sublime, capaz de emocionar, conmover y hacer reír, como hacía tiempo no se veía en el cine, gracias a un guión que es una concentración de ideas, unidas entre ellas por una única férrea voluntad. Es decir desenmascarar el odio, ya sea religioso, racial, sexual, o incluso sólo generacional, a través de la fraternidad y la igualdad.

Érase una vez, en una remota aldea rocosa y polvorienta en Beirut, una comunidad aparentemente feliz, unida, aunque si visiblemente pobre y fuera del mundo. En el Líbano, dividido por la religión, en este rincón de universo olvidado por Dios, musulmanes y cristianos conviven juntos, hasta que el eco tecnologíco de una televisión jamás vista antes, anuncia el comienzo de una nueva "guerra" de religión. Aterrorizadas por la idea de tener que volver a enterrar a sus seres queridos, las mujeres de la comunidad hacen todo lo posible por contener el ardor de sus maridos, tratando de distraerlos de cualquier forma posible e imaginable de la terrible amenaza. Por que la tensión interreligiosa es cada vez más fuerte y preocupante, tanto así de hacer desenterrar aquellas armas que durante mucho tiempo han permanecido en silencio...

Una película coral, casi en su totalidad interpretada por actores no profesionales, una historia de amor imposible, un casi musical a momentos hilarante y en otras ocasiones extremadamente conmovedora, una película con una dirección elegante y fascinante, valiente y penetrante, polvorienta y brillante, sostenida por un guión que es un ejemplo extraordinario de cómo se puede tratar asuntos delicados con ligereza y seriedad, sobriedad y sabiduría. Manteniendo la mirada sobre el propio mundo, sobre el mundo femenino, compuesto por valientes mujeres, madres, abuelas, esposas y hermanas, Nadine Labaki retrata los rasgos de una sociedad llegada a un paso de la implosión. No es una película sobre la guerra, sino más bien una película sobre cómo evitar que estalle las misma, con figuras femeninas, como Amal, Yvonne, Takla, Afaf y Saydeh , obligadas a detener el odio y la intolerancia de sus maridos, hijos, padres y tíos, cegados por el integrismo religioso que de hace años enciende el Medio Oriente.

Recorriendo con extraordinaria maestría diversos géneros, la realizadora libanesa confecciona una película increíblemente madura, hecha de lágrimas y de risas, de hombres y mujeres innegablemente imperfectos, y a un paso de ese abismo que se llama guerra. Para evitar un nuevo baño de sangre, los protagonistas de la película tendrán que empezar a hacer frente a la realidad, al vecino, al amigo de siempre, yendo más allá de los velos, cruces, alfombras, imanes y sacerdotes, con el fin de captar la esencia misma de la religión, hecha de igualdad y fraternidad, paz y amor, aquí muy bien representada, gracias a una película que es una manifestación de sorpresas, una explosión de emociones, especialmente digna de atención y sobre todo consideración.

Valoración : 8/10

En dos palabras : Cuatro años después de habernos llevado de la mano al colorado salón de belleza de "Caramel", Nadine Labaki nos arroja en los páramos sangrientos, desolados y acalorados de "Et maintenant, On Va Où?" centrando nuevamente el objetivo. La realizadora libanesa confirma con su segunda obra la sustancial capacidad de detenerse sobre las sombras de la vida a través del color que se desprende de la misma, de hacer frente a los sufrimientos exorcizandolos a través de la creatividad de nuevas "combinaciones" capaces de abrir nuevas puertas y nuevas puntos de vista de la realidad, de lo contrario condenados a un resultado trágico. Espléndida..

Película del día...

2012-01-15T20:00:00.000+01:00

Shame - Steve McQueen , 2011

Brandon Sullivan (Fassbender) es bello, exitoso, inteligente, vive en New York. Una vida que, desde fuera, parece perfecta. Brandon tiene un problema que se esta haciendo cada vez más insistente: es adicto al sexo. Incapaz de concebir una relación que no sea, en efecto, sexual y que no sea consumida desde el primer minuto y terminada un minuto después. Su hermana Sissy (Mulligan) es todo lo contrario. Busca la estabilidad y una relación, en todas partes, y no consigue entender quien se aprovecha de ella y quien en cambio realmente la ama. Un día, busca refugio en la casa de Brandon, para estar con él, para sentirse de nuevo familia. El estar juntos llevará a ambos hacia el camino de la catarsis.

Gracias a "Hunger", ganadora de la prestigiosa Camera d’Or al Festival de Cannes 2008, Steve McQueen entró en el Olimpo de los directores de tener absolutamente en consideración. Porqué "Hunger" es una de esas películas que te hacen cambiar de opinión sobre la capacidad del cine de encontrar estilos potentes y originales y principalmente miradas inéditas. No sólo la mirada de McQueen/director también la de Michael Fassbender, actor soberbio lanzado a la fama definitivamente gracias a esta película.

Por todo esto "Shame" era particularmente esperada. El mismo director y el mismo actor de uno los debut más apasionantes e impactantes de los últimos años, de nuevo juntos. Y una vez más, con un argumento para nada fácil y al límite de la provocación, pero del cual se podía escoger, inmediatamente, algunos aspectos: un amplio margen de trabajo sobre los personajes, con ese estilo que McQueen ya había mostrado, precisamente, en "Hunger" (sí, pensamos sobre todo a esa antológica escena entre Michael Fassbender/Bobby Sands y Liam Cunningham/ Padre Dominic Moran de unos quince minutos, cuando la aparente simplicidad es realmente una compleja estructura cinematográfica).

Hunger, hambre. Shame, vergüenza (ambas películas hablan de aislamiento y reclusión, una física, la otra del alma). No necesita decir más en sus títulos Steve McQueen para abrir un mundo. El vínculo existe, y es el mismo director a donarle una lectura especular: como cuando un recluso utilizaba su cuerpo como un medio político para obtener libertad, aquí encontramos a un hombre completamente libre, en teoría, pero en realidad en una jaula. Brandon vive de la mano con el sexo todo el día. Se trata de una obsesión al límite de lo patológico, de un instinto incontrolable que debe ser satisfecho. Y en la "ciudad que nunca duerme", llena de ojos que observan, Brandon vive con el temor de ser descubierto y de ser juzgado por lo que es. Una pesadilla que se hace aún más fuerte desde el momento en el que Sissy, se traslada a su casa, porque ahora vivirá con él entre esas cuatros paredes, y que conducirá su obsesión hacia un abismo cada vez más profundo.

Contada de esta manera, la historia de "Shame" puede dejar una ventana abierta a la idea de que se trate de una película moralista. Después de todo, el sexo es visto como un acto vergonzoso: el problema es entender por "quien". Las opciones son dos: es visto como vergonzoso por Brandon, o es visto como vergonzoso por la sociedad. Por consiguiente por nosostros mismos - hay una escena en particular que es sumamente interesante, aquella donde el jefe y amigo del protagonista descubre que en el pc de Brandon hay material pornográfico, pero piensa que ha sido descargado por terceras personas, repugnantes erotómanos dice el jefe : y al escuchar aquellas palabras Brandon voltea la cara, herido.

Eliminadas todas las dudas sobre la "moralidad", se borra tanbién la posibilidad de que "Shame" sea una parábola de redención. Por amor de Dios. Afortunadamente, a McQueen no interesa recorrer un camino "terapéutico", especialmente cuando se trata de sexo. "Shame", cuenta, en cambio, de un intento de rescate. Tal vez incluso de un doble intento de rescate. Pero es un camino difícil, sobre todo en el comunicar con otros y el expresarse parece cada vez más complicado. Aquí está todo el corazón de"Shame": Sissy y Brandon se entienden, quizás, a la perfección, pero no pueden hacer nada para ayudarse mutuamente a sobreyevar sus problemas, ya que no pueden realizar una conversación seria, y se acaba discutiendo, a menuno atacandose venenosamente.

En esta perspectiva, todo lo que vemos de "Shame" es filtrado a través de los ojos del protagonista. Con un estilo potente, donde nada es dejado al azar, McQueen esboza el retrato de un hombre no sólo convincente, sino cada vez más entusiasmante gradualmente la película avanza en su camino. De notar que no hay nada de condescendiente en la película, e incluso las escenas de sexo y desnudos no son nunca gratuitas. Todo es preciso, elegante, extremadamente cuidado y "frío" como un cuchillo afilado, y algunas veces te pasa por la mente que "Shame" podría ser la perfecta transposición heterogénea de "American Psycho".

"Shame" es la prueba cinematográfica que la vergüenza no posee un rostro específico. Se tiene vergüenza del deseo de tener necesidad de sexo. No debería ser una cosa vergonzosa, pero la vergüenza de Brandon tiene que ver con su reputación, su conciencia confusional ante los ojos de Sissy. Las innumerables escenas eróticas no hacen más que reforzar la película en su objetivo principal de penetrar en la vida, desoladora y excitante al mismo tiempo, del protagonista. Sin embargo, es una película que poco a poco pierde su perfecta frialdad y se calienta dolorosamente, hasta convertirse devastadora. La imposibilidad del protagonista de reprimir sus instintos y su naturaleza en una ciudad impecable y glacial como New York (raramente vista tan bella en una película últimamente), te captura dejandote sin salida, hasta volverse casi sofocante.

Si todo esto es posible, se debe principalmente a la soberbia interpretación de Michael Fassbender, maravilloso, valiente y conmovedor. Un manojo de nervios y sensaciones que en cualquier momento están a punto de estallar, es verdaderamente extraordinario en el transmitir sus sentimientos en conflicto y todos aquellas molestias que a menudo dan la impresión de devorarlo vivo desde su interior. Su rostro profundo pone a prueba una condición que es fruto del hombre contemporáneo, obligado a tener que comprar de todo: todo tiene un precio, y tienes que estar dispuesto a gastar, es sumamente fácil hacerlo, más complicado resulta no hacerlo, no caer en tentación. La tentación no tiene precio, y está encerrada en la mirada de Fassbender, que se refleja en los ojos dulces e inocentes de una fantástica Carey Mulligan, "pequeña" mujer asustada que fortalece las coordenadas de la historia con una interpretación digna de apalusos.

Steve McQueen tiene tantísimo talento y lo demuestra sin exagerar, logrando construir un ambiente sórdido y atrayente con una dirección que tiene su punto de fuerza en los estupendos planos, y también en la intensa música de Harry Escott (y sobre todo en la elección brillante del director de utilizar algunas de las sinfonías de Bach en las escenas más fuertes de la película). McQueen se pone en la piel de su anti-héroe, y hace que público también lo haga, desacelerando y acelerando los acontecimientos cuando lo cree más oportuno. Pocas miradas, unas cuantas imágenes en el interior de las mismas, hacen entender todo o casi todo. Por que una obsesión es una obsesión, y no podemos librarnos de ella. Sólo tratar de controlarla.

Valoración : 9.5/10

En dos palabras : "Shame" es una película potente, descrita con sequedad y gran maestría, capaz de utilizar sabiamente los sentimientos basilares humanos. No es casualidad que el título, después de "Hunger", parece continuar una especie de estudio sobre los instintos primordiales del hombre. McQueen evita de caer en el sentimentalismo fácil - a pesar de un momento bastante emotivo en el final - y prefiere dejar abierta una rendija, es decir, la esperanza de poder reconstruir un significado. A veces, es todo lo que necesitamos. Memorable.

Película del día...

2012-01-03T18:25:00.001+01:00

Tyrannosaur - Paddy Considine , 2011

Es difícil, casi imposible escribir una reseña sensata y adecuada de una obra como "Tyrannosaur". El debut como director del actor inglés Paddy Considine (maravilloso protagonista de "Dead Man’s Shoes", "In America" y "Red Riding"), posee un tal poder expresivo de abrumar al espectador que tendrá que esperar mucho tiempo antes de poder decir de haber realmente metabolizado la cantidad absurda de la violencia, dolor y poesía que la película regala a manos llenas.

Sin embargo, si sólo se leyese la trama, se podría pensar de estar frente al enésimo producto, socialmente comprometido, del cine independiente británico. La película, de hecho, tiene como protagonistas a un hombre y una mujer derrotados, dos almas desesperadas que, por un corto tiempo, tratan de avanzar juntos, paso a paso. Él es Joseph (Peter Mullan), un viudo alcohólico, con una dosis desbordante de rabia interior de correr el riesgo, en cualquier momento, de volverse loco. Ella en cambio es Hannah (Olivia Colman), pequeña mujer triste que se aferra a una fe tan ingenua como frágil para poder sobrevivir a un desastroso matrimonio con un psicópata que nunca pierde la oportunidad de humillarla y maltratarla. El encuentro de ambos es accidental y explosivo, que los unirá, pese a su voluntad, indisolublemente...

Nada de original si no fuera que precisamente gracias a la idea de iniciar a través de una historia, aparentemente bastante sentida, se pueda entender (rápidamente) la inteligencia de este autor. Considine, de hecho, desde los primeros minutos, con una escena impactante, pone en claro las cosas con su público: lo que estáis a punto de visionar es un trabajo al que no estáis de ninguna manera preparados. "Tyrannosaur", efectivamente, logra la increíble tarea de asimilar las obras de grandes maestros ingleses como Ken Loach, Jim Sheridan y Mike Leigh, reponiendo una obra personal y extrema que, en algunos aspectos, consigue superarlas. La película toca tantos puntos y cambia tantas veces de registro, de manera perfecta en la fase de escritura, para evitar que los espectadores tomen por un momento un soplo de aire fresco.

La obra de Considine es una película proletaria sobre los suburbios devastados, un drama psicológico, una historia de amor poco convencional y una historia de redención, todo ello aderezado con algunos diálogos dignos de las mejores comedias negras británicas. Podría parecer, y objetivamente lo sería, demasiada carne al fuego para un solo hombre, aún más si se trata de su primera película. Sin embargo, el director (también guionista) dirige todo con una experiencia que deja estupefacto, no se equivoca en nada, ni una escena, ni un movimiento de cámara, ni una frase o solución narrativa. Son muchas las escenas que conmueven (el funeral, la "expedición punitiva" para vengar a un niño, el final angustioso), al igual que los diálogos que quedan grabados en la mente (el diálogo sobre la religión, la carta en donde Joseph se confiesa, el estallido de Hannah) para considerar este producto como un "simple" golpe de suerte.

Si por un lado Considine nos obliga a bajar la mirada, como si fueramos niños que soportan los gritos de los padres en público, por el otro en su película, también, se genera un flujo positivo. Como espectador te encuentras a querer abrazar este protagonista violento que ha destruido su espíritu en los últimos años. La única manera de hacerlo es atravesar su infierno personal con coraje en un túnel que desemboca sobre su alma de hombre sincero. "Tyrannosaur" no se detiene por un momento de destilar tensión. Por otra parte el autor inglés también es bueno en dejar espacio a sus protagonistas, vehículos de una tensión que nunca estalla en voz alta, los eventos más violentos tienen lugar fuera de campo, rodeados por un silencio que no se olvida fácilmente.

Si se necesita una ulterior prueba para confirmar de encontrarnos frente a un gran director, basta visionar la elección de actores maravillosos y la capacidad de ponerlos completamente cómodos en papeles difíciles con el fin de extraer interpretaciones epocales. Peter Mullan, de esta manera, desempolva su personaje de proletario fracasado, lo sumerge en ácido y nos regala un anti-héroe que, aunque si comete una interminable sucesión de hechos terribles, conquista al público, mientras que Olivia Colman junta una dosis de dulzura desarmante y de dolor indescriptible de producir escalofríos, en un papel que le vale toda una carrera. Dos almas a la deriva, dos personajes derrotados por la vida, dos individuos que se dedican al fracaso, dos recorridos salpicados por eldolor absoluto. Como también un recorrido de redención. De no subestimar la contribución de Eddie Marsan que carga sobre sus hombros un personaje repugnante que, con sólo pocas escenas disponibles, es sencillamente inolvidable gracias a ese guiño desagradable y enfermizo.

Sufrimiento y poesía, sangre y lágrimas, opuestos que se tocan en una película rodada con grande equilibrio. Una sucesión de escenas perfectas, una alternación de secuencias de violencia ciega (fulminante el íncipit con aquella patada mortal del protagonista infligida a su pobre perro) y de momentos que conmueven gracias a los maravillosos diálogos que dan en el blanco. Una película potente como el prehistórico "tiranosaurio" del título (la explicación está a cargo del protagonista, pero que no revelo para no arruinar la fuerza emocional de la escena en cuestión). Una obra difícil de olvidar. Chapeau para el joven Considine y para sus magníficos intérpretes.

Valoración : 9.5/10

En dos palabras : Una película que nos devuelve (de cerca) el cine de Ken Loach, que también recuerda a las obras de Jim Sheridan y Mike Leigh, pero que sorprende, principalmente, por un estilo personal capaz de tocar tantos puntos simultáneamente. Violencia y dolor sumiso, gritos desesperados y sollozos ahogados. Potente representación de la realidad proletaria de los devastados suburbios británicos, implicante drama psicológico sobre la violencia doméstica, pero también conmovedora historia de amor. La película es todo esto, emociones fuertes, duras, que te cogen por el cuello impidiéndote voltear hacia otro lado. Imprescindibile.

Película del día...

2011-12-28T16:45:00.000+01:00

The Help - Tate Taylor , 2011

Años 60, Mississippi. Eugenia, conocida como "Skeeter" (Emma Stone) es una joven testaruda de veintidós años que regresa a casa después de haberse graduado, llevando consigo misma sus sueños como escritora y periodista. La madre, enferma de cáncer, le gustaría verla con un anillo en el dedo antes de que sea demasiado tarde, pero Skeeter no desea saber nada respecto a los hombres.

Mientras tanto, alrededor de ella, sus amigas de infancia, casadas, establecidas y con niños, llevan una vida cómoda servidas y reverenciadas por un grupo de criadas de color . Skeeter, cansada de como sus amigas tratan a sus empleadas afro-americanas, decide recoger las declaraciones de todas las criadas de la ciudad para ponerlas juntas en un libro y ofrecer al mundo un nuevo punto de vista.

Auténtica sorpresa del box office veraniego estadounidense, "The Help" ha acumulado cifras récord y se dirige a grandes pasos hacia las numerosas nominaciones al Oscar. La razón es evidente después de haberla visto : la película que Tate Taylor ha basado en la novela del título homónimo de Kathryn Stockett es una rapresentación decididamente implicante y conmovedora de una época histórica que se desearía olvidar, sobre todo en los Estados Unidos.

El toque del director es de clase, especialmente eficaz en la representación de los entornos en donde se realizan las diferentes historias, grandes, amplias y luminosas para las "señoras" como estrechos, angostos y opresivos para quienes se ven obligados a servirles. El guión es un excelente ejemplo de sencillez: nada es acentuado forzadamente, y, salvo algunos pequeños tópicos y algunas pequeñas manchas retóricas, el guión es absolutamente equilibrado en el regalar momentos de comedia sana con otros, obviamente, más adecuados con la fuerza de la materia.

"The Help" está enfocada también a nivel de la puesta en escena como una película deliberadamente fluida, se podría decir "clásica". La dirección de Taylor no enfatiza mínimamente los eventos, sino más bien deja que sean llevados al público por la fuerza de los personajes y por las extrordinarias interpretaciones de todo el elenco. Por lo menos en cinco escenas la fuerza del mensaje y la emoción que puede provocar el mismo consiguen indignar, conmover, sonreir o incluso hacer reír a carcajadas.

Dejo por último, pero ciertamente no por importancia, la consideración del cast, sobre el cual verdaderamente hay muy poco que decir. Este grupo de actrices ha puesto en escena una de las mayores interpretaciones colectivas de la historia del cine contemporáneo estadounidense, comparable con el All-Star de "Short Cuts", del grande Robert Altman: Si Viola Davis, especialmente por la mayor importancia de su papel en relación con sus colegas, se come literalmente a todas regalandonos una muestra de emociones de distintas variedades, no se debe subestimar el desempeño de Octavia Spencer y, de la " pérfida", Bryce Dallas Howard al borde constante de una crisi de nervios.

De disfrutar también de la hilarante Jessica Chastain, que, después de "The Tree Of Life" y "The Debt", finalmente da su primera prueba cómica en el papel de una mujer ingenua que intenta entrar en el grupo de clase de las señoras de la ciudad con resultados desastrosos. Mención de honor también a la participación de tres "señoras del cine", como Allison Janney, Sissy Spacek y Cicely Tyson, realmente impagable, en una película donde el drama y la ligereza coexisten perfectamente. El poder de este tipo de cine es tal vez el no contar algo nuevo, sino más bien realizarlo con tal precisión y riqueza de contenidos de sorprender en cada momento.

"The Help" es una película lograda porque vuelve a mostrar un momento oscuro de la historia y de la sociedad americana no muy lejano, y lo hace con la plenitud, la pasión y la lucidez narrativa. Taylor encuentra la correcta clave de lectura, aquella universal del relato edificante de un cambio que parte de un único individuo, para convertirse en un contagioso vehículo de libertad y autodeterminación.

Valoración : 7/10

En dos palabras : Tate Taylor saca el máximo partido de un elenco de maravillosas e intensas actrices capaces de cautivadoras y conmovedoras performances. "The Help" es una película que habla al corazón del espectador y lo hace con una sencillez y eficacia, que debe servir de ejemplo a los que a menudo tratan, con no poca dificultad de mezclar entretenimiento y contenido. Recomendable.

Película del día...

2011-12-27T18:25:00.003+01:00

The Ides Of March - George Clooney , 2011

Los idus de marzo. Un trágico acontecimiento, uno de los más famosos de la antigua Roma. Un evento que jacta, en retrospectiva, más de un significado simbólico, y que conduce a la reflexión sobre los escollos del poder y sobre los límites de la "buena gobernanza". En un tiempo de grave crisis económica, caracterizado por un repentino colapso de los valores -una vez- comunes y por la confianza en las instituciones, el cine, más de una vez, ha hecho salir afuera una voz del coro en favor de una revisión del llamado "poder constitutivo", legislativo o administrativo.

Ahora, incluso George Clooney trata de exponer su punto de vista, con un proyecto que se ha pensado durante mucho tiempo y que ha esperado el momento adecuado para convertirse en realidad: "The Ides Of March". El título se refiere precisamente a la conspiración miserable que acabó con la vida de Cayo Julio César, 15 de marzo 44 a. C.por parte de Bruto y Casio. Un título, como ya mencionado, del valor simbólico y que encuentra, en un perfecto juegos de espejos, más de una colocación dentro de la trama de la película.

