50. The Scientist - Coldplay (2002)
49. Seven Nation Army - The White Stripes (2003)
48. Dragon Fly - Yann Tiersen & Shannon Wright (2004)
47. A Song For Ellie Greenwich - Parenthetical Girls (2008)
46. Lovely Head - Goldfrapp (2000)
septiembre 29, 2010
Las 50 Mejores Canciones de la Década "00" I.
49. Seven Nation Army - The White Stripes (2003)
48. Dragon Fly - Yann Tiersen & Shannon Wright (2004)
47. A Song For Ellie Greenwich - Parenthetical Girls (2008)
46. Lovely Head - Goldfrapp (2000)
septiembre 26, 2010
Las 50 Mejores Películas de la Década "00" IV.
Tantísimas películas han contado, reinventado, descompuesto, esplorado las metrópolis post-modernas; pocas han conseguido hacerlo como "Collateral", thriller visionario no ambientado sino más bien encarnado en las entrañas pulsantes de la ciudad de Los Ángeles. El grande Michael Mann, director fuerte y concreto nos regala un clásico del género, una de aquellas películas que por la originalidad de la idea y la inspiración de la confección se recuerdan nitidamente durante tantos años. (traíler)
19. La Meglio Gioventù (The Best Of Youth) - Marco Tullio Giordana (2003)
Con "La Meglio Gioventù" la cinematografía italiana, finalmente, puede poner entre sus grandes obras una película de grande respiro, capaz de leer la historia sin prejuicios o histerismos de aficionado, capaz de proveer la representación de una época histórica que abaza los últimos cuarenta años de los atormentados acontecimientos italianos. Una película maravillosa, estupendamente dirigida , magistralmente escrita y sorprendentemente interpretada. Una verdadera joya. (traíler)
Con "La Meglio Gioventù" la cinematografía italiana, finalmente, puede poner entre sus grandes obras una película de grande respiro, capaz de leer la historia sin prejuicios o histerismos de aficionado, capaz de proveer la representación de una época histórica que abaza los últimos cuarenta años de los atormentados acontecimientos italianos. Una película maravillosa, estupendamente dirigida , magistralmente escrita y sorprendentemente interpretada. Una verdadera joya. (traíler)
18. Caché (Hidden) - Michael Haneke (2005)
Una lenta pesadilla, aquella descrita por el genio de Michael Haneke, que mezcla una "simple" cámara con un engañoso y cuidadoso montaje, de tal manera de confundir inteligentemente la realidad filmada por él mismo a aquella propuesta por el personaje, el verdadero protagonista de la película, que no vemos y del cual intuimos sólo, con dificultad, las recónditas intenciones. Película bellísima en la forma, pero sádicamente impenetrable en el contenido, absolutamente su obra más personal, deslumbrante e imprescindible. (traíler)
Una lenta pesadilla, aquella descrita por el genio de Michael Haneke, que mezcla una "simple" cámara con un engañoso y cuidadoso montaje, de tal manera de confundir inteligentemente la realidad filmada por él mismo a aquella propuesta por el personaje, el verdadero protagonista de la película, que no vemos y del cual intuimos sólo, con dificultad, las recónditas intenciones. Película bellísima en la forma, pero sádicamente impenetrable en el contenido, absolutamente su obra más personal, deslumbrante e imprescindible. (traíler)
17. 3 Iron - Kim Ki-duk (2004)
Mágica metáfora sobre el cine abierto/cerrado, lleno/vacío, fértil/muerto. Una extraordinaria historia de amor (sobre todos los sentimentos) donde el corazón escapa del cuerpo, y una vez capturato, el amor lo coloca en suo interior. Una obra inmensa sobre la immensidad de los pequeños espacios, sobre la poesía surgida de la cotidianidad y en este reino (cinematográfico/real) que rechaza la palabra, una vez que consigue conmover también en el ámbito de su serenidad, la chispa esta definitivamente encendida. Mágica. (traíler)
Mágica metáfora sobre el cine abierto/cerrado, lleno/vacío, fértil/muerto. Una extraordinaria historia de amor (sobre todos los sentimentos) donde el corazón escapa del cuerpo, y una vez capturato, el amor lo coloca en suo interior. Una obra inmensa sobre la immensidad de los pequeños espacios, sobre la poesía surgida de la cotidianidad y en este reino (cinematográfico/real) que rechaza la palabra, una vez que consigue conmover también en el ámbito de su serenidad, la chispa esta definitivamente encendida. Mágica. (traíler)
16. Million Dollar Baby - Clint Eastwood (2004)
El cine de Clint Eastwwod, es un cine de viejo estilo, un cine hecho de blanco y de negro, de sombras y de sentimientos. "Million Dollar Baby" te coge de la mano, y te cuenta de personas, de su presente, de sus arrepentimientos y de sus sueños, haciendotelos vivir en primera persona, y por eso sufres, ríes, lloras, exultas y reflexionas como si fueras tú el protagonista, como si todo esto estuviera sucediendo a tí. Y si esto no es un grande mérito, entoces quiere decir que el cine ha perdido de vista las propias imprescindibles orígenes. (traíler)
El cine de Clint Eastwwod, es un cine de viejo estilo, un cine hecho de blanco y de negro, de sombras y de sentimientos. "Million Dollar Baby" te coge de la mano, y te cuenta de personas, de su presente, de sus arrepentimientos y de sus sueños, haciendotelos vivir en primera persona, y por eso sufres, ríes, lloras, exultas y reflexionas como si fueras tú el protagonista, como si todo esto estuviera sucediendo a tí. Y si esto no es un grande mérito, entoces quiere decir que el cine ha perdido de vista las propias imprescindibles orígenes. (traíler)
15. Into The Wild - Sean Penn (2007)
Conmovedora, poética, capaz de emocionar, apasionar y hacer reflexionar al espectador, subdivisa en capítulos, que inician desde la infancia, pasando por la adolescencia hasta llegar a la edad adulta, la película se transforma en un viaje físico y metafísico, interior y exterior, a través de una America besada por la naturaleza, como pocas veces habíamos visto en pantalla. Una película del desarrollo narrativo totalmente convincente y totalmente auténtico que hasta nosotros mismos como Chris McCandless al final no podemos no tomar cosciencia que "la felicidad es real sólo si es compartida". (traíler)
Conmovedora, poética, capaz de emocionar, apasionar y hacer reflexionar al espectador, subdivisa en capítulos, que inician desde la infancia, pasando por la adolescencia hasta llegar a la edad adulta, la película se transforma en un viaje físico y metafísico, interior y exterior, a través de una America besada por la naturaleza, como pocas veces habíamos visto en pantalla. Una película del desarrollo narrativo totalmente convincente y totalmente auténtico que hasta nosotros mismos como Chris McCandless al final no podemos no tomar cosciencia que "la felicidad es real sólo si es compartida". (traíler)
14. Gommorra (Gomorrah) - Matteo Garrone (2008)
Una potente representación de una realidad a sí misma, dominada por la ley del ojo por ojo y por peligrosos ritos de iniciación, bastan cinco historias para expresar la idea de aquella grande "industria" que parte desde la gente más normal y llega a condicionar superestructuras ¿mundiales? el interrogativo a la larga parece inútil. "Gomorra" de Garrone no es Gomorra de Saviano: no podía serlo desde el principio, porqué el haber simplemente transportado sobre película fotográfica aquellas páginas hubiera sido una jugada suicida. Nos encontramos frente al ápice de la cinematografía italiana en este decenio. (traíler)
13. Spirited Away - Hayao Miyazaki (2001)
Una potente representación de una realidad a sí misma, dominada por la ley del ojo por ojo y por peligrosos ritos de iniciación, bastan cinco historias para expresar la idea de aquella grande "industria" que parte desde la gente más normal y llega a condicionar superestructuras ¿mundiales? el interrogativo a la larga parece inútil. "Gomorra" de Garrone no es Gomorra de Saviano: no podía serlo desde el principio, porqué el haber simplemente transportado sobre película fotográfica aquellas páginas hubiera sido una jugada suicida. Nos encontramos frente al ápice de la cinematografía italiana en este decenio. (traíler)