Se acercan las elecciones presidenciales, y el gobernador Mike Morris (George Clooney), intachable y progresista candidato democrático, se está preparando para los actos decisivos de la despiadada campaña electoral. De su staff forman parte un hombre de gran experiencia, Paul Zara (Philip Seymour Hoffman), capaz de coordinar todo a la perfección (alejado de las intrigas y escándalos que podrían arruinarle la imagen) y un ambicioso e idealista joven organizador de la oficina de prensa Stephen Meyers (Ryan Gosling). Stephen confía en su candidato, así como confía en un cierto recorrido político e idealista. La intervención del intrigante Tom Duffy (Paul Giamatti), coordinador de la campaña del candidato de la competencia, y de la insidiosa periodista Ida Horowicz (Marisa Tomei), insidiarán, sin embargo, en el joven la duda de lo que está bien y de lo que está mal, lícito o desleal, cuando se hace política a niveles altísimos. Decisiva será la intromisión, en su vida, de una joven y bella interna, Molly (Evan Rachel Wood), que desplomará muchas de sus convicciones ...

A seis años de la espléndida "Good Night, and Good Luck", George Clooney vuelve a enfrentarse al mundo de la política, esta vez cara a cara, entrando en los meandros de los juegos de poder, de las tácticas y de las estrategias de comunicación. "The Ides Of March" es una película complementaria, pero al mismo tiempo a las antípodas respecto a "Good Night, and Good Luck" en la película de 2005 era evidente una visión más optimista y confiada hacia el futuro, impulsado por la creencia de que el apoyo de un ideal y el poder de la palabra pudieran ser una herramienta necesaria y suficiente para hacer frente a un presente contradictorio y nebuloso.

En "The Ides Of March", por el contrario, a prevalecer es la desilusión, la toma de consciencia del fracaso de los ideales y de un sistema de valores obsoleto frente al pragmatismo cínico que hace girar el mundo. La película de Clooney es un acto de acusación y condena que no se limita a ser un simple e insignificante "j'accuse" de anti-política: a salir con los huesos rotos, de hecho, es una entera sociedad en donde la mezquindad y las hipócritas maquinaciones de poder no son más que un fiel reflejo.

Si "The Ides Of March" deja este efecto, es precisamente porque es cine moral, correcto y apropiado de verdad : entonces nace espontánea una atmósfera que no nos recordabamos desde hace algún tiempo : "The Ides Of March" es quizá la película más política y necesaria para los tiempos en que vivimos, y también uno de los más valientes títulos off Hollywood (la película no está producida por una Major) en los últimos años. El término "política" por fin recupera todos sus matices, los más interesante, y no se puede hacer más la vista gorda.

La parábola de Stephen Myers es lo más terrible y verosímil que pueda existir hoy en día en el mundo de la política internacional. En la historia, Clooney y Heslov (guionista) nunca tiran abiertamente en el mar de la superficialidad, del sensacionalismo, escenas madres (basta observar la salida de escena de un personaje y de cómo los dos tratan "púdicamente" esta ausencia). Sin embargo, "The Ides Of March" es una película despiadada, porque tiene el rigor y la lucidez necesaria para hacer frente a un tema espinoso, que no es fácil, pero que debe ser abordado de manera crítica.

Ninguno de los personajes de la última obra de Clooney parece salvarse de una deriva moral hacia el cinismo y la indiferencia. Ciertamente no Stephen Myers, quien afirma estar dispuesto a hacer cualquier cosa, siempre y cuando se pueda creer en la causa; y que la causa esté representada por una campaña política o por la supervivencia en cambio de lealtad y de lazos de amistad, poca importancia tiene. Y lo mismo vale para el gobernador Mike Morris, la encarnación de la esperanza para el futuro, y sin embargo, jodidamente similar a aquellos políticos de las bellas palabras y de los innumerables esqueletos en el armario.

Un gran valor a la película lo da el extraordinario reparto, encabezado por un monumental Ryan Gosling, que confirma, una vez más, de ser uno de los mejores actores en circulación, protagonista absoluto de la escena desde el primero hasta el último minuto, actor sagaz de la mirada irónica que logra en la empresa ardua de robar el campo al divo George Clooney que se ha tallado para sí mismo un papel menor, cínico y distante respecto a aquellos tenidos en pasado, pero con un grande potencial dramático. Apoyado por "secundarios" excepcionales : a partir de Philiph Seymour Hoffman, a Paul Giamatti; de Jeffrey Wright, a Marisa Tomei, sin olvidar una bellísima y fantástica Evan Rachel Wood, fundamental en un momento crucial de la película que marca un cambio brusco de ritmo que en un cierto punto se hace mucho más apremiante.

El mundo descrito por George Clooney en "The Ides Of March" es un microcosmos en el que la opresión y el egoísmo son las reglas básicas de la supervivencia. No hay espacio para los remordimientos o emociones: incluso en las raras ocasiones en las que se advierte su presencia son destinados a desaparecer rápidamente."The Ides Of March" es por lo tanto, la historia crepuscular sobre la contemporaneidad, donde la dignidad, la moral y la lealtad han sido redimensionadas a simples y vacías palabras y no son más valores importantes de respetar. Originalmente basada en la obra teatral "Farragut North", "The Ides Of March" trasciende las fronteras entre teatro y cine presentando, simplemente, una gran historia con grandes actores. En resumen, un notable ejemplo de buen cine.

Clooney demuestra una vez más de conocer perfectamente la gramática cinematográfica, escogiendo un registro de estilo que coincide con la linealidad inexorable de la historia. Por lo tanto, "The Ides Of March" es una película hecha de grandes interpretaciones, de ideas y temáticas actuales e interesantes, de un aproche, en esencia, inteligente al medio cinematográfico, que intriga al espectador, pero no se contenta de introducir una idea o una visión en particular. La ambigüedad profunda de sus personajes está bien confeccionada y es absolutamente funcional a la historia y el final abierto a diferentes interpretaciones es simplemente un toque de clase que enriquece la obra, que no se pierde en la recta final como por desgracia sucede a menudo a tantas películas de género.

Valoración : 8/10

En dos palabras : Ambigüedad, seducción, pérdida de valores: el juego político se confunde con los juegos de poder, las certezas se desmoronan, los amigos se convierten en enemigos. George Clooney vuelve a dirigir después de cuatro años, un drama moral acerca de la importancia de la lealtad y de los valores y sobre la facilidad de perder los mismos en el camino del compromiso. Una obra completa, inteligente, bien escrita e interpretada aún mejor. Con esta película el actor/director/guionista consigue hablar de todos y de ninguno al mismo tiempo, sin saltarse una sola entre todas las personas que nos interesan, ni siquiera nosotros mismos. Absolutamente recomendable.

Película del día...

2011-12-12T18:50:00.004+01:00

The Artist - Michel Hazanavicius , 2011

Érase una vez el cine mudo. Algo relacionado a esa época que nosotros acostumbramos definir cine de los orígines, en donde se trataba de comprender la importancia de este medio y sobre todo a que cosa podía servir. ¿Entretenimiento? ¿Ilusión?¿ Espéctaculos de saltimbancos? ¿Quién sabe lo que pasó por la cabeza de aquellas personas que durante esos primeros años tuvieron que dedicarse a algo que sin lugar a dudas era mucho más grande que ellos?...…

Érase una vez el cine en blanco y negro, y todavía persiste. A diferencia de su famoso "colega", este aún se conserva en su forma original, a menudo evocado por razones de un estilo bastante específico. Aquel blanco y negro que no sólo sobrevivió a la época clásica, sino también a los mismo colores. Porque si el sonido rompió, en algunos aspectos, el hechizo del primero, el color no ha hecho otra cosa que enriquecer el encanto de este último.

Cine mudo y cine en blanco y negro, decía. Un sólido binomio, a veces casi indispensable. Contar de este medio, incluso antes de representárnoslo. Es este el reto que se ha fijado Michel Hazanavicius con "The Artist", adentrandose en ese sendero arduo, que es la reconstrucción, en este caso parcial, de un mundo que ya no existe. Un mundo que no habla, pero que dice tanto, tantísimo.

Hollywood 1927. George Valentin (Jean Dujardin) es una estrella del cine mudo en la cumbre del éxito. Querido por el público, Valentin, parece haber puesto, también, en ese indiscutible éxito sus aspiraciones de hombre, poniendo en el orgullo artístico y humano todo su dominio. Pero los años '30, y también la Gran Depresión, están por venir, así como la llegada del sonoro que encontrará a Valentín impreparado y quizás inapropiado para semejante cambio. Y cuando su vivaz expresividad de actor de cine mudo parecerá no interesar a nadie, y las casas de producciones comenzarán a cerrarle la puerta en la cara sin reservas, su orgullo unido a la depresión debido a aquella "negación" lo harán hundirse en una crisis existencial sin salida.

Mientras tanto, Peppy Miller (Bérénice Bejo), una chica joven y alegre conocida por casualidad a la salida de un preestreno, parece estar a punto de emprender el vuelo. De sencilla bailarina, y sobre todo debido a la llegada del sonoro, la chica se convertirá (rápidamente) en una estrella de primer nivel, y que por un juego sádico del destino, ocupará el lugar en los corazones del público del ahora abandonado Valentin. La tempestividad amorosa, por lo tanto, es una vez más desfavorable: si al principio Valentin permanecía fascinado sólo de sí mismo sin dejarse cautivar por el encanto de una bailarina, ahora caído en desgracia - económica y humana -, su orgullo inquebrantable no puede permitir que esa misma chica lo salve de la presunta miseria que le espera.

Toda la película sigue un registro muy diferente del de su protagonista, que no es otra cosa que uno de los muchos espejos de la película. La aparición del "nuevo" experimentado como un trauma, independientemente de los resultados o de las exigencias. "La gente quiere escucharlos hablar", echa en cara el amigo y productor Al Zimmer (John Goodman) al que hasta el día antes era su gallina de los huevos de oro. "Pero yo no sé si es mi voz la que quieren escuchar", responde Valentin en manera indirecta. Este es el ejempo de cómo reconstruir, en pocas palabras, el terror de una época que se avecina.

No es un pastiche de sí misma, pero son demasiado fuertes, demasiado explícitas las referencias a las famosas secuencias tomadas de "Metropolis" de Fritz Lang , o de "The Kid" de Chaplin. En "The Artist" el recordatorio es constante: "Citizen Kane" de Orson Wells (la escena del desayuno, el almacén con los muebles de George), "Sunset boulevard" de Billy Wilder (la parábola de la estrella que no renuncia, acompañado por su fiel conductor que firma también los autógrafos para él permaneciendo a su lado incluso en la desgracia ) y aunque sí el recuerdo más evidente y tal vez menos deseado es "A Star Is Born" de William Wellman y "Singin' in the Rain" de Stanley Donen. Pero también puedo mencionar Lubitsch, Murnau, las películas de King Vidor, el número de Tip Tap de una grande pareja danzante como Fred Astaire y Eleanor Powell. Sin embargo aquella retratada en la película es la Hollywood de los cambios, aquella de los años '20 y '30, por lo cual es en el cine americano de aquella época que tenemos que repescar una gran cantidad de objetos que parecían perdidos.

Esto es especialmente válido en relación con el cast. Jean Dujardin es de hecho el mejor protagonista que se podía desear. El actor encarna las cualidades de la estrella del pasado, y parece salido realmente de una película de esos años, sólo con más ironía y desencanto. Encantador, divertido, seguro de sí mismo, tratad de imaginar, especialmente hoy en día, lo que significa arrastrar al espectador sin decir una palabra. La performance de Dujardin es impresionante, y el premio al mejor actor recibido al Festival de Cannes es seguramente merecido.

Junto a él, encontramos a Bèrènice Bejo ojos brillantes sonrisa desenvuelta, nacida para interpretar Peppy Miller "la chica que amaréis amar", directamente salida de uno de los cuentos más brillante de F. Scott Fitzgerald. Y son también perfectos los actores "secundarios", de John Goodman a James Cromwell. pasando por Penelope Ann Miller. A todo esto Hazanavicius agrega la hermosa música de Ludovic Bource y un concepto muy moderno de dirección: Sin hacer ningún tipo de spoiler, diré que la película no es completamente muda, y el uso que el director hace del sonoro es de una intilegencia para nada común. Aquí la dirección toca picos inimaginables, elevándose a la enésima potencia.

Y mientras soy testigo de la suerte alterna de esta pareja casi arquetípica, a partes inversas, me dejo capturare por aquellos episodios individuales, entre serio y jocoso, que fluyen inexorablemente en la pantalla. A veces uno tiene que ponerse en juego, sobre todo si uno desea osar con las interpretaciones, como cuando nos enteramos de que el estudio, eje de los hechos ocurridos, se llama Kinograph. Kynos, perro en griego. El mismo perro cuyos gestos, en un mundo donde no se habla, valen tanto como los de los protagonistas. Es él que destempla siempre la atmósfera, con esa ingenuidad que le pertenece. Ese perro que salva, literalmente, a su propio maestro, es decir Valentin, en más de una ocasión. Algo más que un coprotagonista. Para ser claro.

Y, por último, pero no por importancia, encontramos esta nostálgica historia de amor de otros tiempos. Un amor discreto, limpio, serio. El amor entre un hombre y una mujer que, tal y como lo vemos, nos lo ha propuesto sólo el séptimo arte. Desprovisto de sentimentalismos de cualquier tipo, duro si es necesario. No una simple imitación, por lo tanto, no la love story de turno. Sin desproveer de ese toque de ligereza que tanto caracteriza al realizador francés.

"The Artist" puede ser paragonada a una persona anciana que, delante de un público heterogéneo, evoca recuerdos de infancia. justificada por alguna pérdida de memoria, o porque es bueno idealizar los recuerdos felices que llevamos dentro, aquello que emerge es casi siempre una historia que pocos creen ... pero que a todos gusta. Gusta por que ha envejecido junto con el que relata la historia. Involucra, por que es fermentada dentro un viejo odre, que nadie ha resquebrajado y por lo tanto ha cumplido con su deber de conservar el contenido. Y como el buen vino, algunas historias mejoran sólo con la edad. Aunque parezcan modernas.

Valoración : 8.5/10

En dos palabras : Una oda a la pureza del cine y al poder de las imágenes, este es el propósito de Michel Hazanavicius, que con "The Artist" ofrece al espectador la oportunidad de viajar a través del tiempo, casi un siglo atrás, mostrando un gran coraje en el poner en escena una película en blanco y negro, donde no se oye hablar a los actores, pero leemos sus diálogos en los cuadros de texto. En ausencia de la voz, la mirada regresa protagonista y el cine "that got small.", como decía la grandiosa Gloria Swanson, recupera las justas dimensiones. Absolutamente imperdible.

Película del día...

2011-12-09T17:45:00.001+01:00

Le Havre - Aki Kaurismäki , 2011

Un pasado de escritor encerrado en un cajón y tanta dedicación por su digno, pero poco remunerativo, trabajo de limpiabotas, Marcel Marx (André Wilms) parece haber resucitado a una vida nueva después de haber encontrado su media mitad, Arletty, mujer de la bondad inusual que parece haberlo salvado de la vida gris de clochard, y con la que Marcel comparte ahora una relación cómplice de pareja en el barrio portuario de Le Havre.

La rutina de las jornadas de Marcel, todas igualmente transcurridas entre la estación de Le Havre, en busca de clientes y el famoso bar del barrio para distraerse con los amigos de siempre, sin embargo, será interrumpida cuando entrará en su vida el pequeño Idrissa, un prófugo africano que huyen de la policía (encarnada por la figura esquiva de un insinuante comisario de policía interpretado por Jean-Pierre Darroussin), que desearía destinarle, junto con sus compatriotas, a los inhospitalarios centros de acogida.

Mientras tanto, Marcel descubrirá que su dulce mitad Arletty está gravemente(y tal vez irremediablemente) enferma. Esta noticia desesencadenerá en el hombre la férrea voluntad de arremangarse las mangas y de dar una contribución personal al mundo, con todos los medios a su alcance, tratará de ayudar a Idrissa a escapar de la policía para que pueda llegar a Londres, donde se encuentra su madre. Un gesto altamente simbólico y de extrema solidaridad que contribuirá a la realización de un "pequeño" milagro humano que la película intenta (y consigue) proyectar.

Son pocos los directores que puede poner su firma en cada plano individual del propio trabajo, basta simplemente ver un solo fotograma de "Le Havre" para entender cómo la mano de Aki Kaurismäki sea capaz de pintar con colores pastel hasta los barrios más degradados en cada imágen. El de Kaurismäki es un cine hecho de no-lugares, sus personajes a menudo no tienen raíces y se mueven como sombras entre las calles, puertos, estaciones y lugares que no tienen memoria. Marcel Marx, junto con M ( Markku Peltola de "The Man Without A Past") es quizás el más acertado de los personajes inspirados a este modelo. Excluidos, marginados, pobres, pero con la esperanza en el corazón, así son, frecuentemente, los protagonistas del cine del maestro finlandés.

André Wilms es el pilar sobre el cual está construida la película, personaje aparentemente inescrutable, desde el principio se convierte en un padre putativo del "Chico" que no puede no traer a la mente Charlie Chaplin. Fundamental, como siempre, es la presencia a su lado de Kati Outinen, en el papel de una esposa amorosa, pero también rígida administradora de la economía doméstica. La actriz finlandesa siempre ha sido considerada como la musa inspiradora de Kaurismäki, papel que parece apreciar y saber manejar perfectamente. A través del personaje extravagante de Marcel, el director finlandés logra mostrar, por el contrario, como el mundo real puede ser a su vez puesto de cabeza, por ejemplo, en su ira contra un niño perdido (óptimo el pequeño Blondin Miguel en el desbribir con una mirada aquella profunda desorientación física y humana) e inocente con la sóla culpa de querer reunirse con la madre.

Simple hasta la ingenuidad, ya sea en la trama y en la puesta en escena, "Le Havre" es una película contagiosamente positiva que se ocupa de un tema de actualidad como la emigración, más que nunca al orden del día en la Francia sarkozyana, con ligereza pero no con superficialidad. Cada elemento en las películas de Kaurismäki, ambientes, objetos, trajes, incluso los maravillosos rostros de sus protagonistas (basta observar Jean-Pierre Darroussin en el papel de comisario Monet, o el cameo de Jean-Pierre Léaud) consiguen descontextualizar temporalmente la historia, superando con minimalismo estético la superación de las barreras temporales y transformando la narración en un mensaje de validez universal, fuera del tiempo.

La fotografía de gran expresividad de Timo Salminen, el gusto surrealista y antiguo, el cuidado obsesivo por los detalles, la ironía superficial que esconde una desolación y una melancolía profunda, el cansancio de la vida, se abren dentro de una perspectiva más optimista, en la que Kaurismäki diluye su vena conmovedora y de denuncia social a la posibilidad. De la vida, de hacer el bien, de redención, de esperanza. En un mundo donde prevalece la indiferencia, saber que alguien piensa que se pueda cambiar un destino es tanto, tantísimo.

Y es en esta capacidad de hacer desvanecer la realidad tanto de parecer irreal, que "Le Havre" resulta, efectivamente, una película finalizada y en algunos aspectos incluso necesaria en su deseo de derribar la frontera entre lo que parece y lo que es, para resurgir finalmente en la esperanza de un "milagroso" cerezo en flor, último desesperado recurso a una imagen de renacimiento que da nueva vida a (nuestras) esperanzas aletargadas... Podéis llamarla cuento de hadas, si queréis, sin olvidar la estatura moral de muchos de los cuentos de hadas más conocidos, que han enriquecidos niños y adultos durante siglos. Bellísima.

Valoración : 9/10

En dos palabras : El director finlandés Aki Kaurismäki realiza un pequeño milagro: trasladado en Francia, con un elenco de rostros conocidos del cine francés (André Wilms, Jean-Pierre Darroussin, Jean-Pierre Léaud), hilvana un cuento de hadas moderno, con un indefinido regusto retro que ayuda a colorear la miseria y la indiferencia de hoy en día. El resultado es una película "pequeña" y delicada, completamente alejada de lo que las salas de cine nos han acostumbrado, pero al mismo tiempo una película que se reconcilia con el cine y con la vida. Altamente recomendable.

Película del día...

2011-12-07T16:10:00.004+01:00

Albert Nobbs - Rodrigo García, 2011

Albert Nobbs es un mayordomo eficiente, trabaja en el lujoso Morrison's Hotel de Dublín, durante el siglo XIX. Sus días están hechos de gestos formales y compostura, clientes ricos y bulliciosos, emociones retenidas y apariencias. Sobre todo apariencias, ya que en realidad, Albert Nobbs es una mujer. Su plan es juntar todo el dinero suficiente para montar su propio negocio, una tienda de tabacos. Un día llega al hotel un pintor contratado para retocar algunas paredes del hotel, Mr. Hubert Page, y es alojado en la misma habitación junto con Albert, a pesar de que el mayordomo presta una atención escrupulosa a su comportamiento, el recién llegado no tarda en descubrir su secreto.

Mr. Page promete a Nobbs que mantendrá el secreto, ya que él trae consigo mismo un misterio igualmente privado. A partir de ese momento, desde el encuentro con Mr.Page, en Nobbs empieza a abrirse una grieta en su irreprensibilidad. Conocemos de esta manera las razones de la transformación, sus sueños tiernos y visionarios. Entre estos se incluye la idea de un matrimonio. Nobbs comienza a frecuentar como todo un caballero (un pelín fuera de moda), la hermosa camarera Helen (Mia Wasikowska), pero la joven, en realidad, se siente atraída por el fascinante factótum del hotel, Joe .

Basada en la homónima novela de George Moore y deseada firmemente por Glenn Close (aquí también como productora y guionista), que ya había interpretado al personaje en una obra teatral en 1982, "Albert Nobbs" es una película realizada con ritmo lento y retenido por el director Rodrigo García, director de algunos episodios de series imperdibles como "The Sopranos", "Six Feet Under" y de películas del sabor profundamente femenino: "Nines Lives" y "Mother And Child".

El cuadro de la sociedad irlandesa del siglo XIX que surge es desolador e inquietante, capaz de aplastar al individuo, incluso en su más profunda intimidad, pero es de una condición humana más general, claramente, de la que nos están hablando los autores: una condición en la que las personas se ven obligadas a ocultar su verdadera naturaleza con el fin de construir una imagen social aceptable (principalmente las mujeres, obviamente, pero a la vez todos los personajes están comprometidos a construir una apariencia "decente", aunque sólo para ocultar sus amores y sus ambiciones).

Spoiler- La protagonista es, evidentemente, el ejemplo más extremo: una mujer que después de una terrible violencia a temprana edad decide cancelar su sexualidad, y por lo tanto su identidad, convirtiéndose en lo que otros se esperan que sea, en este caso un buen mayordomo, y alcanzando un nivel alto de soledad y desconexión con la realidad y consigo misma de no poder entender la verdadera naturaleza de las relaciones humanas, interpretadas de una manera que podría ser llamada mecanicista. - Fin spoiler.

Albert Nobbs es un personaje profundamente sugestivo gracias a la, será banal decirlo pero es absolutamente cierto, excelente interpretación de Glenn Close. Con una actitud que se convierte en personalidad audaz, tímido cuando se trata de expresar sus sentimientos, Albert Nobbs representa la realidad en el cine, el pequeño héroe trágico de la actriz estadounidense. Convincente (impresionante el trabajo de la voz), intensa, irónica, conmovedora, capaz de llevar al espectador exactamente donde quiere o donde el guión fallído (desafortunadamente) lo pide. Junto a ella un grupo de actores bien avenido, donde se destacan, una decidida y sencillamente brillante Janet McTeer, un refinado Brendan Gleeson y la estrella cada vez más consolidada Mia Wasikowska. El único en no convencer del todo es Aaron Johnson en el papel de Joe.

Mientras se trata de contar la dramática historia de una mujer forzada a hacerse pasar por hombre para sobrevivir, "Albert Nobbs" funciona. Sin embargo, cuando el guión cambia dirección y comienza a poner en escena los planes de la protagonista para construirse un futuro mejor, los mecanismos narrativos se atascan y la narración se vuelve menos creíble. La obstinación con la cual Nobbs, por ejemplo, decide casarse con la dulce y desdichada camarera, no tiene una justificación lógica suficientemente fuerte para convencer a los espectadores. La película resulta visionable debido (sobre todo) a la grande prueba de los actores, pero en la segunda mitad, la película se derrumba y se vuelve mucho menos cautivadora respecto a la primera.

Precisa en la puesta en escena, la película de Rodrigo García resulta fundamentalmente incompleta debido principalmente a un guión que, basandose en un tema difícil de estructurar, no consigue equilibrar todas las historias y situaciones complicadas de manejar. La dirección de García, en sí misma es demasiado condescendiente con la historia, y en algunas partes se flexiona demasiado hacia el melodrama, que ocupa mucho espacio en comparación con el drama. Le niega, de esta manera, aquella expresividad que la habría convertido en una obra inolvidable. El tormento, entre las obsesiones y las emociones, en la vida cerrada y temorosa de Nobbs, sólo puede ser capturado observando la performance de una grande actriz como Glenn Close.

Valoración : 5.5/10

En dos palabras : El director colombiano traduce para la gran pantalla el script de George Moore, poniendo énfasis a los disfraces, a la búsqueda de la identidad personal y de los sentimientos que se encuentran en conflicto en el corazón de la protagonista. El resultado final rinde mérito sobre tod al extraordinario talento de dos grandísimas actrices como Glenn Close y Janet McTeer, y no a una película que no funciona por sí misma, refinada y elegante en la reconstrucción de aquella época, pero también extremamente contenida y en algunos puntos un poco aburrida.

Película del día...

2011-12-03T17:40:00.002+01:00

"The Descendants" - Alexander Payne , 2011

A siete años de "Sideways", Alexander Payne regresa a la dirección con "The Descendants", una comedia agridulce, un estilo al cual nos ha acostumbrado desde sus inicios, basada en la homónima novela de Kaui Hart Hemmings. El protagonista Matt King (George Clooney) vive en una de las pintorescas islas de Hawai, pero, a través de la voz en off, nos dice desde el principio que la vida en lo que es considerado por muchos un paraíso terrestre no es tan diferente respecto a otras partes del mundo, todos tienen problemas y obstáculos que afrontar.

La esposa de Matt se encuentra en coma tras sufrir un accidente en barco. La pareja estaba en una fase delicada de la relación antes del accidente; problemas matrimoniales que estaban socavando el matrimonio. La inminente posibilidad de que la mujer no puede salir del coma dejaría a Matt sólo con la responsabilidad de criar a sus dos hijas, la adolescente Alexandra (Shailene Woodley) y la más pequeña Scottie (Amara Miller), con las que no tiene una relación idílica. Justamente cuando la dramática situación empuja al hombre a un examen de conciencia (Matt promete a sí mismo de ser un mejor padre y esposo cuando su mujer se despierte), se descubre que su esposa lo ha traicionado con otro hombre. Matt decide, por consiguiente, embarcarse en un viaje junto a sus hijas, en busca del amante y "rival".

"The Descendants" es una película agradable que alterna momentos conmovedores y otros divertidos. Es una película sobre el perdón hacia los demás (la traición) y hacia uno mismos (la ausencia en la vida de los seres queridos) con el objetivo final de no vivir con remordimientos. A Payne interesa especialmente explorar y profundizar el carácter de los personajes, y lo hace dilatando los tiempos de la historia. Resulta evidente que no es su mejor película, francamente me esperaba algo más de ella, tal vez falla en el guión que tiene como "base" una bella historia, emocionante y vital, sin embargo, plagada de diálogos un poco demasiado simples (para uno como Payne). Esto no quita la habilidad y la sensibilidad de su último trabajo, realizado sobre personas comunes que en la dificultad pierden por completo sus seguridades, pero se esfuerzan por encontrar un nuevo equilibrio. Un trabajo similar en la esencia a sus trabajos anteriores, pero construido sobre bases menos sólidas de aquellas encontradas en el pasado.

El título se refiere al status familiar de Matt King: que es en realidad un lejano descendiente de la realeza hawaiana y su familia ha sido propietaria por generaciones de una enorme playa tropical. La película tiene, en efecto, por hilo conductor la importante decisión que el hombre deberá tomar, junto con sus familiares, acerca de la venta pendiente de aquel inestimable patrimonio. Esta característica permitirá nada menos que giros surrealistas y producirá cuadros grotescos, con amigos/conocidos/parientes perennemente interesados en sonsocar, lo antes posible, sus intenciones al respecto y poniendo Matt (embelesado por otro tipo de pensamientos ) en una incomodidad constante.

El director, además, recurre a su consagrada marca de fábrica para contar la historia "on the road", sucedía en "About Schmidt" y en "Sideways", en este caso (como en los precedentes) el protagonista se embarca en un viaje que resulta ser catártico. Es durante el viaje que la relación entre padre e hijas se recupera, que las decisiones más importantes se toman y donde se produce el crecimiento interior de los personajes. George Clooney realiza un óptimo trabajo, interpretando a un hombre que piensa de tener bajo control cada aspecto de su vida, pero que en realidad no posee el control de nada. No es la mejor interpretación de su carrera (como tantos han dicho), el Ryan Bingham de "Up In The Air" permanece insuperable, pero es innegable la dedicación y la entrega total hacia el personaje. A destacar sobre los demás, increíblemente, es la joven Shailene Woodley, que sabe como encontrar el equilibrio adecuado entre la ira juvenil, el dolor, el sufrimiento y la complicidad, una amplia gama de emociones expresadas con una facilidad inusual. Realizando un trabajo admirable.

A menudo, la ironía, el sarcasmo y las situaciones absurdas llegan precisamente en momentos en que el espíritu humano es más susceptible al dolor. "The descendants" probablemente no tiene la misma originalidad de la mencionada "Sideways" o de su predecesora "About Schmidt", pero sin duda alguna encierra sabiamente los elementos ya apreciados del cine de Alexander Payne, escogiendo un marco no tan liviano y sobre todo más dramático de lo habitual.

Valoración : 7/10

En dos palabras : Alexander Payne construye "The Descendants" de acuerdo a su estilo de dirección lineal, nunca ostentoso, que encuadra rostros y ambientes dejando que sean ellos a crear la esencia de la película. El resultado es una comedia conmovedora, un poco fuera de tono, hábil en excavar dentro de figuras que se diferencian bastante poco de nosotros, y que confirma plenamente la fuerza de Payne, en el hacer interesante la vida interior de los personajes con los que podemos identificarnos en su ser ordinarios, o mejor dicho humanos. Recomendable.

Película del día...

2011-12-02T01:10:00.002+01:00

Nader And Simin, A Separation - Asghar Farhadi , 2011

Desde el Oso de Plata al mejor director en 2009 por "About Elly", y el Oso de Oro en 2011 por "Nader and Simin, A Separation", Asghar Farhadi parece dar una voz cada vez más fuerte a su idea de Irán (hoy en día), y a su vez, transmite su manera de hacer cine, realizando un recorrido selectivamente realista, que evita intelectualismos abstractos o arabescos narrativos. A pesar de ser su quinto largometraje, Farhadi lo he conocido y apreciado sólo en 2009, a orillas del Mar Caspio en donde flotaban las tensiones y los temores de un "Big Chill" todo iraniano.

Hoy, a dos años de distancia, lo encontramos nuevamente sobre la orilla de otro mar, también bastante turbulento, es decir el de las incomprensiones y tensiones familiares, agravado por las diferencias sociales, por las condiciones económicas, por las creencias religiosas y por el instinto de preservar a sí mismos y a la propia familia. Y es en aquel mar de inseguridades, que Farhadi parece decirnos, que hoy en día se va a tientas cada vez más penosamente, tratando de evitar ser abrumados por ese mar que ola tras ola casi siempre nos empuja a la deriva.

Nader y Simin son una pareja de jóvenes padres con una hija adolescente. Sin embargo, entre ellos, algo va mal. Ella, Simin, desearía aprovechar del visado que ha obtenido recientemente para poder salir de la opresiva Irán y trasladarse a otro país, que pueda garantizar una mejor calidad de vida para ella y para su hija Termeh. Pero Nader no quiere saber del asunto. Siente que tiene que quedarse a cuidar de su padre, anciano y extenuado por una enfermedad degenerativa como el Alzheimer. De esta manera, la unión de intentos se derrumba y cada uno tiene la intención y determinación de seguir su propio camino.

Simin se traslada temporalmente a la casa de sus padres, mientras Nader y Termeh (no se atreven a dejar a su padre y abuelo) permanecen en el hogar conyugal. Mientras tanto, Nader contrata una mujer (Razieh) que pueda hacerse cargo de su padre y asistir a algunas de las tareas del hogar mientras él está en el trabajo. Pero la mujer, devota religiosa, está embarazada y, además, trabaja sin el consentimiento del marido, un desempleado lleno de deudas que pierde la cabeza cada vez que algo va en contra de sus expectativas.

Un día, después de un descuido de Razieh en su tarea de cuidar al anciano; nacerá un altercado con Nader que llevará, inmediatamente, a graves consecuencias. De este incidente surgirán tantos malentendidos entre las dos parejas y en el ámbito de las mismas, y cada uno de los protagonistas se quedará aferrádo a su punto de vista aumentando enormemente la "separación" ya existente...

Muchas (y todas candentes) son las cuestiones que trata Farhadi con esta separación física y espiritual con la que todos sus protagonistas tendrán que hacer frente. Abandonar o no el barco que se hunde (en este caso Irán, oprimido por el régimen teocrático, pero también la familia y sus problemas, el aprovechamiento del diktat religioso), cuidar de un padre cada vez menos independiente y más difícil de manejar, educar a los propios hijos en nombre de la honestidad moral e intelectual permaneciendo portadores sanos de aquella verdad tan fomentada a los mismos.

Farhadi penetra en el ojo de su cámara a través de las grietas de una lucha social que es la misma lucha por la vida, centrándose en los rostros perturbados y sufridos de familias que se desmoronan bajo el peso de responsabilidades que son difíciles o imposibles de manejar. Todo fluye en un frenesí emocional que invade en la desesperación más oscura, aquella de una inocencia presunta ("yo no soy un ladrona" , frase repetida obsesivamente) con el fin de preservar el remanente de libertad de sí mismo (sobre todo en Irán) severamente limitado y limitante.

Y si los hombres son impulsivos, y a menudo irracionales, son las mujeres a verse obligadas a recoger los pedazos de la historia, a cargar el peso de la responsabilidad, a demostrarse conciliadoras cuando la no conciliación es sinónimo de deflagración. Atropelladas por un rol moderador cada vez más elevado y complejo, son las mujeres a resolver, tanto es así que incluso las más pequeñas (un poco más que niñas) son maduras y sensatas más que los adultos y absorven como esponjas aquellas normas indispendables para hacer frente a la desequilibrada realidad en la que viven.

"Nader and Simin, A Separation" es una película bastante lograda, sobre todo por esa tensión creciente de thriller que permanece portadora de una vibrante humanidad, en donde a las separaciones fisiológicas del hombre y de nuestra sociedad se contraopone la fuerza de los "afectos", metafóricamente simbolizado por la devastación con la cual Termeh encontrará en la complicidad con su padre, la primera gran desorientación a sus principios y su idea de un mundo bueno y justo, siempre respetuoso de las reglas.

Óptimos los actores adultos, pero aún más las dos niñas actrices, tan reales en filtrar toda la delicadeza y el sufrimiento de sus padres a través de sus maravillosos ojos jóvenes, ya testigos del conflictual mundo de los adultos y por lo tanto desprovistos de aquella alegría que debería pertenecer a su corta edad. El crescendo emocional oculto detrás de las rostros tensos de los adultos y de las miradas sufridas de las niñas que se encuentran enfrentadas entre el amor de los padres y entre el sentido de la verdad, encerrando, escena tras escena, al espectador en un doloroso viaje en las dificultades humanas, admirablemente simbolizado en la imagen de dos personas unidas un tiempo y ahora tristemente separadas por un cristal de incomprensión.

Valoración : 8.5/10

En dos palabras : Tras el éxito de "About Elly", Asghar Farhadi realiza una película extremamente específica (sobre un país dividido a la mitad, a merced de sí mismo y en la búsqueda desesperada de la normalidad), pero también terriblemente universal, comprensible a todos, sobre cuatro personas que asisten a la implacable combustión del propio mundo y que luchan contra ella arrojando dentro sus propios valores con tal de salir ilesos. Una grandísima prueba de autor que consagra definitivamente el nombre de Farhadi en el panorama cinematográfico internacional. Absolutamente recomendable.

Película del día...

2011-11-29T18:30:00.003+01:00

La Guerre Est Déclarée (Declaration Of War) - Valérie Donzelli , 2011

"¿Cómo te llamas?"
"Romeo"
"¿Estás bromeando?"
"No, ¿Por qué?"
"Porque yo me llamo Juliette"
"Estamos condenados a un destino trágico"

Romeo y Juliette se conocen en una fiesta, se aman, son felices, tienen un hijo, Adam. Pero algo anda mal. El niño se comporta de una manera extraña, siempre llora, vomita de repente y no mueve un lado de la cara. Poco a poco emergen los síntomas de un gravísimo tumor cerebral al pequeño, que enpujará a Romeo y Juliette a afrontar una guerra personal contra la enfermedad, para la supervivencia del pequeño Adam y para transformar la incumbencia de la muerte en un himno a la vida.

Película que representará a Francia en los próximos Oscar, "La Guerre Est Dèclarée" es ligera y pesada al mismo tiempo, como la vida. Lúcida y precisa en el contar la enfermedad y la hospitalización, los miedos, las dudas, las reacciones y las emociones, con hechos, situaciones, lugares, diálogos y personajes absolutamente vivos, sentidos y reales, porque la historia narrada es aquella verdadera de la realizadora ( también protagonista) y del actor Jérémie Elkaïm (que interpreta a Romeo). De hecho, la película está dedicada a su hijo Gabriel, y a los médicos, enfermeras y hospitales públicos, motivo que eleva aquello que visionamos a un emblema de una lucha más general.

Pero es su historia privada a interesar, conmover y hacer sonreír en los 100 minutos de metraje, es una película que corre como un tren, llevada a cabo con claridad, mano firme y un ritmo cerrado gracias a una mezcla perfecta de guión, dirección y montaje desencadenados, sincopados y marcados por una banda sonora acertadísima. La película se pone en marcha por si sola, con una estratagema sonora maravillosa, que desde los sonidos repetitivos de la resonancia magnética a la cual es sometido el niño nace en la mente de la madre el recuerdo de la música electrónica de la fiesta en donde conoció Romeo. Todo esto contrapuntado por las voces en off que intervienen de vez en cuando para dar un tono de fábula a la narración, trayendo a la mente el célebre inicio de "Jules et Jim", de Truffaut.

También cabe destacar la belleza de las imágenes y las infinitas posibilidades que una cámara digital como la Canon 5D puede ofrecer. Sébastien Buchmann, director experto de la fotografía, ha sido capaz de dar a la película una gama de colores y una luminosidad que no tiene nada que envidiar a las películas rodadas "tradicionalmente". Los diálogos nunca son banales, ni excesivos, y frecuentemente sorprendentes en el realismo que logran infundir a los pesamientos (a menudo) abstractos de sus protagonistas. Todo esto unido a la habilidad de los actores (incluyendo al pequeño Gabriel, que interpreta Adam a ocho años) hacen de esta "pequeña" joya una de las producciones más bellas e importantes del año.

La estructura es del melodrama, en el que los acontecimientos precipitan cada vez más, pero sostenida por los tonos que alternan el drama a la comedia, con puntos de delicada fantasía surrealista, necesaria para evitar de ser abrumados por la ansiedad. Y cuando Romeo plantea a Juliette la pregunta que todo el mundo se ve obligado a hacer cuando se encuentra frente a una enfermedad y /o sufrimiento "¿Por qué a nosotros, por qué Adam?", ella responde simplemente: "Porque podemos superarlo". Una frase hermosa, pero también un poco extraña, que no da rienda suelta a los sentimientos de culpa y a la necesidad de explicaciones que todo enfermo / padre posee en su interior. Pero también es quizás la única respuesta posible, aquella que te permite de no poner tus razones conflictivas en cuestión, y no deja otra opción sino aquella de seguir adelante.

Porque lo que no mata, fortalece. Porque frente a las mayores dificultades y en primer lugar frente al sufrimiento y a la posible muerte de un hijo, los seres humanos son capaces de sacar de lo más profundo del alma una fuerza y una energía impensable. Pero el precio a pagar es alto, como en toda guerra: debemos luchar por nosotros mismos, por que la lucha contra la enfermedad termina por monopolizar toda la existencia de aquellos que combaten, poniendo a dura prueba el equilibrio de pareja, de los vínculos familiares y de las amistades...

Psicodélica, visceral, sugestiva y conmovedora hasta las lágrimas, "La Guerre Est Déclarée" es una película maravilllosa que no apunta al pietismo, al contrario, es suavizada por dulces y poéticas incrustaciones musicales que intensifican y amplifican los sentimientos de los dos protagonistas, haciendolos casi irreales, actuando como un poderoso elemento de ruptura de la tensión. Se termina emocionalmente destruidos, es lógico que sea así, pero también muy contentos con la renovada perspicacia del valor exorcizante del cine. Vive la France!

Valoración : 9/10

En dos palabras : Perfectamente equilibrada entre drama y comedia, la película afronta de manera insólita e implicante un argumento triste y doloroso que la realizadora francés convierte en una especie de película de aventuras, llena de acción, de colores, de ternura y de vida, pero sobre todo de amor, el núcleo alrededor del cual gira toda la historia. Amor, amor y más amor. "La Guerre Est Déclarée" es una película de visionar absolutamente y de disfrutar plenamente, para purificar un poco el alma endurecida debido a las diversas futilidades cotidianas. Espléndida.

Película del día...

2011-11-27T19:45:00.002+01:00

Moneyball - Bennett Miller , 2011

Es el 2001. Los Oakland Athletics, equipo medio de baseball, acaba de concluir un exitoso año, perdiendo sin embargo el último partido. No pudiendo pagar los grandes presupuestos, la dirección se ve obligada a vender los tres mejores jugadores del equipo, poniendo al equipo sobre un camino difícil. Sin dinero y sin poder comprar campeones emergentes, le toca al General Manager Billy Bean (Brad Pitt) remangarse las mangas para construir un sólido grupo de jugadores de asignar al entrenador Art Howe (Philip Seymour Hoffman).

Cuando Billy se encuentra con Peter Brand (Jonah Hill), un joven estudiante graduado en economía, que ve el campeonato de baseball sólo como un gran número de cifras y estadísticas que merecen ser ser analizadas, se siente fascinado por su teoría según la cual, en vez de nombres rimbombantes, para ganar bastan jugadores que hagan puntos. Billy, de esta manera, arma un equipo de promesas fallidas, de "hermanos de" y de descartes, contra la opinión de todos.

Las películas sobre el deporte siempre corren algún riesgo. Raramente centran el objetivo, y si lo hacen pocas veces son excepcionales, pero al menos ofrecen a sus interpretes la oportunidad de mostrar todo su talento. Sandra Bullock debe su Oscar (impensable hace algunos años) a una modesta película sobre fútbol americano llamada "The Blinde Side", e incluso Brad Pitt está en el el camino correcto gracias a una película, que sin él como protagonista, quizá no tendría el mismo impacto. El actor nos regala una extraordinaria prueba interpretativa dando vida a Billy Beane. Un hombre silencioso, acostumbrado a llenar de decepciones la propia vida: una prometedora carrera de bateador acabada, un matrimonio quebrado y una hija que ve de vez en cuando.

Si Jerry Maguire era un agente deportivo que "odiaba su posición en el mundo", Beane odia a su mundo y desea darle la vuelta de arriba a abajo. Lo hace poco a poco, a partir de una silla estrellada contra la pared en un último estallido de ira. Los tonos de la película son siempre serios, y el drama americano, capaz de atropellar emocionalmente a quién está observando, se esconde detrás de un estilo documental y tiene el coraje de mostrar un gustillo amargo deliciosamente apreciable. Porque Bean su victoria personal nunca la disfrutará completamente. Él es un verdadero romántico, y como dice en la película: "cuando se tiene que ver con el baseball, es imposible no serlo".

Y si la interpretación de Brad Pitt por sí sola vale el precio de la entrada, el personaje de Jonah Hill, interpretado con mucha madurez, es simplemente fantástico; el humorismo que refleja en una mirada astuta y en un físico masivo son el contrapunto perfecto para el hipervitaminizado Pitt, juntos se potencian mutuamente, dando vida a duetos verbales que son, sin lugar a dudas, la parte más lograda de toda la película. Lo mismo no se puede decir de Philip Seymour Hoffman, que tal vez merecía más espacio. Decididamente infrautilizado y malgastado, casi invisible (su participación es, probablemente, sólo un agradecimiento al director Bennett Miller, que le ha regalado el Oscar por Truman Capote hace algunos años).

La historia de la hazaña deportiva de un equipo de baseball se convierte en el pretexto para poner en escena la humanidad herida, que persigue la victoria, esperando (im) pacientemente que llegue de una vez por todas y que si es posible también llegue a sus "absurdas" condiciones. Miller relata todo este magma de sentimientos con una sequedad inusual para las películas de temática deportiva, en las que estamos acostumbrados ver al ganador del momento imponerse sobre el clásico rival, en un catártico triunfo final de buenos sentimientos, aquí hace falta la deflagración, el canónico final feliz (que la historia verdadera en realidad no nos ha regalado).

"Moneyball", se las arregla para dejar pegados a la pantalla todos los espectadores durante130 minutos, incluso aquellos que no entienden nada de baseball (quien escribe admite su completa ignorancia sobre el tema). Basta citar la escena del último día de mercado, con Pitt y Hill haciendo malabares entre varias llamadas telefónicas con otros equipos adversarios para apoderarse de los últimos jugadores disponibles. Es de reconocer, absolutamente, la grande habilidad de Steven Zaillian y Aaron Sorkin, en la construcción de los diálogos maravillosamente realistas, cinematográficos y sumamente divertidos.