Recorrido onírico aquello realizado por la joven protagonista de la película del maestro japonés Hayao Miyazaki. Una especie de viaje en el inconsciente hecho necesario por el difícil paso da la infancia a la adolescencia, cuyo mundo interior, rico de esperanza, se tropieza con la concreción de la vida. Un carnaval sensasional de colores, ambientes místicos e ideas fantásticas, pero también una metáfora clara y potentísima sobre el final de la infancia y sobre el poder de la memoria. Obra maestra absoluta. (traíler)
Una película dura, aparentemente distante, fuertemente masculina (como a menudo sucede en el género carcelario),"Un Prophète" es un largometraje de la coherencia interior extraordinaria, que propone una historia de género a una idea cinematográfica completamente personal, es tan brillante que se puede permitir de citar explicitamente numerosos prison movies y crime movies sin que esto resulte artificioso o descontextualizante con la historia narrada. Las escenas de antología son incontanbles en esta grande obra maestra. (traíler)
11. The Lord Of The Rings Trilogy - Peter Jackson (2001-2003)
Un memorable espectáculo para los ojos, para la mente y para el corazón. Magos, hechiceros, enanos, elfos, goblins... una girándula de acontecimientos, emociones, visiones y sugestiones que possen raíces en la literatura de un autor histórico que ha influenciado a tantas generaciones. Peter Jackson consigue maniobrar un presupuesto colosal y un mito literario con el sentido práctico de un artesano y la inspiración creativa de un visionario genio del fantástico, realizando una obra maestra extasiante que brilla con luz propia y fortifica el género fantasy. Sin duda alguna una de las mejores trilogías de la historia del cine. (traíler)
Un memorable espectáculo para los ojos, para la mente y para el corazón. Magos, hechiceros, enanos, elfos, goblins... una girándula de acontecimientos, emociones, visiones y sugestiones que possen raíces en la literatura de un autor histórico que ha influenciado a tantas generaciones. Peter Jackson consigue maniobrar un presupuesto colosal y un mito literario con el sentido práctico de un artesano y la inspiración creativa de un visionario genio del fantástico, realizando una obra maestra extasiante que brilla con luz propia y fortifica el género fantasy. Sin duda alguna una de las mejores trilogías de la historia del cine. (traíler)
septiembre 22, 2010
Película del día...
Going The Distance - Nanette Burstein , 2010
4 motivos para ver esta película :
-...Por que se encuentran a disposición todos los ingredientes necesarios, para ser sabiamente mezclados : el encuentro fortuito, la alquimia explosiva, los celos, los amigos de él irresistiblemente divertidos, la hermana de ella maníaca de la limpieza, el sexo, para hacer, para discutir y para divertirse, las complicaciones y el típico momento "conmovedor", necesario en cada comedia romántica de respeto. Este amor a distancia... es sin embargo diferente de las otras (tantas) comedias parecidas vistas en lo cines en los últimos tiempos, simplemente por que es más sincera, más desiquilibrada y por este motivo mucho más real.
-...Por que lleva en pantalla una idea en realidad bastante simple, que milliones de personas en todo el mundo vivirán cada día sobre la propia piel, es decir aquella historia a distancia entre un hombre y una mujer totalmente enamorados capaces de soportar las evidentes dificultades en el mantener viva una relación, Nanette Burstein ha conseguido expresar todo en una manera increíblemente ingeniosa, gracias a personajes secundarios finalmente simpáticos, a ideas hilarantes, como por ejemplo los "acompañamientos musicales", y sobre todo a dos protagonistas en perfecta sintonía, y a un guión fluido y entusiasmante, condimentado por diálogos explosivos, nunca banales y a menudo forzadamente excesivos.