Principalmente Aaron Sorkin que va más allá, porque a parte de escribir nuevamente un brillante guión, y esto es evidente, el guionista estadounidense consigue manifestar entre una estadística, una jugada y una pelea toda la humanidad de su protagonista. Un hombre que realiza una parábola propia, en un desafío "imposible" contra todo y todos, contra un sistema rígido y obtuso que no ve más allá de sus propios criterios. Todo dentro de una visión "romántica" del baseball. Y tal vez incluso de la vida misma, como lo demuestra el final, didascalias incluidas...

La película no conoce puntos fijos, a menudo se tiene la sensación de que es suficiente inclinar diferentemente la mirada, o soplar sobre la superficie de la imagen, para cambiar la gradación de color, y ver la certeza calar en la duda, o el énfasis retórico girar hacia el gustode la parodia. Bennett Miller nos regala un refinado ejercicio direccional, que reproduce, con grande sensibilidad psicológica, la vacilación que caracterizan nuestras relaciones con todo aquello que no sabemos decidir si es verdadero, correcto e importante, y, sobre todo, en qué medida debe ser parte de nuestra alma y de nuestra vida.

Valoración : 7.5/10

En dos palabras : "Moneyball" es una película sólida, que evita el riesgo mayor de las películas de deportes, el de ser sectario, y da la bienvenida a las posibilidades del género, hablar de deporte para hablar principalmente de otra cosa, tratando también de apuntar un poco más alto, a la posibilidad de cambio y a la importancia de la apertura mental en un sector tan cerrado como este. Favorecida por un ritmo rápido, un dúo de actores extremadamente convincente y sobre todo por el excelente guión de Aaroon Sorkin & co., que después de "The Social Network" realiza una vez más un pequeño milagro. Absolutamente recomendable.

Película del día...

2011-11-25T01:45:00.001+01:00

Arrietty - Hiromasa Yonebayashi, 2010

Antes de que la tecnología invadiera el mundo del cine, la animación parecía la única forma de construir mundos llenos de fantasía y escenarios de ensueño, capaz de transmitir emociones contando historias totalmente fuera de la realidad. Los años han pasado y ahora todo lo que es imaginable es absolutamente realizable, pero la animación sigue siendo un género aparte, rico de un encanto propio sumamenente característico.

Será por la manera de trabajar de sus autores, por el impacto visual un poco más suavizado a la realidad o por aquel vínculo con la infancia que cada uno de nosostros sigue salvaguardando, algunas historias parecen obtener un mayor valor si son narradas de esta manera. Maestros en este lenguaje poético, hecho de trazos finos y pinceladas en movimiento, son los animadores del célebre Studio Ghibli. Los personajes nacidos dentro de las paredes del estudio japonés son iconos de culto para muchos aficionados: compañeros de viaje tiernos y diligentes que con sus aventuras se proponen de encantar y de educar a los espectadores.

Para su debut en la dirección el japonés Hiromasa Yonebayashi, después de un largo aprendizaje en el Studio Ghibli, bajo el auspicio del maestro Hayao Miyazaki, elige de adaptar el famoso "The Borrowers" de Mary Norton. Inútil decir que Yonebayashi ha indudablemente absorbido, gracias a una especie de ósmosis artística y un notable talento y sensibilidad, el toque fabulístico del mentor Miyazaki, que para la ópera prima de su pupilo se ha encargado personalmente de adaptar el guión que mantiene el estilo inconfundible que ha hecho del Studio Ghibli una garantía.

La historia es aquella de Sho, un niño que padece una grave enfermedad de corazón y transcurre el verano en casa de su abuela, a la espera de una operación que podría salvarle o condenarle. Pronto descubre que debajo la casa campestre, en una pequeña casa, vive una familia de gente pequeña: padre, madre e hija. Los tres forman parte de la estirpe de los "Borrowers", es decir aquellos que piden prestado; estas criaturitas se apropian de algunos objetos pequeños de la casa de los humanos, durante la noche. Existe sólo una regla: no ser descubiertos. Y cuando Sho se hace amigo de Arrietty,, sus padres deciden que es hora de un cambiamento, marcharse lo antes posible...

La vida de la pequeña familia que vive debajo el piso de la casa es contada con una exquisita minuciosidad de detalles, haciendo pausa en la narración, exactamente en la manera de interactuar de la pequeña protagonista con el mundo a su alrededor, tan inmensamente nuevo para ella. Es a través de sus ojos brillantes, grandes y llenos de luz, que podemos ver el jardín vibrar de colores y conocer a los seres humanos, tan diferentes entre ellos en las actitudes, como en los colores. Arrietty se convierte en el termómetro emocional de toda la historia, que alcanza su pico máximo de emoción cuando su amistad con el joven Sho pone (inconscientemente) en peligro su propia existencia. A incrementar esta sensación de encontrarse en un mundo paralelo, tan semejante como el mundo moderno, contribuye la banda sonora, a cargo de la cantante y músico bretón Cécile Corbel que ha interpretado el tema principal de la película en japonés, inglés y francés.

El concepto evidente de Miyazaki, en contraste con el consumismo desenfrenado, es propio esto: una convivencia posible entre las personas que se prestan las cosas, pudiendo también cambiar creativamente el uso. Con la amistad entre la pequeña Arrietty y Sho, se desea promover la idea de una posible convivencia entre las personas que respetan la diversidad de los demás, una oleada de optimismo en un momento como este, cargado de tensiones sociales que a menudo llevan a la falta de comunicación. Como es habitual el Studio Ghibli propone películas que van más allá de las imágenes, tocando el corazón y estimulando la reflexión.

El desarrollo recuerdo el de "My Neighbor Totoro", una de las obra maestras de Miyazaki (Totoro de hecho se ha convertido en el símbolo del estudio). Yonebayashi mantiene el sentido de descubrimiento de un mundo fantástico que se creía inexistente o extinguido, bastan sólo algunos pocos toques de dirección y líneas cortas de diálogo para calentar el corazón. Es evidente que, si "Totoro" es el punto de referencia, está bastante lejos de ser alcanzado. Sin embargo, los espléndidos diseños, los colores, y las animaciones son suficientes para conquistar y mantener pegados a la silla grandes y pequeños. Ghibli y Miyazaki, por lo tanto, no traicionan una vez más, demostrando que, en la era digital, la tradición puede dar, todavía, tantísimo.

Valoración : 7.5/10

En dos palabras : "Arrietty" es una película que encaja perfectamente en la tradición de películas del Studio Ghibli, acentuando los rasgos tradicionales. A través de una historia tierna y conmovedora, que relata a los espectadores (sin importar la edad que tengan), algo más profundo y social, y no por esto aburrirlos con la idea de estar frente a algo puramente educativo. Los colores, la música y los movimientos se mezclan a la perfección, creando un espectáculo agradable a múltiples niveles y del cual es imposible no enamorarse.

Película del día...

2011-11-21T18:30:00.002+01:00

Midnight In Paris - Woody Allen , 2011

Woody Allen está envejeciendo, y lo sabe. Como todos los grandes autores y directores que se respeten, es inevitable que en algún momento el deseo de llegar a una conclusión de una larga y agotadora existencia se convierta en una necesidad prácticamente necesaria. Y en este sentido, Allen ha comenzado desde hace tiempo un viaje suyo personal, como lo demuestra en "You Will Meet A Tall Dark Stranger" por ejemplo, que afrontaba en el tema principal la posibilidad de poder vivir una vida de constante serenidad proponiendo como solución final un remedio cuestionable y subjetivo.

Son los pensamientos y las teorías de un hombre, consciente de estar cerca del ocaso y que no por coincidencia en los últimos años ha aumentado la voluntad de viajar, separándose regularmente de la adorada New York y yendo a tocar muchos de los destinos más importantes de Europa. Así que, después del largo paréntesis londinense y el breve paseo por Barcelona, ahora llega el momento de aterrizar en París. Para un amante de la magia, no podía haber lugar mejor para ambientar una historia mágica y romántica como la de "Midnight in Paris" y en este sentido la película, además de ser un homenaje explícito a la ciudad romántica por excelencia, parece ser principalmente un verdadero y propio homenaje que el director neoyorquino ha querido hacer a sí mismo.

Y entonces no es por casualidad si la parte más fantástica e implicante de la historia sólo puede desarrollarse en el medio de la noche, único momento en donde Gil (Owen Wilson), un ex guionista de Hollywood en busca de inspiración para su primera novela, tiene la oportunidad (encontrandose en una determinada calle de París y en un punto preciso cada noche a medianoche exacta) de subir en un antiguo peugeot, que regularmente lo llevará al pasado, exactamente a los maravillosos años 20. Todas las películas de Woody Allen esconden referencias culturales, perceptibles sólo después de una escrupulosa visión, en esta ocasión el director decide de hacerlas evidentes al espectador, creando una historia basada en parte en la investigación histórica de la vida parisina de los años 20, mostrandonos de las reelaboraciones bastante caricaturescas e irónicas de algunos maestros de la escritura y de la pintura del pasado.

Gil se encuentra, de esta manera, a dialogar con estos grandes artistas, residentes en París: Scott y Zelda Fitzgerald, que expresan sus problemas conyugales, Ernest Hemingway, que ofrece a Gil algunos consejos sobre el tema de la escritura, tales como el concederse tiempo para escribir, independientemente de su estado sentimental, Pablo Picasso, a cuya vida privada precede el interés por sus obras, Salvador Dalí, quien no se sorprende cuando Gil le confiesa que viene del futuro, Gertrude Stein, una mujer respetable, con un grande ojo artístico, Luis Buñuel, al que Gil sugiere la trama del "El ángel Exterminador", Toulouse-Lautrec, ocupado en retratar a sus famosas bailarinas del Moulin Rouge.

Un componente interesante, afrontado en casi todas las películas de Woody Allen, es la futilidad y la intangibilidad del amor, esta temática ha sido desarrollada en las películas de los años setenta, como la célebre "Annie Hall", y tomada recientemente, por ejemplo en "Whatever Works". El protagonista de "Midnight in Paris" se debate entre el amor por su novia y por el de la fascinante Adriana, conocida en el salto en el pasado e interpretada por una espléndida Marion Cotillard. Inez (Rachel McAdams), la novia de Gil, pertenece a una clase social alta, actualmente utilizada a menudo en las películas de Woody Allen : Los protagonistas de "Match Point" y "Scoop", preferiblemente que las dos turistas de "Vicky Cristina Barcelona", son ricos aristócratas, a quienes les gusta disfrutar del lujo y la opulencia.

La identificación de Allen con los principales personajes de sus películas es una búsqueda que últimamente siempre debe ser realizada y que a menudo puede resultar involuntaria. Después de haber abandonado la escena hace algunos años, queda claro que la única manera de mantenerse en contacto con sus historias, Woody Allen la ha encontrado transfiriendo su personalidad al interior de los personajes. Por lo tanto, como lo fue para Larry David en "Whatever Works" esta vez le toca a Owen Wilson hacer de espejo. El actor, por muchos de los rasgos caracteriales de su personaje, encarna a la perfección la viva imagen de su director. La figura de Gil hombre, en todas sus facetas (convencido de vivir en una época a él distante, siempre en busca de un cambio radical, lleno de inseguridades, aparentemente superficial, con tendencia a caer en el enamoramiento, romántico, irónico y por último guionista apreciado, pero cansado de la política Hollywoodiana), es una carga completa de todas las referencias que pueden referirse a una sóla y única persona.

En una traducción típica de la obras de Allen, las dimensiones del sueño y de la vida terminan por confundirse entre ellas, pero no confunden al espectador en lo absoluto, tan grande es la capacidad del director de transbordarnos, sin extraviarnos, de una a la otra orilla del cine. Con extrema naturaleza, como en "Zelig", la película cambia constantemente su apariencia sin perder la fisonomía ligera y de ensueño. Nostálgica sobre todo, de aquella nostalgia entendida como un escape de la posibilidad de aceptar el propio tiempo. No hay remedio, pero los paliativos del arte y las sorpresas del caso, juegan (como siempre) un papel fundamental en la historia.

El caso y la magia son las armas de un cine madurado, capaz de desactivar la tragedia de la vida con medios distintos de aquellos de la acostumbrada ironía apocalíptica. El guión juega con las paradojas, pero no pierde credibilidad. Y la seriedad sin gravedad de Allen se casa a la perfección con la rêverie francesa. Por no hablar de cómo se las arregla con un par de diálogos y aún menos artificios a restituirnos una época - los años 20, después la Belle Époque - y un espacio - la Ville Lumière - como si fueran desde siempre las coordenadas internas de su cine, y no cuerpos extraños de integrar.

El aspecto realmente novedoso de su senil maestría - por un lado todavía contrariada, umbilical, magnífica y verbalmente incontinente: en breve construidoa alrededor de sí mismo - es esta extraordinaria rítmica interior de su cine, capaz de adaptarse fácilmente a espacios y tiempos que no le pertenecen, enriqueciéndose, colorandose y mutandose constantemente. Incluso hay una moraleja en todo esto la perfección no es de este mundo, pero saber adaptarse a los imprevistos cotidianos puede reservar bellas sorpresas. Tal vez nos ayude a descubrir, de una manera paradójica e inconsciente, que aquella "edad de oro" que habíamos estado buscando quién sabe dónde, siempre había estado allí, cerca de nosotros. El cine de Woody Allen ciertamente ha encontrado la suya, y esto es más que evidente.

Valoración : 8.5/10

En dos palabras : Woody Allen presenta al público una película mágica y cínica, que no olvida de acentuar que la vida no es casi siempre satisfactoria: el hombre mira con nostalgia hacia el pasado y no se preocupa de construir un futuro mejor, porque el "pasado" es visto como una época insuperable. El director trata de inspirar a los artistas de hoy en día, señalando que el arte es el resultado de una investigación contínua. La filosofía alleniana, se acerca finalmentea una conclusión, capaz de aliviar (parcialmente) el espíritu inquieto del director. Ampliamente recomendable.

Película del día...

2011-11-18T01:15:00.003+01:00

Faust - Alexander Sokurov , 2011

El personaje de Faust es uno de los más importantes y quizás el más conocido de la cultura alemana. Libremente inspirada en el "Faust" de Goethe, escrita y dirigida por el director ruso Alexander Sokurov con la intención de llevar a pleno florecimiento aquello que entre las páginas del escritor alemán germinaba, la homónima película lleva a cumplimiento la tetralogía dedicada al poder que ya había visto a Hitler ("Moloch"), Lenin ("Taurus") e Hirohito ("The Sun") como protagonistas de las tres películas anteriores..

Después de tres personajes históricos, todas encarnaciones enfermas de una idea de poder que en diferentes declinaciones se derrumba sobre sí misma, esta vez el grande maestro ruso nos presenta a un personaje mítico-literario que en manera arquetípica recolecciona las características esenciales de los personajes ya mencionados, representando además una figura humana ideal y simbólica al mismo tiempo. El material no es absolutamente simple y la tarea podría resultar pretenciosa.

La confrontación con una historia tan conocida puede ser obra solamente de un loco, un megalómano o un genio. Probablemente Sokurov es las tres cosas al mismo tiempo (ya el plano secuencia largo una hora y media llamado "Russina Ark" nos podría haber hecho sospechar algo) en la increíble dedicación al cine que siempre lleva a sus extremas consecuencias. Es siempre difícil para un autor cinematográfico coger un texto literario y adaptarlo a la pantalla grande, de hecho es una operación que no siempre se consigue, y si se hace es bastante probable que no sea perfecta, pero definir una simple adaptación aquella de Alexander Sokurov, es un eufemismo. "Faust" es mucho más.

"Faust" es ante todo una historia humana (demasiado humana), de un hombre y de una entera humanidad que el director entierra debajo de una fotografía verde, de un verde putrefacto, fangoso, repugnante que condena de inmediato a sus protagonistas a ser cadáveres, cuerpos en descomposición de los cuales el olor es casi perceptible. Los hombres "ya muertos" en su destino de muerte se están cuestionando sobre el después, el más allá, sobre el alma y Dios, sobre el principio de todo que al final es la misma cosa.

El director ruso da vida especialmente a un personaje, "El Personaje" donde cualquier hombre puede identificarse: sus deseos, sus pasiones, su curiosidades son una parte integrante de la controvertida naturaleza humana, lo que le sucede a Faust es lo que puede suceder a cualquier ser humano. Tantas personas desearían llegar a un acuerdo con el diablo para conseguir lo que quieren: poder, conocimiento y amor. ¿Quién no daría su alma por todo esto?. A pesar de haber dado la suya, Faust quiere más y más: su condición de continuó equivocarse, porque más allá siempre hay otra cosa, le empuja a dejar de lado incluso al diablo y a reírse en su cara.

Toda la película está estructurada como si el protagonista se estuviera enfrentando a una larga e infinita peregrinación, en donde es acompañado por la figura dramáticamente graciosa del usurero, es decir Mephistopheles, quien le tienta a lo largo del camino, instigandolo a los más diversos apetitos. Entre ellos el de la bella Gretchen, figura femenina bucólica, por la que Faust prueba mucho más que un simple deseo carnal: el deseo de poseerla por completo, y para poder hacerlo, se dirige al ángel caído. Pero incluso cuando la obtiene, no disfruta de ella. Y termina abandonando a su "acompañante"; para aventurarse a lugares desconocidos.

Manteniendo el uso del alemán, Sokurov ha querido hacer justicia a la obra de Goethe, cuya escritura era particular, clara, directa y ruda, valores que el director ha deseado transmitir en su película, dejando que los personajes se expresasen en alemán. La elección de la ambientación también ha sido determinante: los personajes son completamente rodeados de la naturaleza, por bosques, montañas, glaciares, que se convierten indiscutiblemente en una parte activa del drama de "Faust". Sokurov dirige un cuento, de manera impecable : iniciando de la interesante y más que justa elección de rodar en 4:3, de modo de hacer de cada secuencia lo más parecido a un cuadro y obtener el mismo efecto de sus obras anteriores. La fotografía de Bruno Delbonnel realmente hace milagros y nos regala los más bellos colores vistos en el cine últimamente.

"Faust" es una película que pide a sus espectadores algo a cambio. Una posible clave para cerrar una brecha, que provoca cierta preocupación - y donde puedes encontrar muchas otras: la belleza de la película radica también en su capacidad de ser algo completamente diferente para cada uno, incluyendo la posibilidad de que para alguien sea sólo una película terriblemente aburrida - lo propone el mismo Sokurov al comienzo de la película, con una espectacular e inquietante escena de manera concisa y no profundizada, situando su conocida historia en un ambiente lejos de ser realista, alienante, onírico: la experiencia inconsciente incluso antes que racional, es quizás la forma más fácil de lidiar con la película y sus personajes que prometen ser dueños de su propio destino.

La atmósfera surrealista y claustrofóbica de la película se ve acentuada por las ideas visionarias que se introducen dentro de la historia (el éxtasis cegador de Faust en la contemplación de la belleza de Gretchen), pero sobre todo por los virtuosismos habituales de la dirección de Sokurov, el modo estéticamente refinado con el que el director representa la fealdad y el horror del mundo: Cada plano posee un estilo pictórico, cada elemento del cuadro está cuidadosamente estudiado, la imagen hace un uso extensivo de filtros que le dan de vez en cuando, tonalidades diferentes (siendo el verde el color dominante), mientras las lentes deformantes conceden un tono onírico y de pesadilla a la narración.

Un tono que se expresa también a través de los diálogos, crípticos y continuos, a menudo difíciles de seguir porque deliberadamente superpuestos uno encima del otro, casi a querrer hiperrealistamente señalar el caos y la falta de puntos de referencia que reinan en el mundo de Faust. El resultado es una obra compleja y hermética, a veces inquietante, llena de sugestiones visuales y auditivas (la banda sonora está compuesta por Andrey Sigle), literarias y filosóficas, y en donde encuentra completa expresión la poética del director ruso.

Hay un universo de sentimientos en cada momento de "Faust", una cantidad de invenciones visivas diseñadas para catalizar un último sentimiento de corrupción y pasión, que son capaces de generar un placer desagradable y fascinante al mismo tiempo. El resultado es más que nunca excepcional, por fuerza visual y conceptual, aunque sí es innegable que esta es una de esas películas que requiere la máxima atención del espectador para evitar el riesgo de caer en la trampa (fácil) de aburrimiento (como ya dicho). Con "Faust", Sokurov ha regresado al cine intelectual que satisface la mente, con rigor y claridad. El cine, por otra parte, no tiene la obligación de ser apreciado por todos de igual manera. Obra maestra.

Valoración : 10/10

En dos palabras : Sokurov firma una obra de extraordinario poder narrativo, adapta sólo a un público que realmente desea dejarse llevar por ella. "Faust" no es una película para todos, requiere un mínimo de conocimiento de la historia antes de entrar en sala (basta la trama de Wikipedia) y de un amor por el significado transmitido por las sorprendentes imágenes. Existen obras de arte de una belleza desarmante que parecen ser el resultado de un pacto firmado con el diablo, "Faust" de Sokurov es indudablemente una de estas.

Película del día...

2011-11-14T22:55:00.004+01:00

Warrior - Gavin O’Connor , 2011

Los guerreros en el cartel de la película son Tommy y Brendan Conlon, dos hermanos que no se hablan desde hace mucho tiempo, y que se encuentran inscritos en la misma competencia de artes marciales mixtas (MMA) para tratar de ganar los cinco millones de dólares en juego. Brendan (Joel Edgerton) es un ex-luchador convertido en profesor de física en un instituto, regresa al ring con el intento desesperado de salvar a su familia de la ruina financiera, mientras que Tommy (Tom Hardy) es un ex infante de marina atormentado por un trágico pasado, ex-prodigio de la lucha, que regresa a casa después de catorce años. Tommy necesita una "resurrección", y le pide a su padre Paddy Conlon (Nick Nolte), hombre violento y ex-alcohólico, de entrenarle para participar a "Sparta", la competencia más grande de la historia de las artes marciales...

"Warrior"; toma unos segundos para mostrarnos su luz epifánica. En ese coche que vemos deambulando lentamente en la oscuridad, la radio alude a una ballena blanca. Detalle de ninguna manera irrelevante en una historia poderosa y solemne, que no duda en evocar las proféticas y bíblicas palabras de Herman Melville y de su "Moby Dick". El capitán Ahab de la América contemporánea se llama Paddy Conlon. Paddy no tiene sed de venganza, pero al igual que el personaje de Melville está en busca de su ballena blanca personal, la redención, la única salvación capaz de liberarlo de los demonios de un pasado que ha llevado a la ruina su familia.

La película de O'Connor pega más fuerte de lo que uno se puede esperar, golpe sobre golpe, hasta drogarte de dolor. Y el dolor es en realidad el único lenguaje comprensible de dos hermanos con problemas y un padre que cojea en el camino hacia la redención, que no consiguen reconciliarse. Tres individuos que, acorralados por la vida, deciden luchar contra la adversidad de la manera que mejor saben hacer, porque para ellos las simples palabras expresan poco y sobre todo mal, mientras aquello que se grita en la "jaula", claustrofóbica y animalesca contraparte del clásico ring, cuando se está al borde de la victoria o la derrota, llega en forma directa y permanece para siempre, sin malentendidos.

Raramente en este género se ha visto una violencia tan lírica, tan reveladora. "Warrior" responde en cierta forma al cine de artes marciales de hace más de dos décadas (el torneo eliminatorio recuerda "Bloodsport" con Van Damme), esencial, dedicado principalmente al físico y al poder visual de los combates (resulta casi pleonástico subrayar la influencia de "Rocky", a tal efecto). Pero la verdadera victoria del director está en la maestría con la cual ha sido capaz de evitar los estándares del cliché.

Imposible no dejarse llevar por los encuentros cargados de adrenalina, por la pasión de una historia que tiene muchos matices, pero que es narrada con precisión y encantadora esencialidad, a pesar de una duración de más de dos horas, pasando por los problemas financieros de una familia en crisis que quiere garantizar un futuro mejor para sus hijos, a la guerra en Irak y a la alienación que se mezcla con el dolor en la vida de los soldados, el deseo de redención de un hombre que lucha por mantenerse en pie y por no ser abrumado de la inexorable realidad. Al igual que en "The Wrestler", la carne destrozada no hace más que reflejar el estado de ánimo de cada uno y remarcar las vidas devastadas por la propia fragilidad.

O'Connor da rienda suelta a una dirección ecléctica que alterna el uso de una vibrante cámara al hombro para enfocar las movimentadas secuencias de vida privada y las espectaculares escenas aerodinámicas (los detalles quirúrgicos de los combates). El eclecticismo se convierte en puro virtuosismo, cuando en tres minutos de split screen múltiple las historias paralelas que intervienen para desarrollar la trama de la película se condensan en la víspera de "Sparta". Y si la dirección es digna de aplausos, el elenco es simplemente extraordinario.

De destacar sobre los demás la profunda interpretación de Tom Hardy, su Tommy es una concentración de resentimiento y puños, sombrío, reducido casi a un estado animalesco, un personaje que entra por la puerta grande en la historia del cine. Irrascibile y peligroso, pero sin embargo, capaz de altruismo y dulzura, violento y letal en el ring, pero también heroico, su mirada glacial y perdida en el vacío no se olvida fácilmente: Tommy hace de "Warrior" una película excepcional. La prueba de Joel Edgerton es sólo en apariencia más simple: Brendan es un personaje positivo, más derivativo y es sin duda alguna en el arco narrativo poco probable, que Edgerton consigue ser creíble y coherente.

Nick Nolte es simplemente perfecto: arrepentido, apenado, abandonado, físicamente amenazador a pesar de su edad: el pasado violento de Paddy está tallado en su rostro y en su complexión, no hay necesidad de flashback o de indulgencias narrativas. La vida que Brendan y Tommy han tenido que afrontar con Paddy se encuentra toda en la interpretación de Nolte, como un rastro, como una sombra que el grandísimo actor consigue conferir al personaje estupendamente.

Las secuencias de acción varían según sea necesario, pescando todas las técnicas más espectaculares del repertorio "MMA" (patadas, puños, presas...). Para todos aquellos que esperan coreografías atléticas exageradas, corren el riesgo de quedar decepcionados porque O'Connor se centra principalmente en el realismo. En cualquier caso, ni siquiera es necesario conocer los matices de todas las reglas del concurso para poder apreciar la película. Lo que más sorprende de la obra del director estadounidense es el deseo del espectador de ver triunfar a ambos, en un duelo sin restricciones y que posee en la epicidad su componente más importante.

"Warrior"; recuerda un poco a la reciente y similar "The Fighter", sobre todo con respecto a las extraordinarias performances y al contexto fraternal en el ámbito de los combates. O'Connor se las arregla para transmitir un completamiento y una cuadratura que David O. Russell fue incapaz de encontrar a la perfección. Desde el título de apertura (visualizado a caracteres exponenciales, como si pretendiese aplastar la pantalla y mostrar su grandeza) a la sobriedad con la cual la película avanza hacia su objetivo final, que es el de noquear al espectador, absorto e impasible frente a los momentos catárticos que redimen las vidas de cada uno. Esperando que todo esto, no desencadene una fiebre de "MMA" como efecto colateral indeseado de una sorprendente revelación cinematográfica.

Valoración : 8.5/10

En dos palbras : En los últimos años, pocas películas habían conseguido llevar el lirismo sobre el ring: de todas, "Million Dollar Baby" de Clint Eastwood y la conmovedora "The Wrestler"de Darren Aronofsky. Ahora, en la lista de obras maestras del género, merece un lugar en las primeras posiciones, la última película de Gavin O'Connor. "Warrior", por la fuerza bruta que imprime en cada fotogramma, por ese raro conjunto de opciones perfectas en el casting, de madurez en el guión, de originalidad en el estilo y por esas opciones adivinadas en la producción (una sobre todas la decadente Atlantic City en lugar de Las Vegas como lugar para el torneo) : es sin lugar a dudas uno de los estrenos del año.

Tres pequeñas reseñas...

2011-11-12T17:35:00.004+01:00

Submarine - Richard Ayoade , 2010

Si algún espectador de evidente curiosidad ha conseguido ver la serie británica de culto "The IT Crowd" (2006-2010), entonces conoce el nombre de Richard Ayoade y sus extraordinarias dotes de actor cómico. Y por esta razón resulta comprensible, como no se podía no esperar con ansias "Submarine", su debut cinematográfico presentado con éxito en el último Festival de Cine de Berlín. Hábil en fingir que el romanticismo ha dejado de formar parte del mundo contemporáneo de los adolescentes, Ayoade se basa enteramente en la narración, dividida en capítulos, y un uso decididamente poco convencional y sumamente personal de la cámara, para sorprender y divertir al espectador de una manera muy inquietante.

La historia en su totalidad no ofrece nada particularmente original, a sorprender principalmente en "Submarine" es la increíble habilidad con la cual el director inglés cuenta una historia "normalísima" dosificando magistralmente clasicismo e innovación, cinismo y ternura, ironía y drama. Richard Ayoade en el contar la historia de Oliver Tate (Craig Roberts), quinceañero que "espia" a sí mismo y a los demás por detrás del cristal de su acuario y trata de escapar de la cotidiana mediocridad de la adolescencia (la marginación social, la intimidación, el primer amor, la primera vez, la separación de los padres, el miedo de la muerte) transformando su vida interior en una intensa historia cinematográfica, ha sido capaz de ir mucho más allá de cualquier expectativa posible, realizando un pequeño milagro. Crear una novela de formación sentimental increíblemente implicante y de una inteligencia asombrosa, una de las películas británicas más bellas y fascinantes de los últimos años.

Lo ha conseguido aprovechándose al máximo de la habilidad de sus dos protagonistas Craig Roberts y Paige Yasmin (pero también de aquellos más "adultos", destacando sobre los demás un fantástico Paddy Considine) e inventandose un estilo personal, a menudo grandilocuente y gráfico, entre cómics y cinefília, principalmente basado sobre un storyboard de gran precisión, y jugando siempre en el límite entre imaginación, alienación y una tangible, sonriente melancolía. Una verdadera joya, adornada por las bellísimas (en sí mismas, y también por como son capaces de comunicar con las imágenes y con la historia) canciones de Alex Turner de los "Arctic Monkeys". "Submarine" es una película simple y emocionante que nos pide sin demasiada vergüenza de enamorarnos de ella, y a la cual, francamente, no sabría cómo ni por qué decir que no.

En dos palabras : "Submarine" funciona extraordinariamente porque a su autor le gusta jugar con el mundo del cine. Se divierte con el montaje, con el sonido, con el uso de cámara lenta y consigue transformar totalmente los tumultuosos acontecimientos de todos los personajes en una especie de representación suburbana "very chic" y del gusto profundamente británico. Sublimemente fantástica!!!

Valoración : 9/10

Win Win - Thomas McCarthy , 2011

El actor, guionista y director Thomas McCarthy vuelve al cine tras la cámara después de la exitosa "The Visitor" (y el excelente trabajo realizado con el guión de "Up"), y lo hace con una nueva comedia. "Win Win", cuenta la historia de Mike Flaherty (Paul Giamatti), apático abogado de provincia y desafortunado entrenador de lucha libre de la escuela de una peque ciudad. El negocio va mal y el equipo que entrena peor aún. Para mantenerse a flote, Mike decide convertirse en el tutor de Leo Popar (Burt Young), un anciano cliente suyo, para poder cobrar una pensión mensual de 1500 dólares. Todo va bien hasta que un día aparece Kyle (Alex Shaffer), nieto del anciano que, escapandose de casa, ha llegado a la ciudad para conocer a su abuelo, que nunca ha visto por causa de una madre que en la vida ha tomado simpre decisiones equivocadas. El chico decide quedarse en la casa de Mike y, a pesar de ser un introvertido, resulta ser un muchacho gentil y generoso. Así como tambien un gran campeón de lucha libre...

La tercera película de McCarthy, no por casualidad presentada al "Sundance Film Festival", parece encajar en el género preciso del "dramedy" independiente americano - historia de provincia, personajes marginales y antiheroicos, pieza indie-rock fabulosa en los créditos finales ("The National", en este caso) - que evita, sin embargo, la mayoría de los clichés de las películas "deportivas"; centrandose principalmente en la relación entre los dos protagonistas : Paul Giamatti, excelente como de costumbre, se las arregla para infundir a su personaje la fragilidad y el temor de una mentira escapada de las manos, y el descubrimiento de la voluntad de hacer algo para volver a "sentirse" un ser humano. Y Alex Shaffer, descubrimiento interesante, que esquiva con maestría todos los estereotipos de su personaje, llevandolo sobre un carril decididamente más estimulante.

No hay necesidad de gastar muchas palabras en una película como ésta: "Win Win", es una comedia simplemente deliciosa. Muy bien escrita e interpretada por un estupendo reparto de actores. La comedia de McCarthy es de hecho capaz de suscitar de todo un poco: risas sanas, una gran empatía, una pizca de emoción y una gran participación emotiva durante toda la película. Una cinta que evita el patetismo con gran habilidad y consigue imponer con ligereza y estilo una historia cotidiana, pero irresistible de redención de sí mismo. ¿Edificante? Por qué no.

En dos palbras : Tercer trabajo independiente, y quizás el más logrado hasta el momento, para Thomas McCarthy, actor, director y guionista de talento. "Win Win", es una película fuera de lo común, divertida y jamás banal, enriquecida por un óptimo elenco bien mezclado, una grata sorpresa sin lugar a dudas recomendable.

Valoración : 7.5/10

Crazy, Stupid, Love. - Glenn Ficarra and John Requa , 2011

Y ¿Si una comedia romántica comenzase con un divorcio? Deben haber pensado en esto Glenn Ficarra y John Requa cuando han encargado el guión de "Crazy, Stupid, Love." ha Dan Fogelman. ¿Qué mejor manera de contar una historia de amor si no aquella de empezar del final y del correspondiente post-happy-ending?... Desesperado porque su esposa Emily (Julianne Moore) ha pedido el divorcio después de 25 años de "feliz" matrimonio, Cal Weaver (Steve Carell) pasa las noches en un bar tratando de ahogar sus penas en un vaso de vodka. De esta manera Cal conoce Jacob Palmer (Ryan Gosling), fascinante womanizer seguro de sí mismo, que decide de asumir la ingrata tarea de hacerle reencontrar la virilidad y el encanto perdido. Pero incluso las certezas de Jacob comenzarán a desmoronarse cuando encunetra en su camino Hannah (Emma Stone), un aspirante a abogado, que no queda impresionada de sus infalibles tácticas de seducción.

"Crazy, Stupid, Love" es un caso más único que raro: una comedia romántica coral (o casi) sobre las relaciones románticas y sobre el amor que no resulta de ninguna manera insípida, mecánica o empalagosa. Los méritos se divide en partes iguales entre el guión de Dan Fogelman (que viene de casa Disney: ha escrito "Cars" y "Tangled"), los directores que tienen el coraje de tomarse todo el tiempo disponible (la película dura dos horas exactas, y menudo va más allá de lo "estrictamente necesario"), y por último los actores, obviamente fundamentales para el éxito de la película, pero en este caso en un particular estado de gracia. Y si Julianne Moore es Julianne Moore, Analeigh Tipton es un descubrimiento maravilloso y Emma Stone una excelente confirmación, lo mejor lo dan ellos : Steve Carell y Ryan Gosling, una inesperada e increíble pareja cómica.

Ficarra y Requa han logrado este objetivo, en realidad, a través de un doble engaño: los dos directores, que con "I Love You Phillip Morris" ya habían demostrado de saber desenredar los engranajes de la comedia mediante la inserción de pequeñas descargas eléctricas y explosivas, realizan una vez más la vuelta alrededor de los clichés, y también alrededor de su "political incorrectness", para llegar a una solución que sea capaz de cerrar de manera impecable todos los paréntesis, sin renunciar a la humanidad y al corazón de sus personajes. Convirtirendose de hecho, en una tierna y divertida comedia romántica, y basta : no lo sé si el cine americano tenga la necesidad de ella, yo absolutamente si.

En dos palabras : "Crazy, Stupid, Love.", permanece en equilibrio entre ironía, ligereza, melancolía, diversión y una una racha de maldad que nunca se convierte en irreverencia fin en sí misma. El último trabajo del dúo Ficarra / Requa conduce alegremente al incrédulo espectador en ese tipo de comedia que en Hollywood últimamente habían olvidado por completo. Una comedia encantadora que merece un fuerte aplauso.

Valoración : 7.5/10

Película del día...

2011-11-10T19:05:00.002+01:00

The Adventures Of Tintin: The Secret Of The Unicorn - Steven Spielberg , 2011

No es difícil entender las motivaciones profundas que han llevado Steven Spielberg a apostar 85 millones dólares en una película que, aparentemente, podría parecer un salto en la oscuridad. Las aventuras, sobre el papel impreso, del joven reportero Tintin, iniciadas hace más de ochenta años, han sido una fuente de inspiración para las generaciones que han sufrido la Gran Depresión de 1929 y la tragedia de la Segunda Guerra Mundial.

Las líneas claras del belga Hergé (seudónimo de Georges Remi, creado mediante la inversión de las iniciales de su nombre, RG precisamente) han experimentado una expansión global que ha hecho conocer el mechón rojo de Tintin desde los Andes Peruanos a la Meseta Tibetana, más de 200 millones de copias vendidas y traducidas en 70 países. Los ingredientes que condimentan las aventuras de Tintin en sus hazañas, que lo han llevado incluso a la luna, son aquellas clásicas de las novelas de aventuras de su época y que Spielberg ha homenajeado con la increíble modernización de la saga de Indiana Jones.

Misterios relacionados con las antiguas tradiciones, trucos y trampas, enigmas para resolver, persecuciones en sidecar o biplanos, viajes aventurosos alrededor del mundo, son todos elementos que llevan la imaginación de Steven Spielberg a las vicisitudes de Mr. Jones. Spielberg regresa al cine de puro entretenimiento, capaz de dejar al espectador (de cualquier edad) con la boca abierta por el asombro y por la magia de la historia que es narrada a través de sus increíbles imágenes.

Tintin (Jamie Bell) es un reportero joven y curioso, que comparte su apartamento con su fiel amigo de cuatro patas, Milú. Fascinado por la maqueta de un barco, comprada por unos centavos en un mercado de París, se encontrará envuelto en una historia llena de secretos explosivos. El barco, de hecho, esconde un misterio de hace siglos que Tintin ciertamente no puede dejarse escapar. Lástima que en la pista del secreto del "Unicornio", este es el nombre de la embarcación, también se encuentra Ivan Ivanovich Sakharine (Daniel Craig), un villano diabólico convencido de que el joven reportero ha robado un tesoro de valor incalculable relacionado con la maldición de la familia Haddock y del temible pirata Red Rackham. La tempestividad y el ingenio decidirán el destino de esta aventura, que verá Tintin, acompañado por el incierto capitán Haddock (Andy Serkis), viajar al otro lado del mundo en una persecución impresionante para encontrar la clave para resolver el misterio del unicornio y salvar sus respectivas vidas.

Encontramos todo el genio de Spielberg en "The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn", pero se percibe también la presencia de Peter Jackson (productor), gracias a los esfuerzos de la "Weta Digital", una empresa fundada en 1993 para dar vida a las figuras fantásticas de "Heavenly Creatures". El secreto del unicornio proviene de una combinación de tres revistas de historietas ("The Crab With The Golden Claws", "The Secret Of The Unicorn" y "Red Rackham's Treasure"), publicadas entre 1942 y 1944. El primer elemento que llama la atención del espectador es el uso impresionante de la técnica de la Motion Capture, tecnología diseñada por el discípulo spielberguiano Robert Zemeckis y evolucionada a gracias a los esfuerzos de la Weta para la trilogía tolkeniana y el éxito de taquilla "King Kong". Pero el resultado es un evidente paso adelante, respecto a lo que se había logrado con sus predecesoras.

A pesar de que Spielberg se divierta en el construir secuencias brillantes, donde el punto de vista cambia constantemente a través de planos secuencia imposibles de realizar en el cine "live action", sorprende la atención y precision obsesiva por los detalles y (en particular) por el uso de la luz y del enfoque de cada plano. Una de las decisiones más importantes, que habría podido influenciar decisivamente todo lo que hubiese venido después, ha sido aquella de mantener el ambiente y la estructura de la historia sin hacer alusiones temporales, en una especie de eterno universo noir, con sombras oscuras brotando en cada esquina. En este contexto extemporáneo pero realista, se adaptan perfectamente los rasgos limpios del estilo de Hergé, verdadero punto de referencia para reconstrucción poligonal CGI de objetosy personajes.

Si bien el diseño de los personajes refleja fielmente la línea gráfica de la pluma de Hergé, la sensasión (táctil) que los cuerpos de los actores transfieren en sus respectivos personajes es simplemente extraordinaria, desde las texturas de las superficies a los movimientos de los músculos bajo la piel, desde los cabellos soplando en el viento a la percepción de que cada cuerpo tenga un peso real. Los personajes no se adhieren a las características físicas de los actores involucrados (como lo había hecho Robert Zemeckis en "The Polar Express" con Tom Hanks), pero se pueden reconocer por las posturas y por la proxémica de cada personaje (basta pensar en los detectives , Thomson and Thompson, interpretados por la pareja cómica Simon Pegg y Nick Frost).

Tintin no es un simple diseño generado por el ordenador, bajo todos esos píxeles, hay carne, sangre y un corazón que late, el de sus protagonistas. Es innegable que Jamie Bell, Daniel Craig y sobre todo Andy Serkis (su capitán Haddock es irresistible, especialmente por el acento escocés, la película va vista absolutamente en lengua original) han regalado a sus personajes una humanidad irrefrenable, que les hace inmediatamente cercanos a todo tipo de público, mostrando un uso de la performance capture funcional bajo diferentes puntos de vista.

El guión escrito por Steve Moffat, Joe Cornish y Edgar Wright (director de "Shaun Of The Dead" y "Scott Pilgrim vs. The World") es un torbellino de situaciones adrenalínicas y chistes ingeniosos (como en los cómics de Hergé), tal vez un poco demasiado calculado y, ciertamente no perfecto en términos cinematográficos, pero extremadamente eficaz para una película que da rienda suelta a la imaginación infantil de cada espectador durante casi dos horas, dejandolo literalmente sin aliento. La maravillosa música de John Williams y las escenografías se funden entre ellas y entre los emocionantes planos secuencia que se hacen aún más espléndido gracias a un 3D que pone en relieve la maestría técnica con la cual la película ha sido realizada. Maravillosos los créditos iniciales que, solos, son una razón más que válida para usar las gafas 3D durante toda la película.

Nada en "The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn" parece ser dejado al azar y el resultado final es agradablemente impresionante. Una explosión de colores y curvaturas que siguen un ritmo vibrante en pantalla, creando un caos visual fascinante que mantiene siempre alta la atención del espectador. Entretenida, moralista y llena de momentos robados a un thriller de otros tiempos, la película se presenta como una historia de acción a la Spielberg, y donde en algunos momentos es difícil no confundir mentalmente el incontrolable Tintin con el más antropológico Indiana Jones. La mezcla spielberguiana funciona en el mecanismo habitual de su cine: acción, aventura, espectáculo y una dosis extra de comedia, porque en su mundo se crece, se enfrentan los miedos, pero se permanece (afortunadamente) siempre niño.

Valoración : 8/10

En dos palabras : El "Tintin" de Steven Spielberg convence inmediatamente, incluso a aquellos espectadores menos abiertos a esta nueva operación cinematográfica : Necesitamos únicamente un puñado de segundos para aceptar u olvidar que la película ha sido realizada en Motion Capture. Cualquier duda que se pueda crear, es rápidamente eliminada: sí por un lado, la película rinde homenaje a las historietas de Hergé, por el otro este "nuevo" Tintin; tiene la frescura - y a veces la genialidad - de algunos largometrajes Pixar que han conquistado los corazones de los espectadores de medio mundo. Absolutamente recomedable.

Disco Fundamental...

2011-11-08T18:35:00.002+01:00

The River - Bruce Springsteen (1980)

Un doble álbum que selló una época memorable para el compositor de Freehold, Nueva Jersey, un resumen perfecto de lo que había expresado en trabajos anteriores (de "The Wild, The Innocent and The E-Street Shuffle" a "Darkness on the Edge of Town") y de aquello que inevitablemente surgiría en los sucesivos: la sensación de impotencia y derrota hacia la vida, el arrepentimiento frente un pasado que no se puede cambiar, pero a pesar de todo, a pesar de las heridas profundas excavadas en el fondo de "Nebraska", a pesar del miedo de la oscuridad que nos rodea, la esperanza puesta en la danza, en la capacidad de mantener encendida la luz de una pequeña cerrila con la cual poder soñar, aunque si nos encontramos entumecidos por el frío y a punto de soltar la presa.

Toda la poética de Bruce Springsteen aquí resumida cruza los surcos de "The River", obra atípica para la época, tan fuera de fecha en su rechazo de las influencias dark y electrónica-paranoide de cierta new wave, de permanecer firmemente enganchada a una concepción clásica del rock de no envejecer ni un solo día.

El apoyo que tiene el grande artista estadounidense es simplemente increíble, la "E-Street Band" es tal vez la máquina de rock más cohesionada e imbatible de todos los tiempos: Clarence Clemons al saxo, Steve Van Zandt a la guitarra, Roy Bittan al piano, Danny Federici al órgano, Max Weinberg en la batería y Garry Tallent al bajo cincelan maravillas, tanto en la potencia del rock más irreverente y poco convencional como en la melancolía de las baladas, consiguen estar todos sensasionales de la misma forma sin ningún tipo de virtuosismo individualista.