-...Por que "Going The Distance" confirma la capacidad de Drew Barrymore en el coger inteligentemente los guiones justos, tanto es así que en los últimos 15 años de carrera se ha convertido en una verdadera y propia seguridad en el mundo de la "comedia sentimental". Su personaje, que habla de sexo oral en ámbito femenino con su hermana, interpretada por una bella, hiper-protectiva y divertida Christina Applegate, y se "abandona" en una larga conversación telefónica erótica con sun pareja, masturbándose bajo las sábanas, deja huella, llevando de esta manera en pantalla la imagen de una mujer sexualmente explícita y desvergonzada exactamente como la contraparte masculina, y por una vez "excitada" como la otra mitad de la naranja. De mencionar la convincente interpretación del cada vez más consagrado Justin Long.
-...Por que aquello que emerge principalmente en la película es un cuadro mostruosamente verídico, en el saber relacionarse, en los obstáculos que se encuentran en el mantener una relación a distancia y en las elecciones que por consiguiente serán obligados a hacer a nuestros dos protagonistas, entre una carcajada y un puño en el estómago, como sólo las comedias románticas más logradas (como esta) saben hacer… "Going The Distance" es una encantadora sorpresa que divierte y sobre todo que no tiene miedo en osar, transformando aquello que podía ser una "romantic comedy" como tantas, en algo de simplemente alternativo, que posee además, el mérito de dirigirse por una vez a un grupo de espectadores más amplio a lo acostumbrado.
En dos palabras : Romántica, irónica, cínica, irriverente, real, condimentada por docenas y docenas de malas palabras, graciosas y a momentos casi vulgares, pero por esto mostruosamente "creíbles", convence, también por el fantástico sosteño de los protagonistas : Drew Barrymore y Justin Long, espléndidos y locamente enamorados en la película como en la vida real. Recomendable.
4 motivos para ver esta película :
-...Por que se encuentran a disposición todos los ingredientes necesarios, para ser sabiamente mezclados : el encuentro fortuito, la alquimia explosiva, los celos, los amigos de él irresistiblemente divertidos, la hermana de ella maníaca de la limpieza, el sexo, para hacer, para discutir y para divertirse, las complicaciones y el típico momento "conmovedor", necesario en cada comedia romántica de respeto. Este amor a distancia... es sin embargo diferente de las otras (tantas) comedias parecidas vistas en lo cines en los últimos tiempos, simplemente por que es más sincera, más desiquilibrada y por este motivo mucho más real.
-...Por que lleva en pantalla una idea en realidad bastante simple, que milliones de personas en todo el mundo vivirán cada día sobre la propia piel, es decir aquella historia a distancia entre un hombre y una mujer totalmente enamorados capaces de soportar las evidentes dificultades en el mantener viva una relación, Nanette Burstein ha conseguido expresar todo en una manera increíblemente ingeniosa, gracias a personajes secundarios finalmente simpáticos, a ideas hilarantes, como por ejemplo los "acompañamientos musicales", y sobre todo a dos protagonistas en perfecta sintonía, y a un guión fluido y entusiasmante, condimentado por diálogos explosivos, nunca banales y a menudo forzadamente excesivos.
-...Por que "Going The Distance" confirma la capacidad de Drew Barrymore en el coger inteligentemente los guiones justos, tanto es así que en los últimos 15 años de carrera se ha convertido en una verdadera y propia seguridad en el mundo de la "comedia sentimental". Su personaje, que habla de sexo oral en ámbito femenino con su hermana, interpretada por una bella, hiper-protectiva y divertida Christina Applegate, y se "abandona" en una larga conversación telefónica erótica con sun pareja, masturbándose bajo las sábanas, deja huella, llevando de esta manera en pantalla la imagen de una mujer sexualmente explícita y desvergonzada exactamente como la contraparte masculina, y por una vez "excitada" como la otra mitad de la naranja. De mencionar la convincente interpretación del cada vez más consagrado Justin Long.
-...Por que aquello que emerge principalmente en la película es un cuadro mostruosamente verídico, en el saber relacionarse, en los obstáculos que se encuentran en el mantener una relación a distancia y en las elecciones que por consiguiente serán obligados a hacer a nuestros dos protagonistas, entre una carcajada y un puño en el estómago, como sólo las comedias románticas más logradas (como esta) saben hacer… "Going The Distance" es una encantadora sorpresa que divierte y sobre todo que no tiene miedo en osar, transformando aquello que podía ser una "romantic comedy" como tantas, en algo de simplemente alternativo, que posee además, el mérito de dirigirse por una vez a un grupo de espectadores más amplio a lo acostumbrado.
Valoración : 7 / 10
En dos palabras : Romántica, irónica, cínica, irriverente, real, condimentada por docenas y docenas de malas palabras, graciosas y a momentos casi vulgares, pero por esto mostruosamente "creíbles", convence, también por el fantástico sosteño de los protagonistas : Drew Barrymore y Justin Long, espléndidos y locamente enamorados en la película como en la vida real. Recomendable.
septiembre 20, 2010
Disco Fundamental...
The Queen Is Dead - The Smiths (1986)
Género : Pop
Tracklist :
01. The Queen Is Dead
02. Frankly, Mr. Shankly
03. I Know It's Over
04. Never Had No One Ever
05. Cemetery Gates
06. Bigmouth Strikes Again
07. The Boy With The Thorn In His Side
08. Vicar in A Tutu
09. There Is A Light That Never Goes Out
10. Some Girls Are Bigger Than Others
Pocos grupos como The Smiths han conseguido crear un vínculo de cercana adopción afectiva y completa identificación empática con el propio público, vínculo capaz de permanecer prácticamente inalterado (una especie de pacto o culto laico) a distancia de años desde su disolución. Y menos aún han sido los grupos capaces, como ellos, de encarnar hasta el final la complejidad de una específica época cultural e historica, convirtiendose en un megáfono para el grito de toda una generación. Manchester, que ya había dado a conocer a los Joy Division a finales de los años setanta, encontrará en la década sucesiva una única figura dominante y "paradigmática": aquella de The Smiths. Al éxito irrefrenable de esta leyenda han contribuido igualmente un estilo musical extremadamente reconocible en sus aparentemente simples movimientos y en la figura carismática y egocéntrica de Morrissey, cantante, sutilísimo hostigador de la sociedad inglés, y también refinado escritor "prestado" a la música.
La definitiva consagración de The Smiths llegará en 1986 con el que sin lugar a dudas es su mejor trabajo, "The Queen Is Dead" Musicalmente el disco no se aleja demasiado de la restante producción smithsiana (caracterizada, por una homogeneidad universal, y también cualitativa). El disco debía originalmente intitularse "Margaret On The Guillotine" (enésima provocación con estilo mordaz a Margaret Thatcher), a testificación por una intolerancia cada vez más trágica e inevitable en contra de un país deteriorado ya sea desde el punto de vista moral, que desde aquello político. El disco de hecho, entra en la historia del rock británico más que los otros, por conseguir en cierto modo sintetizar aquella que al final es la "imagen" de The Smiths, a través de un ágil proceso de selección de diez composiciones suficientemente caracterizadas y estilísticamente bien "separadas" unas con otras. Por lo tanto, es en este disco que se encuentran algunos de los frutos más logrados y convincentes del binomio Morrissey-Marr.