Diecinueve canciones inolvidables. Canciones que quedarán para siempre en mi ADN. "The River", para empezar, es una balada folk dolorosa, introducida por un intenso solo de armónica, que habla de la dureza de la vida, a través de la historia de dos chicos. Una historia de adolescentes que se conocen y se enamoran. Un embarazo a temprana edad, y el consecuente matrimonio forzado borran el romanticismo y la inocencia. Sólo un paseo por el río conserva los dulces recuerdos de la adolescencia. Pero la vida pasa como un tren de carga. Él pierde su trabajo y el amor se desvanece. Y solo junto al río el hombre recuerda el amor desvanecído. Una historia común, narrada magistralmente y con una melodía que quedará para siempre en el alma de quien ha tenido la suerte de escucharla.

Luego encontramos la grandiosa "Point Blank". Que nos habla sobre el resentimiento por el final de una historia de amor. Una de las baladas más bellas de Springsteen. Potente, densa, con una andadura suntuosa. Estupéndas y conmovedoras "Drive All Night" y "Wreck On The Highway", esta última sobre el sentido de la vida, descansando junto a la propia mujer, después de haber presenciado un accidente fatal. Hacen de contraste canciones que suelen ser más "típicamente" rock n’roll, brillantes y emocionantes como "Hungry Heart", escrito para The Ramones. "Out In The Street", sobre el trabajo y el deseo de escapar, "Cadillac Ranch", rock puro de gran impacto, un himno a los coches, a las carreras y a la diversión. "You Can Look" y "Ramrod" caballos de batalla live. Y "Two Hearts", rock positivo y solar.

Una mención especial merece "Indipendence Day". Se trata de un discurso que Springsteen hace a su padre. Como dice el título, describe el día de la partida del hijo. Es decir "la independencia" del padre. Un hijo que se convierte en un adulto y se preocupa por el padre anciano. Bruce elige las palabras de decir a su padre con una delicadeza absoluta. Un día triste y definitivo, aquellos que ya lo han experimentado pueden entender. Pero al final emerge el gran afecto que el cantautor tiene por el padre : "So say goodbye, it's Independence Day. Papa now I know the things you wanted that you could not say..."

El arte del rockero vagabundo estadounidense nos arrastra por más de ochenta minutos entre las ruinas de la periferia y entre aquello hombres que se encuentran de rodillas por el peso de la existencia y por el imposible futuro soñado. Después de más de treinta años, existe todavía una razón para envidiar a los que tendrán la oportunidad de abrir por primera vez este tesoro de maravillas y sentir el calor, la experiencia del éxtasis del poder de la imaginación, del cuerpo que se mueve libre y persuasivo, envuelto en la catarsis de la danza. Y conmoverse a la sombra de una esperanza que parece nunca llegar, ni siquiera en la oscuridad más espesa. Con "The River", Sprigsteen ha creado su obra maestra definitiva, y uno de los discos más hermosos de la historia del rock.

Tres espléndidas canciones sin tiempo :

The River

Drive All Night

Point blank

Película del día...

2011-11-07T17:45:00.004+01:00

Super - James Gunn , 2010

Hemos visto "Defendor"de Peter Stebbings, después ha tocado el turno de "Kick-Ass" de Matthew Vaughn, sin olvidarnos de "Special" con Michael Rapaport. ¿Cuántas películas con premisas similares puede salir a distancia de pocos años antes de que el argumento pueda ser considerado examinado desde todos los puntos de vista?. La última película de James Gunn, simpático y un poco loco director de una película de culto como "Slither", demuestra que cuando hay talento y visión no se debe tener en cuenta la saturación.

El argumento de "Super" es aparentemente conocido Frank, interpretado por un alucinado y perfecto Rainn Wilson, ha sufrido tantas payasadas y decepciones durante toda su vida, la última de ellas el abandono por parte de su esposa drogodependiente Liv Tyler en favor del "violento" traficante Kevin Bacon. A partir de ese momento la decisión de llevar un traje de superhéroe dura poco (poquísimo) : justo el tiempo de la enésima visión mística de su vida. La diferencia con las otras películas de este tipo de sub-género se encuentra en ese "pequeño" particular: ¿Qué sucede cuando a llevar puesto las mallas coloradas, ya no es un tiermo marginado y/o un individuo de las capacidades intelectivas reducidas, sino un personaje que más allá de las buenas intenciones es auténticamente desequilibrado?...

A pesar de que la película juegue desde los primeros minutos con los mecanismos del cine independiente, incluyendo los espléndidos títulos iniciales animados, es bastante evidente que Gunn quiere dar un paso más allá, o más bien a un lado, dejando el realismo tranquilizador de las comedias dramáticas sundancianas por un tono más encendido, feroz, casi surrealista : todo comienza con una alucinación que mezcla Hentai y delirios de posesión divina, y continúa con Frank que, al no tener un claro proyecto moral en su lucha contra la delincuencia, ante la duda comienza a destrozar cráneos con una llave inglesa, cualquiera que sea la culpa. Y si la película desde el principio es tan extraña, tanto así de volverse casi indigerible, es sumamente decisivo el encuentro con Libby (una graciosa y fenomenal Ellen Page), apasionada de cómics completamente desiquilibrada, aún más de Frank que encuentra excitante la idea de que alguien haya usado en serio un disfraz de "justiciero".

James Gunn usa intencionalmente un estilo sucio y realista, definitivamente es menos refinado de Vaughn, pero más inquietante en el esbozar a sus personajes que claramente cruzan la frontera de lo inestable descaradamente, Frank/Crimson Bolt y Libby/Boltie son dos vigilantes perturbados y fuera de control dignos de un "revenge-movie" de los años 70, aún más desiquilibrados de la pareja Big Daddy y Hit-Girl de la película de Vaughn que, a pesar de moverse siempre al límite, alardean una sed de venganza en donde se advierte una mínima impresión, aunque si distorsionada, de justicia, por no hablar del nerd de Dave Lizewski / Kick-Ass, prácticamente un Boy Scout alejado kilómetros de distancia de la locura sin retorno del personaje de Rainn Wilson.

"Super" es una cinta atrevidamente mordaz, donde el sarcasmo sigue el camino de un indefinible enloquecimiento de la fantasía, que incorpora tanto el ritmo moderado del drama, tanto el ritmo rápido y la cínica dureza del action movie. Con ese sentido del ridículo lavado en las aguas pútridas del splatter, es la cara miserable de la saga cruel de aquel que, buscando la paz, destruye a ciegas, ahogando sus penas en una orgía de sangre. Y es - aparte del final sorprendentemente poético - una "peliculílla" deliberadamente desagradable como la mediocridad de la vida, impregnada en el sabor metálico de las frustraciones sin remedio, una obra genuinamente perturbada, pero divertida (siempre y cuando tengáis el estómago adecuado), extremadamente violenta, y sin embargo dulce, radical y pop al mismo tiempo y por todas estas razones, simplemente imperdible.

Valoración : 8/10

En dos palabras : Dirigida y escrita por James Gunn, "Super" es una comedia negra irreverente y audaz, inquietante y esquizoide : a través de la parábola del hombre apacible e inepto que proyecta su super "yo" generarando un superhéroe psicópata, el cineasta estadounidense desenmascara la otra cara del sueño americano, aquella predadora y prevaricadora del mito del self-made man y realiza, casi sin darse cuenta, un verdadero "cult". Absolutamente recomendable.

Película del día...

2011-11-04T16:55:00.003+01:00

Like Crazy - Drake Doremus , 2011

Dos jóvenes estudiantes frecuentan la misma universidad en Los Angeles. Jacob, californiano, aspira a convertirse en un designer profesional, diseña muebles con facilidad y talento. Anna, londinense, es una prometedora escritora del alma intensa. Su confidencia inusual, no duda en transformarse rápidamente en emoción, en un vínculo que genera confianza recíproca día tras día. Anna y Jacob han nacido para estar juntos. Si no fuera por el visado y las estricta leyes estadounidenses que se cruzan en su camino, obligándolos a soportar tantos meses de distancia.

De esta manera, se sumergen tiernamente en una relación amorosa a larga distancia entre Los Ángeles y Londres, intercambiandose mensajes con la promesa de pasar las vacaciones juntos. Los días se hacen meses y las vacaciones ya no son una excusa entre jóvenes enamorados, sino la profunda esencia de su amor. Apelándose a la paciencia que parece cada vez más frágil, los dos tratan de olvidarse, sin éxito, porque aquello que ha nacido de ese encuentro increíble es algo inimaginable, por no decir enloquecedor...

Entre tantas películas románticas que distorsionan la realidad de los sentimientos, "Like Crazy" rechaza los compromisos volubles y las representaciones idílicas para poder contar con sinceridad una pequeña historia de amor profundamente personal (y en gran parte autobiográfica). La distancia y la imposibilidad de frecuentarse desagastan las relaciones de pareja, así como la erradicación y la exageración de las mismas. El de Anna y Jacob es un amor fluctuante hecho de lágrimas, de nostalgia, de arrepentimientos, de un costante tomarse y dejarse y de relaciones con otras personas. El deseo de permanecer juntos prevalece a pesar de todo, pero con el tiempo hasta un profundo vínculo, como el mostrado se convierte inevitablemente en una obligación.

Doremus no aborda directamente el amor, sino la historia con la cual se desarrolla, se desmantela, se arrepiente para después volver a unir las piezas, alejado de los cánones repetitivos y sin amalgamar estereotipos. Teje los hilos de los sentimientos, centrándose en los momentos tiernos, en los matices tan sutiles como universales de la unión a distancia. Confunde arrepentimiento, pasión y aquella enrarecida incertidumbre sobre el futuro típico de una relación (con adjuntas victimas sacrifícales). Es un análisis sobre la experiencia de dos personas que se aman, narrado con una sencillez auténtica y profundamente realista. Un retrato encantador con un carácter por un lado juvenil y envolviente, y por el otro evocador y naturalista.

El director estadounidense, en su deseo de centrarse en los problemas sentimentales derivados por las largas distancias y los recuerdos felices que parecen ser cada vez más incómodos, no inventa nada nuevo, solo hace uso de aquel toque decisivo y sumamente personal. Máquina en el hombro, fotografía cálida, largas secuencias con música y montadas con un ritmo frenético, intensos primeros planos, con ojos que hablan y sonrisas que dicen tanto, planos cerrados que sirven para poder investigar la intimidad de los amantes, primero felices, y luego destruidos, inciertos, esperanzosos, apoyando toda la película sobre la interpretación de dos actores sorprendentes. La química entre ambos es sencillamente asombrosa.

Anton Yelchin y la magnética Felicity Jones no parecen actuar, ellos simplemente llevan puestas las emociones de Anna y Jacob como una segunda piel. Felicity Jones, en particular, justamente premiada al "Sundance Film Festival" por su extraordinaria interpretación, es capaz de sostener la mirada de la cámara que la sigue en las diferentes etapas de la relación espíando las transformación de estudiante solar a melancólica trabajadora en una ciudad como Londres gris ydispersa. La actriz, así como su personaje, es el verdadero motor de la película y un primer plano suyo vale páginas y páginas de diálogos. De mencionar también la óptima prueba de una espléndida Jennifer Lawrence.

Drake Doremus tiene el mérito de esbozar la historia con sinceridad y frescura, mostrandonos con ojos nuevos un tema hiper-abusado como el primer amor. El director se las arregla para encontrar en su mirada y en sus intérpretes aquella autenticidad necesaria capaz de transmitir con un simple gesto, una mirada o una palabra aquella confusión de sentimientos que pertenecen a cada historia de amor. Y acierta cada escena capturando miradas y pensamientos sin equivocar un sonido, una luz, una sonrisa... Ecos de Nouvelle Vague sumegidos en óptimo cine "indie americano" hacen de sustancia a una película que, en su profundidad y su realismo, consigue ser original y eficaz al mismo tiempo y por esta razón sencillamente irresistible.

Valoración : 8/10

En dos palabras : La película del joven Drake Doremus aniquila las convenciones y todos los clichés hollywoodianos del género, llevando en pantalla una historia de amor juvenil compleja, turbulenta, y perennemente a merced de los acontecimientos. "Like Crazy" (junto a "Restless" de Gus Van Sant) es una de las películas más inspiradas y sublimes del género romántico vistas últimamente y confirma que cuando se puede alcanzar las cuerdas de la verdad a través de la emotividad, llegar al corazón del público con historias cotidianas es siempre posible. Ampliamente recomendable.

Película del día...

2011-11-03T02:00:00.002+01:00

My Week With Marilyn - Simon Curtis , 2011

En el verano de 1956, el joven Colin Clark está dispuesto a renunciar a un trabajo seguro, con tal de empezar a trabajar en el mundo del cine con los que son sus mitos de la gran pantalla, entre ellos Alfred Hitchcock y Laurence Olivier y conseguirá hacer realidad su sueño colaborando con el gran actor británico que se prepara a dirigir y protagonizar "The Prince And The Showgirl", un difícil (y con problemas, como descubriremos) intento de rejuvenecer su imagen al lado de una estrella como Marilyn Monroe.

Lo que Colin no puede imaginar es que esta "grande" oportunidad de trabajo, además de permitirle dar sus primeros pasos en el mundo del cine, le hará vivir una experiencia extraordinaria, no siempre fácil, pero sin lugar a dudas inolvidable. De tal modo que decidirá contarla en su libro (diario) autobiográfico, publicado sólo 40 años más tarde, convirtiendose en uno de los más importantes guionistas británicos...

Tratar de dar vida a una leyenda, a un mito del cine como Marilyn Monroe era (y lo sigue siendo) una tarea ardua, por no decir imposible. La mujer más famosa en el mundo, la estrella más celebrada, rica y buscada de Hollywood, el personaje más admirado y querido por los hombres del todo el planeta, con tres matrimonios en su pasado, con tan sólo 30 años de edad, y una carrera aparentemente imposible de hundir, pero con una vida atormentada que la devoraba día tras día, tanto así de llegar a apagarla poco a poco. ¿Un reto perdido desde un principio? Probablemente sí, pero Simon Curtis y Michelle Williams deciden de afrontar el destino diciendo "si" a "My Week With Marilyn", título intrigante que nos lleva a conocer la cara oculta de la diva que, aún hoy en día, cincuenta años después de su muerte, huele a leyenda.

La verdadera Marilyn, privada, aparentemente tonta, obsesionada con sus propias inseguridades interpretativas e incapacitada de aceptar las tantas adulaciones que cualquier persona que se encontraba a su alrededor le vomitaba encima. Para después dejarla vacía, en completa soledad. La Marilyn narcotizada día y noche por los hombres de su entourage, con el fin de conseguir "domesticarla", y especialmente, la Marilyn femme fatale, incapaz de frenar su sensualidad mortal, rompiendo corazones en sucesión.

Gracias a un óptimo guión, tan divertido como dramático en el mostrarnos la Marilyn Monroe desconocida ante los ojos de la mayoría, Adrian Hodges, responsable de la adaptación cinematográfica, ha sido capaz de realizar un manifiesto convincente de aquella Marilyn tantas veces narrada, y con demasiada frecuencia mantenida en silencio. Gracias a la prueba magnífica de todo el elenco, la película resiste a las dificultades de la imposible hazaña, yendo a impactar contra aquel rostro y aquel cuerpo que han marcado una época.

En primer lugar, se encuentra Michelle Williams, intérprete dramática de notable distinción que en el acercarse al personaje de Marilyn Monroe y en el intentar restituirla al público realiza un acto de rara inteligencia : no basa su interpretación en el estudio y en la reproducción de la mímica y de la corporeidad de la famosa actriz, prácticamente imposible de reproducir, sino que elige de contar la vida interior, contradictoria y frágil utilizando su indudable capacidad introspectiva. Trabajando sobre los timbres más adaptos a ella, la joven actriz, construye una figura humana y paradójica, encantadora y melindrosa, de la que es difícil no enamorarse. Al final tal vez sale afuera mayormente la habilidad de la intérprete, que la grandeza del personaje, pero para los propósitos de la afinidad con el personaje, la prueba de Michelle Williams es bastante lograda.

Junto a ella, Colin Clark es decir el joven y óptimo Eddie Redmayne, nueva promesa de la cinematografía británica.Mientras que en el papel del inmenso Laurence Olivier su "sucesor" Kenneth Branagh alterna momentos de grande introspección y otros en donde ostenta realmente demasiado. Entre los otros secundarios de lujo es de señalar la siempre perfecta Judi Dench como Sybil Thorndike, Dominic Cooper es Milton H. Greene, Julia Ormond es Vivien Leigh, Zoë Wanamaker es Paula Strasberg y por último una eficaz y cada vez más agradable Emma Watson como la asistente de vestuario, Lucy. Cabe decir que las interpretaciones son todas convincentes, aunque si aparte los personajes de Marilyn y Laurence Olivier, ningún personaje es profundizado de una forma realmente significativa.

Técnicamente intachable, ya sea en el vestuario, como en la cuidadosa fotografía de Ben Smithard (que da vida a los colores de aquellos años, completando la transformación de Michelle Williams en una diva sensual e infantil al mismo tiempo), aparte la música de Alexandre Desplat, utilizada demasiado y excesivamente invasiva en comparación con las imágenes. Con una dirección más segura, y una pizca de creatividad, los resultados probablemente habrían sido diferentes, pero la historia sigue siendo fascinante como incursión en el mundo del cine de aquellos años - sobre todo en la vida de una estrella como Marilyn, y consigue equilibrar los momentos de frivolidad con aquellos más dramáticos, sin caídas excesivas.

No me queda má que decir que "My Week With Marilyn", posee el mérito particular de devolver la luz a una estrella desaparecida hace medio siglo, pero aún hoy en día prepotentemente entre nosotros. Por qué es simplemente inolvidable y absolutamente inimitable. Y esto Hoollywood lo debe tener siempre presente.

Valoración : 6.5/10

En dos palabras : Escrito con fluidez y una buena capacidad de entrar en el alma de los personajes, la ópera prima de Simon Curtis sufre un poco por la falta de inventiva por parte del mismo, limitansode a construir una película bien confeccionada, que nunca aspira a soluciones visuales capaces de fortalecer de alguna manera la dramaticidad de algunos momentos emotivos. Todo esto es “My Week With Marilyn”, obra de la puesta en escena sumamente caligráfica que se apoya principalmente sobre las interpretaciones de sus espléndidos actores.

Película del día...

2011-10-31T01:45:00.007+01:00

Jane Eyre - Cary Fukunaga , 2011

Jane Eyre huye de Thornfield Hall, una finca enorme y aislada en la que trabaja como institutriz de Adèle Varens, cuyo tutor es el opresivo dueño, Edward Rochester. La majestuosa mansión - y el carácter autoritario de Rochester - han puesto a dura prueba su resistencia. Jane no tiene ningún lugar a donde ir y es acogida por el pastor St. John Rivers y sus hermanas. En Moor House, la residencia de los Rivers, Jane inicia a vivir el presente, pero revive en su mente los tumultuosos acontecimientos que la llevaron a escapar, preguntándose si el pasado ha quedado realmente en el olvido.

Con los años, junto con otros clásicos como "Pride and Prejudice" y "Wuthering Heights", la famosa novela de Charlotte Brontë ha sido llevada a las pantallas cinemátograficas y televisivas decenas de veces. La adaptación en 1996 firmada por Franco Zeffirelli - elegante y fastuosa, un poco demasiado manierista e impersonal - es probablemente la que todos recordamos mejor. Esta nueva apasionada versión, realizada por Cary Fukunaga (director ya apreciado de la óptima "Sin Nombre") se sirve del óptimo guión de Moira Buffini, que logra la difícil hazaña de reducir sin desnaturalizar la obra de la novelista inglesa, permaneciendo fiel a la escritura, destacando especialmente la aspectos oscuros y góticos de la historia, más allá de la novela de formación y de la historia de amor atormentado entre la joven institutriz y Mr. Rochester.

A diferencia de sus predecesoras, el director elige contar la historia narrada por Charlotte sin seguir la cronología exacta de los acontecimientos. La película comienza con Jane Eyre que, turbada, deja la aislada y lúgubre mansión de Mr. Rochester y escapa sileciosamente hacia el páramo. Luego, a través de una serie de flashbacks, nos damos cuenta del pasado y de la lamentable infancia de la protagonista, de su llegada a Thornfield Hall, y del florecimiento de ese sentimiento que la ata indisolublemente al misterioso dueño de la mansión.

Es un mantra afirmar que la dificultad de la transposición de las imágenes en un texto literario es directamente proporcional a su estratificación, a la multiplicidad de sus niveles de lectura, a los matices que a través de miles de adjetivos alcanzan la mente del lector para poder multiplicarse en su imaginación. Jane Eyre, por su parte, es sin duda alguna un texto lleno de atmósferas y sensaciones - en algunos aspectos tan inaprensible como la Eyre (air) protagonista - que atraviesan la infancia dickensiana de Jane para después dar rienda suelta a la frustración del amor hacia el sombrío Mr. Rochester.

Cary Fukunaga ha aferrado mejor que otros la dicotomía de la novela, costantemente en vilo entre el impulso de los grandes sentimientos y la oscura incapacidad de vivirlos plenamente, a causa de indelebles traumas pasados. Y es en esta transición de la oscuridad, cuidadosamente descrita en la profundidad envolvente de la primera escena, pasando por el reflorecer a través del recuerdo de la estación del amor y el ahogarse en los hostiles recuerdos de la infancia, que Fukunaga manifesta plenamente el fluctuante estado de ánimo de la heroína del siglo XIX.

Un óptimo trabajo de introspección al que se une un más que fiel (en el tiempo narrado) trabajo sobre los ambientes, el vestuario y los diálogos, capaces de transmitir perfectamente el rigor asfixiante de la época victoriana en la que el temperamento femenino tenía que ser exprimido en los corpiños y modelado en los severos chignons, ambos aptos para ocultar la hipocresía de la época. No menos importante la valiente decisión de diversificar los dos personajes principales de las diferentes versiones vistas en pantalla: la Jane de Mia Wasikowska austera e inteligente, pero sorprendentemente vital (y bastante joven) es simplemente extraordinaria. Sobre su pálido rostro se materializa con extrema naturalidad una infinita gama de expresiones que corresponden a los tormentos, a las alegrías y a las frustraciones de Jane Eyre.

Su actitud severa y moderada esconde una emotividad ferviente y encarna con facilidad el mensaje socio-político contenido en la novela original, el fuerte sentido de independencia de Jane, su espíritu indomable, su fuerte moral debido no a la intolerancia de aquella época, sino a un profundo respeto por su persona. Frente a la increíble performance de Mia Wasikovska, el talentoso Michael Fassbender nos regala también una impecable interpretación. Su Rochester es intenso, sombrío, feroz y misteriosamente irónico.

Esta combinación junto con la sensible diferencia de edad entre ambos (un elemento verosimilmente perteneciente también en el libro) pone a los dos protagonistas de una manera muy realista y fascinante, haciendo todo aún más intenso. Es en este punto de vista que la relectura de Fukunaga se coloca por encima de muchas (si no todas) las precedentes versiones de "Jane Eyre", haciendo justicia a la indomable y crepuscular historia de amor salida de la pluma de Charlotte Brontë. En el excelente reparto también hay que mencionar a la ostentosa tía Reed (Sally Hawkins), al pastor St. John Rivers (Jamie Bell) y la afable (ama de casa) señora Fairfax, magistralmente interpretada por la venerable Judi Dench.

La clave de lectura elegida por Fukunaga es muy gótica. Por otra parte la novela de Charlotte Brontë entra el género "Female Gothic" muy en boga a fines del 700 y principios del 800, escrito por mujeres para mujeres, para luchar contra su inseparable condición de "ángel del hogar". Por último, cabe resaltar la indudable atención casi viscontiana por los pequeños particulares, espléndidas las ambientaciones oscuras e inquietantes, la reconstrucción precisa de la Inglaterra victoriana a través de la gran cantidad de detalles de las impresionantes escenografías y del vestuario minucioso de Michael O’Connor.

Así como también, la hermosa fotografía de Adriano Goldman y la bellísima música del grande Dario Marinelli. Más allá de la historia de una mujer valiente, "Jane Eyre"; es una exploración de las profundidades más oscuras del ser umano. El último trabajo de Cary Fukunaga, encanta y emociona, como sólo los grandes clásicos atemporales saben hacer.

Valoración : 7.5/10

En dos palabras : Enésima, pero audaz transposición de la eterna Jane Eyre, Cary Fukunaga demuestra ser capaz de elaborar perfectamente la complejidad de la novela y de los delicados equilibrios entre los personajes sin resultar pedante o artefacto. Tal vez la mejor adaptación lograda hasta la fecha, o mejor dicho, la más fiel al estilo de Charlotte Brontë y ciertamente capaz de superar en consistencia expresiva incluso el intento - destacable gracias (principalmente) a la presencia de la fascinante Charlotte Gainsbourg - de Franco Zeffirelli. Más que recomendable.

Película del día...

2011-10-25T18:30:00.003+02:00

Melancholia - Lars Von Trier , 2011

En el fin del mundo de Lars Von Trier no existe un Dios, no existe un salvador, la naturaleza hace una limpieza cósmica danzando sobre las notas de "Tristán e Isolda"; un destino ineluctable que llega a posarse como un velo de melancolía, irracionalmente poético y emocionante. "Melancholia" es un drama más psicológico que apocalíptico, que nace de aquellos momentos oscuros y depresivos vividos por el director danés.

Un viaje que se preve oscuro desde el título y desde las primeros sugestivos planos, imágenes fijas (o casi) y escenas en cámara lenta que pasan ante nuestros ojos para mostrar una vista previa de lo que será el final del viaje que estamos por emprender, en las profundidades de la mente humana y hacia un hipotético fin del mundo. Pero no os desesperéis, al menos no por ahora, porqué es en el íncipit de romántica atmósfera wagneriana y pomposa solemnidad que el controvertido director danés toma la iniciativa, entrabriendo el umbral de aquel nostálgico valle de lágrimas - invadido por una luz amarilla - en donde sumergirá la historia de dos hermanas divididas en la vida y unidas (quizá) por el destino siniestro y apocalíptico que les espera.

Y una vez más son ellas, las mujeres, chivo expiatorio y símbolo encarnado de la condenación terrestre a inmolarse en un sacrificio que tendrá un poder revelador y catártico en los propósitos de la narración. Una película que creará la habitual, indeleble divergencia de opiniones entre aquellos que reencontraran intacta en el genio de Von Trier la representación y percepción de ese mundo sombrío que ellos mismos imaginan, y aquellos que alejaran con indignación las lóbregas tintas de esa manera de hacer cine, para bien o para mal, siempre fuertemente atravesada por rabia, injusticia, dolor y por la amarga impresión de una vida terrena invariablemente "cruel".

En el primer capitulo conocemos a Justine (una maravillosa Kirsten Dunst), mirada y sonrisa suspendida en el vacío, perdida - más que absorta - en el medio de su boda con Michael (Alexander Skarsgård), aún no familiarizado con la triste agonía de vivir de su reciente esposa. El "gran evento" ha sido organizado por la cariñosa hermana Claire (la siempre óptima Charlotte Gainsbourg) y su marido John (Kiefer Sutherland) y en donde son partícipes un variegado e inflamable grupo de familiares y conocidos (obviamente de la deprimida esposa): la lunática y venenosa madre (Charlotte Rampling), el padre despreocupado (John Hurt), el sádico jefe (Stellan Skarsgård) dispuesto a realizar sus propios intereses utilizando todos los medios posible.

Nos encontramos en el clima de "Festen", es decir en esa atmósfera de excitación agridulce que impregnaba la película de Thomas Vinterberg, pero sólo durante los primeros 30 minutos porqué inevitablemente( y afortunadamente) después la película cambia dirección, dejando a la depremida Justine sola con sí misma y con su universo, incompatible con el universo pseudo-normal de los otros, pero que pronto encontrará la paz de la mente gracias a Melancholia (un planeta que esta realizando alrededor de la tierra una sugestiva como peligrosa danza de muerte).

Al contrario de su hermana Justine, Claire es la clásica mujer real, completamente a gusto y (casi) perfecta en el papel de amorosa esposa y madre. Sin embargo, será la voluntad de su amor por la vida y por su familia, el afecto (casi irracional ante los ojos de Von Trier) por las cosas terrenales, a arrojarla en la desesperación (a diferencia de su hermana que en cambio encontrará la tranquilidad de aquellas personas que no tienen nada que perder) frente a la amenaza de un posible fin del mundo.

Un segundo capítulo en el que las diferentes características de las dos hermanas serán comparadas y contempladas mientras se mueven en el limbo de la espera, aferrada a una esperanza desesperada en el caso de Claire, envuelta en un "plácida" resignación en el caso di Justine. Y a medida que Melancholia avanza en su "danza de muerte" con la Tierra, las una vez unidas y ahora distantes hermanas parecen estar cada vez más cerca, al igual que (por encima de ellas) los dos planetas en curso de colisión.

En la liberadora e impactante "Antichrist", Von Trier hablaba sobre "el llanto de todas las cosas que están destinadas a morir". Aquí, en una forma mucho más elegante y sobria (para sus parámetros), el director retoma el discurso sobre la "extemporaneidad" de la vida, a partir del gemido de aquel llanto para mostrarnos cómo, paradójicamente, las personas deprimidas acepten el final con una calma casi sobrenatural respecto a aquellas "integradas en el mundo", aniquiladas por el temor de perder todo aquello que han construido a lo largo del tiempo.

Una dinámica que él, la quintaesencia de la depresión, parece conocer muy de cerca y que en "Melancholia" asume el evidente semblante de una joven que se hunde en el barro, obstaculizada en su camino por ramificaciones filamentosas que la envuelven y no la dejan andar. Y es exactamente en esta imagen, inscrita en una historia desde el prólogo claramente melancólico que tiende a desenredarse en el epílogo, que Von Trier sublima la narración del drama humano por apoteosis, hacia aquel final en donde todos nos dirigiremos inevitablemente.

Lars Von Trier pone en la boca de Justine (su alter ego) la razón de este epílogo de manera seca, presuntuosa y terrible: “The earth is evil” y nutre su personaje con otras sentencias nihilista como "we're alone in the universe". Aceptando la visión de Von Trier podemos disfrutar de esta poética disolución del mundo y dejarnos llevar por la emociones: por otra parte incluso la indiferente Justine llora a pocos minutos del final.

Al igual que con todas las películas de Lars Von Trier, la sentencia unánime es algo inconcebible. Filtrada a través de la sensibilidad de cada espectador, "Melancholia" puede dar lugar a sentimientos increíbles o al rechazo total de aquellos que se encuentran frente a una película incomprensible, lejos de estar perfectamente terminada. Las sensaciones coexisten no sólo en "Melancholia", sino en toda la filmografía de Von Trier, pero es por esta razón que cada espectador dentro su corazón ya sabe cómo actuar, y con qué grado de discrecionalidad, frente a esta película..

No queda más que, sea cual sea la posición de cada uno, destacar absolutamente la fascinación ejercida por el director danés sobre el análisis de un mundo anárquico y muy contaminado por los impulsos negativos, junto con una dirección más original y persuasiva que se caracteriza por el uso sin escrúpulos de las luces (y no sólo), por el realismo buscado en los tantos movimientos de cámara, y por la grande capacidad de seducir en las tramas de sus películas, actores simpre de primera clase (o, por el contrario, de imaginarse para ellos papeles que calzen perfectamente). Es como una flecha peligrosa y malditamente capaz de dar en el blanco, siempre disponible en el arco impredecible del enigmático Lars Von Trier.

Valoración : 8/10

En dos palabras : Una grande ouverture sobre la música de Wagner abre la danza de la muerte de "Melancholia", una película sobre el nihilismo cósmico del director danés que ha acostumbrado a todo a su público, pero ciertamente no a la indiferencia. Una vez más, obstinados a no ceder al yugo de la muerte o hechizados por el encanto de la descabellada originalidad de Von Trier, no nos queda más que mirar desorientados la órbita irregular atravesada por "Melancholia" y luego decidir si permanecer de brazos cruzados ante tantas, innecesarias circunvoluciones o dejarse cautivar por su escepticismo aplastante.

Película del día...

2011-10-22T16:35:00.002+02:00

This Must Be The Place - Paolo Sorrentino , 2011

Tras el éxito de 2008 con “Il Divo”, aplaudido y premiado en todo el mundo, el director napolitano regresa a la escena con un proyecto igualmente ambicioso: una película de alto presupuesto rodada en inglés, entre Irlanda y Estados Unidos, con un cast internacional que ve en primera fila una estrella del calibre de Sean Penn.

En "This Must Be The Place" (el título es tomado de la homónima canción de los Talking Heads), el versátil actor estadounidense se mete en uno de los papeles más extraños de su carrera: el de Cheyenne, una rock-star cincuentañera que ha dejado colgada la guitarra encerrandose en un voluntario pre-pensionamento, atormentada por sentimientos de culpa por la muerte de dos jóvenes fans. La desaparición del anciano padre, con el que no tenía contacto durante casi treinta años, impulsará Cheyenne a emprender un viaje on the road a través de los Estados Unidos, donde vivirá una serie de encuentros con diferentes personajes...

Enterrado debajo de una gigante peluca negra, con una máscara de maquillaje sobre el rostro y una buena dosis de lápiz labial en los labios, el Cheyenne de Sean Penn se mueve sobre un escenario de apatía diaria, como un divo del glam-rock que, incluso después del final de su último show, se ha mantenido inextricablemente atado a su imagen pública. Con sus movimientos desacelerados, casi de autómata, y una voz cansina y en falsete que recuerda aquella de Truman Capote, Cheyenne parece ser un hombre de mediana edad que ha conservado la mirada y el alma de un niño. Acosado por una sensación de aburrimiento perpetuo que roza la depresión, atormentado por los remordimientos que no consigue superar, Cheyenne vive en un estado de soledad y de profunda insuficiencia, a pesar del sólido afecto de su esposa Jane (interpretada por una excepcional Frances McDormand), bombera dal carácter solar y pragmático, contrapuesto al del marido.

El mayor acierto de "This Must Be The Place" radica en el saber describir, con equilibrio y eficacia, un personaje un tanto arriesgado y fuera del común, como lo es el personaje interpretado por el siempre grande Sean Penn. Su forma de ser tan extraña y ajena a cada contexto refleja motivaciones iconográficas y narrativas, hace las cosas más interesantes, es una metáfora bastante clara sobre la fragilidad de ciertos sentimientos y ciertas maneras de ser (en el mundo) que (en el mundo de hoy en día) parecen bizzarras y folkloristas reliquias del pasado, acariciadas (una vez más) solamente por nuevas generaciones de outsiders.

Niega estar en busca de sí mismo, Cheyenne, y probablemente, tiene razón en hacerlo. Porqué él, Peter Pan sorrentiniano, prisionero voluntario de una infancia que nunca ha abandonado, no se busca a sí mismo. Pero, encontrando al hombre cuyas huellas ha seguido a través de los Estados Unidos (un hombre con el que, de una forma totalmente no-aleatoria, condivide un apellido falso), encontrará un padre que había abandonado, y el valor de salir del túnel en el que se había encerrado cuando era un niño. Encendiendo un cigarrillo, encontrará la manera de abandonarse al único vicio que nunca lo había atraído, porqué "los niños no se sienten atraídos por el humo": y por consiguiente de convertirse en un "adulto". Hasta legar a una última transformación que - para quien escribe - tiene el regusto amargo de una normalización no necesaria.

Con su mezcla de infantilismo, inocencia y melancolía, el "clown triste" de Sean Penn será protagonista de situaciones siempre diferentes, sobre los pasos de un viejo criminal de guerra nazi al que su difunto padre había estado buscando en vano durante mucho tiempo. El tema del holocausto, sin embargo, es sólo uno de los elementos tocados por esta película anómala y fragmentaria, que presenta de forma evidente la huella de Sorrentino en el estilo de dirección, como en la narración, pero sin poseer la magnífica complejidad de una obra como "Il Divo". "This Must Be The Place" resulta un obra difícil de categorizar, que mezcla drama y humor en el interior de una estructura episódica fascinante, pero no siempre convincente.

Paolo Sorrentino escribe por primera vez junto con otro guionista... y es evidente. En "This Must Be The Place" hay una mirada más optimista y reconciliada en comparación con su espléndida filmografía anterior, los tonos cáusticos son ablandados, la amargura presente es inmediatamente suavizada. Permanecen invariadas, en cambio, las figuras estilísticas - visuales, fotográficas, musicales y sonoras - que hacen del director napolitano uno de los mejores exponentes del cine italiano y no sólo.

"This Must Be the Place" es una película que posee algunos puntos altos, y es también capaz de golpear emocionalmente: sobre todo en los momentos en donde la levedad de su protagonista se transforma en contenida pero desesperada rabia. Como cuando Cheyenne grita su aflicción en la cara de un impresionado David Byrne. Pero es también una película con algunas sombras, sutiles: sobras de un (in)completamiento evanescente, impalpable y programático, de una escrupolosidad casi obsesiva, maniacal. Una ulterior demostración que incluso el más preparado y dotado cineasta, como Paolo Sorrentino, puede naufragar en presencia de las sagradas reglas que mezclan arte e industria en ese misterioso mundo paralelo llamado Hollywood.

Valoración : 6.5/10

En dos palabras : Es difícil de expresar una opinión sobre la nueva película de Paolo Sorrentino, sobre todo teniendo en cuenta la infinidad de temas que tiene el valor - y la capacidad - de llevar en pantalla. Y a partir de este impulso irresistible de mostrar todo lo posible para poder sorprender al espectador, pueden venir algunas preocupaciones acerca de la consistencia y la calidad de la historia narrativa en sí. "This Must Be The Place" desea ser una película sobre la historia, la familia y el crecimiento, un objetivo ciertamente ambicioso, pero no plenamente centrado.

Película del día...

2011-10-17T21:55:00.003+02:00

Tomboy - Céline Sciamma , 2011

Laure tiene 10 años y acaba de mudarse, junto con sus padres y su hermanita Jeanne, a un nuevo barrio de París. Un poco por diversión y un poco para realizar un sueño secreto Laure decide de presentarse a sus nuevos amigos como un niño de nombre Mickael. En este nuevo rol es plenamente aceptado por el grupo. Pero el verano está por terminar, dentro de poco comenzará la escuela y el juego del disfrazarse poco a poco se volverá cada vez más complicado...

Con el uso de la cámara al hombro, Céline Sciamma deja caer a su público en un ambiente profundamente intenso. Lo hace dulcemente, con un toque materno dirigido a la protección, pero también con una poesía implícita en cada instante de la obra, emocionando incesantemente al espectador. La segunda película de la talentosa realizadora francesa se impone por su extraordinaria simplicidad y por una naturalidad absoluta que desconcierta e implica al espectador. Sciamma consigue desentrañar, las personalidades de los personajes sin dejar nada al azar. En efecto, a pesar de la profunda intensidad de las situaciones, aquello que prepotentemente sobresale es exactamente la descripción y el estudio de las personalidades de los personajes.

Los primeros planos muestran una brisa que acaricia los cabellos rubios y cortos de la protagonista, Laure (interpretata por Zoé Héran), llevandote a hacer una cierta analogía entre la acción invisible, y sin embargo reconocible, del viento y el toque estilístico transparente de la joven realizadora (31 años aún por cumplir), que acompaña de una manera no invasiva ni didascálica la historia, dejando germinar la impresión de que la vida de los personajes se cuente por sí sola. En el nombre del minimalismo el esbozo de las relaciones familiares, de la vida de barrio, de los sentimientos que unen a los diferentes protagonistas de la historia; así como los diálogos son dosificados con sabiduría, cotidianos y verosímiles, con algunos parpadeos brillantes y/o cómicos, pero desprovistos de tonos encendidos y de fuetes contrastes.

El estilo, como el fondo blanco para un dibujo a carboncillo, deja que la historia sobresalga y que el espectador tenga la oportunidad de reflexionar sobre la complejidad de los temas tratados: en particular sobre el desarrollo de la identidad de género en el curso de la infancia y de la pre-adolescencia, sobre equilibrios familiares y amistosos y sobre la necesidad de pintarse una máscara para ser uno mismo. Con delicada audacia la tilde es puesta sobre las naturales inclinaciones sexuales de los niños, que entran plenamente en el juego y en el experimento de sí mismo, por lo menos hasta que la estructura social no recaiga sobre ellos, cubriendo de sentimiento de culpa, los comportamientos adoptados con la más completa inocencia de los instintos.

El dilema que la protagonista vive respecto a su propia identidad, se divide entre lo que su cuerpo le impone de ser y el irrefrenable deseo de su mente que desea lo contrario, sin caer jamás en una excesiva dramatización de las situaciones. Los diálogos son reducidos al mínimo porqué la fotografía maravillosa llena la pantalla y los intensos primeros planos colman de pensamientos y reflexiones lo no dicho. El mismo descubrimiento de la verdadera sexualidad de la protagonista no resulta necesario, porqué el punto es sobre un tema mucho más importante, la autoconsciencia de sí mismo, la libre expresión del individuo, más allá del propio cuerpo.

Céline Sciamma deja tanto espacio a la intensidad y la expresividad de los rostros. Los micromovimientos de las facciones, caracterizados por una conmovedora belleza, nos hablan de esperanza, angustia, alegría, miedo, sensualidad, haciendonos entender cómo las palabras son innecesarias. Por lo tanto, no es tan sólo una película sobre la infancia, una edad que muchos creen destinada a la inocencia, pero en realidad cargada de sensualidad y emociones ambiguas, sino más bien sobre la identidad, en particular sobre la formación y la afirmación del “yo” más profundo en una de las más sensibles estaciones de la vida. La realizadora francesa juega rápidamente con la identidad ambigua de la protagonista: con el cabello cortísimo y con sus vestidos "poco" femeninos, haciendo que espectador encuentre un poco de dificultad en reconocerla como una niña.

Además la realizadora consigue enmarcar perfectamente la sintonía y complicidad que nace entre las dos hermanas. La relación entre Laure y la pequeña Jeanne, es impreganada por un afecto incondicional, conmueve por su completa pureza de sentimientos. Los pequeños intérpretes son extraordinarios, en especial la protagonista Zoè Héran y su hermana cinematográfica Malonn Lévana. Las suyas son actuaciones naturales, sencillas y divertidas, capaces de expresar sin ningún tipo de falsedad o caricatura una edad, la infancia, fundamental para la formación del ser humano.

"Tomboy" es un manifiesto realista di experimentación identidaria, que no se avergüenza de celebrar la búsqueda y la curiosidad que cada adolescente (o pre-adolescente) por naturaleza cultiva en la creación de la propia adultez. Y cualquier tipo de instrumentalización sexual – o peor aún, antisexual – de esta película sería un insulto a la belleza y la potencia del cine infantil.

Valoración : 8/10

En dos palabras : Céline Sciamma con delicadeza y autenticidad aborda el mundo difícil y complejo de los pre-adolescentes, y sin juzgarlos o criticarlos, los fotografía en un contexto poético, encantado, como debería ser la infancia. "Tomboy" es una mirada, más o menos maliciosa sobre la vida secreta de estos niños que juegan en el patio trasero de un edificio, una película sobre la búsqueda de la propia identidad. Un film solar (no obstante el fuerte subtexto) come un "Principito" - femenino - de la era moderna. Más que recomendable.

Película del día...

2011-10-11T15:50:00.003+02:00

Restless - Gus Van Sant - 2011

Enoch es un adolescente que ha perdido a sus padres en un accidente y no ha podido asistir a su funeral porqué se encontraba en coma. Al despertar nada ha vuelto a ser como antes. La rabia y la frustración han hecho de él un joven en fuga de todo y de todos, que transcurre sus días infiltrandose en funerales de desconocidos (en el tentativo de sanar el dolor por non haber partecipado al de sus padres) y hablando y jugando a batalla naval con el amigo Hiroshi, fantasma de un joven kamikaze muerto durante la Segunda Guerra Mundial.

Su vida gira, por lo tanto, tristemente en torno al acontecimiento de la muerte, hasta que un día encuentra (precisamente en un funerale - una sonrisa y todo se convierte en pura magia) Annabel, tan dulce y solar (fascinada por darwin y por la vitalidad de la naturaleza) como cercana al final, condenada por un tumor cerebral que no deja lugar a la esperanza. Su encuentro será terapéutico para Enoch (que volverá a disfrutar de la existencia terrenal) y una dulce despedida a la vida para Annabel, y su breve pero intensa historia cambiará el latente grito de dolor en un grito de amor a la vida...

Desde los protagonistas psicodélicos de "My Own Private Idaho" a aquellos atormentados de "Paranoid Park", Gus Van Sant ha sido siempre capaz de representar, como pocos, el mundo inquieto y melancólico de la edad joven, junto con el de de las vidas al margen de la sociedad, dominada por la dificultad de vivir dentro de su propia diversidad, extrayendo pensamientos y maneras que en sus excéntricos excesos han dado vida a personajes más excepcionales que raros, como Will Hunting o Harvey Milk. En su último trabajo Van Sant abandona (en parte) la rapsodia narrativa de la mayoría de sus obras subversivas para lanzarse en cuerpo y alma en una relectura "compuesta" explícitamente de amor trágico, que a su vez ha sido siempre objeto de gran interés literario y cinematográfico.

Una clásica historia de amor fatalmente interrumpida por los obstáculos circunstanciales del destino, pero esta vez atravesada por una ligereza fuera de lo común, y encuadrada en el cuadro otoñal de un sentimento destinado a durar poco y por lo tanto aún más (des)encantado, cristalizada en la extemporánea armonía de dos almas solitarias en la búsqueda de un motivo para volver a vivir (o morir serenamente). La última película de Van Sant relee el drama sentimental con una insólita clave de optimismo melancólico, otorgando a sus dos adolescentes "especiales" una naturaleza casi divina.

"Restless" (basada en la obra teatral de Jason Lew) profundiza una atmósfera menos grotesca y más existencialista como la espléndida complicidad dark de la pareja "Harold and Maude" (la historia de amor imposible por excelencia del séptimo arte) de Hal Ashby. Ellos, como los protagonistas de la película de Van Sant, se conocieron en un funeral. Ellos, también, se encontraban unidos por un cariño especial que iba en contra de todos los cánones y posibilidades. Ellos, tambien, parecían "muertos" en vida. Y ellos, también, permanecian unidos por el tema de la muerte que rodeaba sus vidas (Harold planificaba suicidios, Enoch los roza solamente, pero tiene como único amigo a un muerto), en la película de Van Sant a hacer la diferencia es la "coetanidad" de los protagonistas y el trágico destino - ya escrito - de Annabel que hará que el amor entre los dos jovenes, melancólicamente asociado a la fugacidad de aquella estación otoñal en donde se consumirá (inevitablemente), un consciente pero alegre canto del cisne.

Un acercamiento puro y cautivador con el cual Gus Van Sant se propone exorcizar el fantasma de la muerte (como máscaras durante la noche de Halloween o siluetas dibujadas en el asfalto), elaborar el duelo a través de un himno a la vida que encuentra la expresión correcta en dos protagonistas en estado de gracia: el debutante, pero notable Henry Hopper (hijo del fallecido Dennis) en el papel del nquieto Enoch y la ya conocidísima y maravillosa Mia Wasikowska (belleza etérea encerrada en un cuerpo extraordinariamente delicado y vital) en el papel de la frágil Annabel. Los jóvenes de Van Sant son frágiles y sensibles, inquietante y tranquilizadores al mismo tiempo, conscientes de la caducidad de sus cuerpos mortales pero dispuestos a vivir un amor utópico que sueña con estar por encima del espacio y del tiempo.

La forma en que el director describe estos dos adolescentes es tan elegante y poética de hacerles parecer dos criaturas semi-divinas, por razones diferentes ambos son capaces de entender completamente la compleja e inestable relación entre Eros y Tánatos, y por lo tanto, extraordinariamente capaces de emanciparse (solo Enoch en un acceso de "mortalidad" sufrirá la presión de la desesperación) del sentimiento de angustia humana que constantemente persigue y atormenta principalmente a los que permanece en este mundo. Van Sant pone en escena una historia trágica desvinculandose por lo tanto del clásico recorrido del dolor que la misma implica, concentrándose en cambio en el tema de la aceptación del destino, en la belleza de lo cotidiano, en el sueño de un adiós a una vida llena de alegría; un acoplamiento cinematográfico en donde vida y muerte se funden en un único gesto de complicidad humana.

El último trabajo de Gus Van Sant, por consiguiente, no es tan sólo un himno a la alegría de los sentimientos más puros, a la tragedia de algunas situaciones difíciles que la vida nos pone delante, y a las cuales debemos responder siempre con gran coraje, es también un retorno nostálgico a los inolvidables años 70 y a la atmósfera característica de la Nouvelle Vague. Una mención especial va a la fotografía, capaz de acentuar la belleza de la ciudad de Portland, donde la película ha sido rodada, a la tierna y melancólica banda sonora de Danny Elfman, y a la intensa "The Fairest Of The Seasons" de la grandísima Nico... "Restless" es tal vez la película más poética y delicada de Gus Van Sant, que consigue asomarse sobre los dos más grandes - y aún no metabolizados - tabúes de la sociedad occidental, la enfermedad y la muerte, desde la ventana de una conmovedora (y quizás un poco lúgubre) historia de amor, sin inclinarse demasiado y sin olvidar jamás el vacìo inmenso – metafísico y emocional - que existe debajo de ella.

Valoración : 9/10

En dos palabras : En el marco otoñal de Portland, Gus Van Sant realiza una obra desprovista de la pátina dramática típica de las películas de género, calcando en cambio los tonos ligeros y divertidos de "Harold and Maude", en donde los protagonistas de "Restless" se reflejan profundamente. Una película conmovedora sin lágrimas, dramática sin gritos, en donde todo el dolor es transformado en madura - y a veces alegre - aceptación de sí mismo y del propio destino, gracias también a la excelente prueba de dos maravillosos actores : Mia Wasikowska y Henry Hopper. Absolutamente recomendable.

Película del día...

2011-10-08T01:40:00.009+02:00

A Dangerous Method - David Cronenberg , 2011

El espectro de la guerra se encuentra a las puertas de Zúrich y Viena, y sobre este escenario se entrelazan las historias y las vidas de dos figuras históricas y fundamentales para el nacimiento del psicoanálisis. Carl Gustav Jung utiliza el método de Sigmund Freud para curar Sabina Spielrein, una joven histérica rusa de la cual se enamora. Impresionado con los resultados obtenidos por Jung, Freud lo nombra su sucesor, pero cuando Jung desarrolla sus teorías personales, sus caminos divergen…

Tarde o temprano tenía que llegar una película en la filmografía de David Cronenberg que aborde de frente el psicoanálisis. La temática siempre ha sido central en el cine del genio canadiense, y surgía de forma espontánea en todos los razonamientos que Cronenberg nos ha siempre invitado a hacer con sus respectivas obras. Que "A Dangerous Method" llegue después de dos películas como "A History of Violence" y "Eastern Promises" es sólo la continuación natural del recorrido tomado por el autor. O tal vez el homenaje más respetuoso y sincero que el director ha deseado hacer al núcleo de su poética.

Cronenberg siempre ha querido profundizar en la materia, en la carne, en nuestras formas de comunicar, en las relaciones, en el alma de las naciones. Excavar en el hombre, y por consiguiente en su inconsciente, sacando la parte más "verdadera": nuestra violencia, nuestros miedos, nuestras obsesiones, nuestras morbosidades y nuestros demonios. Lo hacía en los tiempos de sus "b-movie" ("Shivers", "Rabid", "The Brood"), y ha continuado a hacerlo cuando su estética se ha refinado casi quirúrgicamente (cuyos puntos más altos, para quien escribe, son : "Crash"y "A History of Violence", pero cada uno tendrá una preferencia personal).

Afrontar directamente el nacimiento del psicoanálisis por lo tanto no es un "acto debido", por Dios, sino un acto espontáneo, que surge sin ambages de todo lo que el director ha hecho y ha dicho hasta ahora. Dicho todo esto, "A Dangerous Method" posee tantas almas en su interior, muy bien amalgamadas y casi ocultas por la pátina de "Costume Drama" o incluso de "Biopic". La película es puro cine y puro Cronenberg, aunque sí se trata de la adaptación del texto teatral "The Talking Cure" de Christopher Hampton. El director canadiense lo hace suyo, se apropia de el mismo, lo adapta a sus fantasmas, lo dobla a sus obsesiones, y lo personaliza. La crítica parece no haber apreciado tanto su último trabajo, y no por simple casualidad, siendo esta la película más "incómoda" de Cronenberg, la más arriesgada, difícil, íntima, a riesgo de parecer ridícula: para mí, sin embargo, es una grandisíma obra. Veamos porqué.

Primer punto : "A Dangerous Method" es una película sobre el nacimiento del psicoanálisis. Es verdad, en el sentido que nos lo dice el plot nos lo dice el pressbook, nos lo repiten en todas partes. De esta manera nosotros observamos, nos detenemos y permanecemos en el mismo lugar, olvidando incluso quién es Cronenberg y lo que realmente le interesa. El maestro canadiense nos cuenta, sin duda alguna, las teorías de Freud que influenciaron Jung, y nos cuenta también el tratamiento reservado por parte de este último a Sabina: pero la "cura hablada" sólo dura durante los primeros minutos de la película. De hecho, poco después nos encontramos en un salto de dos años, el período del encuentro con Otto Gross (momento determinante de la película), y esto debería ser una campana de alarma.

Segundo punto : "A Dangerous Method" es una película sobre un enfrentamiento. Es una nueva historia de violencia, sin que exista una sola gota de sangre, a excepción de cuando una rabiosa Sabina roza el rostro de Jung con una cortapapeles. Es una película sobre una época y sobre los intelectuales que la han vivido, una época embalsamada (como la confección ¿perfecta?) pero tal vez no tan diferente de la nuestra, y en donde la palabra "libídine" debería ser reemplazada para evitar confusiones y desconcierto. El enfrentamiento entre Jung y Freud es profesional, pero también humano, torbido, "peligroso" (¿Para quién? / ¿Para ellos? / ¿Para todos?). "Estamos llevando la peste a América" dice Freud a Jung mientras estan llegando en barco a New York y La Estatua de la Libertad se destaca al frente, el contexto es absolutamente fundamental.

Tercer punto : "A Dangerous Method" es un melodrama. Sin comparaciones inútiles, en la película fluyen pasiones y dolores palpables. Se habia dicho que la película era la más cercana a "M. Butterfly", o incluso a "Dead Ringers" : no es cierto, la película es única no obstante el "género", te captura debido a su historia de amor frustrada, en donde la pasión consigue brotar sólo pocas veces. Los azotes y latigazos infligidos por Jung a Sabina se cuentan en la película con los dedos de una mano: porque él está casado y los sentimientos de culpa lo destrozan.

Cuarto punto : "A Dangerous Method" nos cuenta sobre una mutación. Es un recorrido de liberación y toma de conciencia por parte de un hombre, que acaba de salvar a una mujer y se encuentra en la misma situación. Un camino hacia la libertad (de los impulsos, de las reglas, de lo que es socialmente equivocado): y aquí dentro está todo el genio de David Cronenberg que conocemos, a pesar de que muchos no lo reconocerán. Y sin embargo, ¿Cómo no darse cuenta de las cicatrices que permanecen en el interior de los personajes? "Sólo un médico herido puede curar a un paciente", dirá Jung. Y hay todo un universo en esta frase pronunciada.

El elenco es extraordinariamente funcional al proyecto. Soberbio Michael Fassbender que nos regala un Carl Gustav Jung absolutamente perfecto. En el aspecto, sobre todo en la mímica con esos movimientos bastante cuidados y no dejados al azar. No es inferior Viggo Mortensen, su Sigmund Freud irónico, astuto, competente y si fuera necesario inflexible y autoritario, es monumental, dos actores que revelan una extraordinaria alquimia. Bastante positiva resulta también la prueba de Keira Knightley aunque sí, principalmente en las crisis histéricas iniciales, podría parecer un poco forzada (el papel lo exige) arriesgando de desembocar su personaje en la caricatura. La joven actriz demuestra de haber alcanzado la plena madurez artística y una más que óptima capacidad de adaptación a papeles desafiantes y difíciles...

A convencer sobre todo en "A Dangerous Method" es la síntesis de las proezas y fechorías privadas, y la historia novelesca del nacimiento de una disciplina que desconcertará el mundo. La ficcionalización en lugar de desvalorizar y disminuir el psicoanálisis acentúa, en cambio, aspectos secundarios poco explorados. La diferencia inevitable entre Freud y Jung por ejemplo, es tan profunda de paracer insalvable. Jung es rico y vive en una villa junto al lago, Freud vive con su numerosa familia (seis hijos) en un apartamento no ciertamente lujoso en Viena. Jung es cristiano-protestante, Freud judío. En una memorable escena Freud dice a Sabina: "¿Cómo podría funcionar entre una judía y un protestante? Tu debes buscar hombres judíos". No es simplemente un atrincheramiento identitario en el interior del propio mundo, es lucidez, es absoluto conocimiento de las diferencias y de lo complicado que es superarlas.

Para finalizar, no me queda más que decir que detrás de la bellísima música de Howard Shore, de la perfección formal de la espléndida fotografía (mérito de Peter Suschitzky) y de la puesta en escena (vestuario, escenografía, location) aparecen tantos fantasmas y tantas obsesiones, que David Cronenberg debidamente nos hace tocar con mano y que hacen de "A Dangerous Method" una película destinada a permanecer en la memoria por mucho, muchísimo tiempo. Absolutamente imprescindible.

Valoración : 10/10

En dos palabras : Adaptación del texto teatral "The Talking Cure" de Christopher Hampton e inspirada en el libro "A Most Dangerous Method" de John Kerr, "A Dangerous Method" es un enfrentamineto de teorías psicoanalíticas, de puntos de vista sobre conceptos tales como la ciencia, el inconsciente, los sueños y los impulsos sexuales, un grandísimo film que ofrece al maestro Cronenberg otra ocasión para seguir jugando con las criaturas psíquicas y físicas que habitan en el ser humano, confeccionando una obra elegante, interesante y visualmente perfecta.

Canción del día...

2011-10-06T17:15:00.004+02:00

"Ode To My Family" - The Cranberries - No Need To Argue (1994)

Ode To My Family

Understand the things I say

Don't turn away from me

Cause I spent half my life out there

You wouldn't disagree

D'you see me?, d'you see?

Do you like me?, do you like me standing there?

D'you notice?, d'you know?

Do you see me?, do you see me?

Does anyone care?

Unhappiness, where's when I was young

And we didn't give a damn

'Cause we were raised

To see life as fun and take it if we can

My mother, my mother she hold me

She'd hold me, when I was out there

My father, my father he liked me

Oh he liked me, does anyone care?

Understand what I've become

It wasn't my design

And people everywhere think

Something better than I am

But I miss you, I miss

Cause I liked it, cause I liked it

When I was out there

D'you know this?, d'you know?

You did not find me, you did not find

Does anyone care?

Unhappiness, was when I was young

And we didn't give a damn

Cause we were raised

To see life as fun and take it if we can

My mother, my mother she'd hold me

She'd hold me, when I was out there

My father, my father he liked me

Oh he liked me, does anyone care?

Does anyone care?

Does anyone care?...

Oda A Mi Familia

Entiende las cosas que digo

No me des la espalda

Porque he pasado la mitad de mi vida allá afuera

Tu no estarías en desacuerdo

¿Me ves? ¿Me ves?

¿Te gusto? ¿Te gusto parada allí?

¿Te das cuenta? ¿Lo sabes?

¿Me ves? ¿Me ves?

¿A alguien le importo?

La infelicidad, ¿Dónde estaba cuando yo era joven?

Y no nos importaba nada

Porque fuimos criados

Para ver la vida como diversión y tomarla si podíamos

Mi madre, mi madre me tenía

Me tenía, cuando yo estaba allá afuera

Mi padre, mi padre me gustaba

Oh él me gustaba, ¿A alguien le importo?

Entiende en lo que me convertí

No fue mi proyecto

Y la gente en todas partes piensa

Algo mejor de lo que soy

Pero te extraño, extraño

Porque me gustaba, porque me gustaba

Cuando estaba allá afuera

¿Lo sabes?, ¿Lo sabes?

Tu no me encontraste, no me encontraste

¿A alguien le importo?

La infelicidad, estaba cuando yo era joven

Y no nos importaba nada

Porque fuimos criados

Para ver la vida como diversión y cogerla si podíamos

Mi madre, mi madre me tenía

Me tenía, cuando yo estaba allá afuera

Mi padre, mi padre me gustaba

Oh él me gustaba, ¿A alguien le importo?

¿A alguien le importo?

¿A alguien le importo?...

Película del día...

2011-10-02T18:00:00.002+02:00

Drive - Nicolas Winding Refn , 2011

Entre las calles de una L.A. cruda y crepuscolar pasa un conductor a toda velocidad diferente a los otros, de día mecánico y stuntman "part time" en Hollywood, de noche "conductor" al servicio de los criminales; Driver (se le puede llamar convencionalmente así, a este llanero solitario sin nombre), un hombre frío, de pocas, pero intensas palabras, mecánico y preciso en los movimientos. El encuentro con la vecina de apartamento Irene y su hijo Benicio, le dará una nueva alternativa posible a su vida, pero al mismo tiempo por un extraño y cruel giro del destino, marcará una renuncia necesaria para salvar las únicas cosas que verdaderamente ama.

"Drive", basada en la novela homónima de James Sallis, representa aquello que cada película debería ser: una lección de puro cine. El director, Nicolas Winding Refn, en el seguir su idea de "rodar lo que le gustaría ver" demuestra de ser impecable, utilizando tomas rebuscadas, ángulaciones inéditas y travellings largos adecuados en cada secuencia. Toda la versatilidad, el eclecticismo, la potencia explosiva que Nicolas Winding Refn había demostrado hasta este momento con su cine "particular", en "Drive" encuentran una verificación y una síntesis que no hacen más que confirmar el enorme talento que posee.

Desde la primera, gradiosa escena de apertura, Winding Refn pone al espectador en tensión, hasta cuando cambia bruscamente registro, sin abandonarlo jamás. Porque la tensión en "Drive" es espectacular y nerviosa, romántica y emocional: muda en naturaleza, pero nunca en intensidad. Como la expresión deliberadamente imperturbable de un protagonista memorable, interpretado por un extraordinario Ryan Gosling, capaz de comunicar una amplia gama de emociones utilizando únicamente la mirada y - algunas veces - los ángulos de la boca.

Con apenas algunas líneas de guión durante toda la película, Gosling consigue ser más expresivo de lo que se pueda imaginar: miradas, sonrisas, lágrimas y expresividad gestual dicen todo aquello que hay que saber sobre este personaje silencioso, misterioso y, a su manera, bueno, pero obligado a actuar con violencia por las circunstancias y (sobre todo) por aquel amor, extremo e incontrolado. Carey Mulligan, en el papel de Irene, es la contraparte perfecta a los silencios de Driver: solar, sonriente, discreta pero expresiva, es el motor que mueve las acciones del protagonista, que se arroja voluntariamente en un avispero con el fin de salvar la vida a una mujer que, bien sabe, nunca será suya... Ambos dan una gran prueba de sí mismos, sosteniendo una expresividad convincente y jamás excesiva durante los largos momentos de pausa entre los diversos diálogos.

A hablar son principalmente las miradas y los movimientos, intercalados por la frases secas y mordaces, gracias al guión de Hossein Amini. Otro punto fuerte de la película, junto a la interpretación de todo el cast (en el que destacan también Bryan Cranston y un fantástico Albert Brooks) y a la técnica cinematográfica, es la síntesis de los opuestos entre la violencia "pulp" pero controlada y jamás excesiva de la segunda parte de la película y el sentimiento casi etéreo de un amor ilusorio. Porque la duplicidad, positivamente comprendida, es explícitamente la clave de lectura de "Drive": encarnada en un protagonista de la doble vida y de la doble naturaleza caracterial, y sin embargo, siempre sí mismo en manera innegable y unitaria. Esta duplicidad, se aprecia visualmente en algunas escenas de acción y de ultraviolencia que son indisolublemente entrelazadas con un romanticismo seco y palpitante, como sólo el Michael Mann de "Heat" y de "Collateral" había conseguido realizar.

La dicotomía, por lo tanto, es el eje sobre el cual gira toda la película. A lo largo de la historia emerge enteramente, tanto en la complejidad de Driver, como en su psicosis y en la lucha interna dividida entre una aparente calma y un absoluto control (como si se tratase de un hombre-máquina), y las explosiones puras de violencia, ya sea en los sentimientos que discurren entre los dos protagonistas: amor suspendido e irracional y crueldad (legítima), dos sentimientos en las antípodas, pero igualmente intensos y copresentes.

¿Cuando uno se da cuenta de que el cine todavía puede ser un arte?. Por ejemplo, cuando una trama sencilla, banal (según los puntos de vista), se transforma en pantalla en un objeto precioso, misterioso, de amar y ¿por qué no? conservar. Nicolas Winding Refn ha logrado un milagro construyendo una película malditamente bella y fascinante, oscura y difícil de olvidar. En "Drive", Winding Refn se las arregla para convertir en puro arte algunos destellos de violencia inaudita y repentina, para después regalanos una tierna y dulce secuencia a la orilla de un río en donde, siempre en silencio (la película es hablada poquísimo), un hilo invisible amarra Driver a la famiglia que ha conocido por casualidad y que ha decidído proteger y cuidar, todo subrayado por una maravillosa banda sonora, mérito de Cliff Martinez.

La música, de hecho, focalizada completamente en la electrónica, es funcional y sincronizada a las escenas, especialmente en las persecuciones en coche: tres modalidades diferentes de concebir la acción, tres sonoridades diferentes; ambas siempre calibradas de manera casi maniacal por el director. El inicio tenso y cresciente de los Chromatics (que recuerda las sonoridades de los Daft Punk) acentúa el juego de control y astucia de Driver, la persecución en línea recta, es dejada completamente al rumor de los coches como máxima expresión de la adrenalina y por último el choque entre Driver y un jefe de la mafia, es resaltado por la surreal "Oh my Love" de Riz Ortolani & Rina Ranieri que en su completa distinción marca aún más el momento dramático de la escena.

Los mismos textos inseridos en algunas escenas no son colocados al azar. Cada uno acompaña al espectador en el ascenso moral y descenso relacional del protagonista: a partir de la inicial "Nightcall" - "you have something inside you, it’s hard to explain" - que presenta la doble vida de Driver hasta llegar a "A Real Hero" - "a real human being and a real hero" - en el encuentro con Irene y en el cierre definitivo de la película. Una frase simple que encierra, sin embargo, la escencia de su naturaleza, un héroe oscuro y solitario.

Nicolas Winding Refn es capaz de jugar libremente con las técnicas cinematográficas más simples, a través de perfectos cambios de luces y de velocidad que dan valor adjunto a un óptimo guión; sabe perfectamente cuando es el momento adecuado en abandonar la carga adrenalícica de la acción, ruidosa y terriblemente rabiosa, para refugiarse en las miradas y en los gestos de los protagonistas, silenciosos y amorosos.

Resulta, por consiguiente, merecidísimo el "Prix de la mise en scène" conquistado al "Festival de Cannes". El director danés confecciona una verdadera perla del género, es evidente que nos encontramos frente a una película de gran clase, aunque sí algunas personas podrían custionar las situaciones ya vistas y los personajes estereotipados, las mismas objeciones estériles de quién aún no entiende que el estereotipo o cliché en este tipo de pelicula, así como en el horror y en cualquier otra película de género (Wes Craven y la tetralogía "Scream" enseñan), son elementos indispensables en donde se puede personalizar el propio estilo y la propria visión, Nicolas Winding Refn individualiza su trabajo de manera excelente.

"Drive" es un emocionante y verdadero viaje largo 95 minutos, con sus cambios de velocidad y maniobras bruscas, que es la misma autopista a pedir en voz alta. Es romanticismo puro, doloroso, atenuado, ultra-noir. Dejaos despedazar por su nerviosismo, hipnotizar por la mirada generosa y salvaje de Nicolas Winding Refn, es pura experiencia cinematográfica. Sin lugar a dudas uno de los mejores estrenos en lo que va del año.

Valoración : 9.5/10

En dos palabras : Óxido. Metal. Escorpión. Velocidad, antes de la repentina aceleración, y antes de la perturbadora frenada. "Drive" podría se considerado el noir por excelencia del nuevo milenio, una película que confirma ampliamente el talento de Nicolas Winding Refn. El director danés, a su primera experiencia hollywoodiana, ha realizado un film de rara belleza, impregnado de amor y violencia, ambos manifestados extremamente entre los límites humanos, un film "de pocas palabras" pero incluso con sus silencios, consigue decir tanto, tantísimo. Una "pequeña" gran joya del cine contemporáneo.