El impacto che la obra musical (y poética) del gruppo guiado por Steven Patrick Morrissey y Johnny Marr ha tenido en la cultura británica es absolutamente todavía más que tangible, tanto es así que se podría casi decir que, desde el año de su disolución hasta el día de hoy, el grupo nunca ha dejado de ser actual (con un ápice significativo en los años del brit-pop). No está nada mal para un grupo que jamás ha tenido la pretensión de experimentar lo "nuevo", en la búsqueda de un "canto hermoso" capaz de crear y preservar una verdad existencial libre de las máscaras mistificantes y traidoras de las ideologías y de los fáciles conformismos. Búsqueda terminada con la realización de su obra maestra "The Queen Is Dead"...
Género : Pop
Tracklist :
01. The Queen Is Dead
02. Frankly, Mr. Shankly
03. I Know It's Over
04. Never Had No One Ever
05. Cemetery Gates
06. Bigmouth Strikes Again
07. The Boy With The Thorn In His Side
08. Vicar in A Tutu
09. There Is A Light That Never Goes Out
10. Some Girls Are Bigger Than Others
Pocos grupos como The Smiths han conseguido crear un vínculo de cercana adopción afectiva y completa identificación empática con el propio público, vínculo capaz de permanecer prácticamente inalterado (una especie de pacto o culto laico) a distancia de años desde su disolución. Y menos aún han sido los grupos capaces, como ellos, de encarnar hasta el final la complejidad de una específica época cultural e historica, convirtiendose en un megáfono para el grito de toda una generación. Manchester, que ya había dado a conocer a los Joy Division a finales de los años setanta, encontrará en la década sucesiva una única figura dominante y "paradigmática": aquella de The Smiths. Al éxito irrefrenable de esta leyenda han contribuido igualmente un estilo musical extremadamente reconocible en sus aparentemente simples movimientos y en la figura carismática y egocéntrica de Morrissey, cantante, sutilísimo hostigador de la sociedad inglés, y también refinado escritor "prestado" a la música.
La definitiva consagración de The Smiths llegará en 1986 con el que sin lugar a dudas es su mejor trabajo, "The Queen Is Dead" Musicalmente el disco no se aleja demasiado de la restante producción smithsiana (caracterizada, por una homogeneidad universal, y también cualitativa). El disco debía originalmente intitularse "Margaret On The Guillotine" (enésima provocación con estilo mordaz a Margaret Thatcher), a testificación por una intolerancia cada vez más trágica e inevitable en contra de un país deteriorado ya sea desde el punto de vista moral, que desde aquello político. El disco de hecho, entra en la historia del rock británico más que los otros, por conseguir en cierto modo sintetizar aquella que al final es la "imagen" de The Smiths, a través de un ágil proceso de selección de diez composiciones suficientemente caracterizadas y estilísticamente bien "separadas" unas con otras. Por lo tanto, es en este disco que se encuentran algunos de los frutos más logrados y convincentes del binomio Morrissey-Marr.
El impacto che la obra musical (y poética) del gruppo guiado por Steven Patrick Morrissey y Johnny Marr ha tenido en la cultura británica es absolutamente todavía más que tangible, tanto es así que se podría casi decir que, desde el año de su disolución hasta el día de hoy, el grupo nunca ha dejado de ser actual (con un ápice significativo en los años del brit-pop). No está nada mal para un grupo que jamás ha tenido la pretensión de experimentar lo "nuevo", en la búsqueda de un "canto hermoso" capaz de crear y preservar una verdad existencial libre de las máscaras mistificantes y traidoras de las ideologías y de los fáciles conformismos. Búsqueda terminada con la realización de su obra maestra "The Queen Is Dead"...
* 3 Memorables Temas :
There Is A Light That Never Goes Out
septiembre 18, 2010
Película del día...
Eat, Pray, Love - Ryan Murphy , 2010
4 motivos para ver o no esta película :
-...Por que iniciando desde el título, que de alguna manera etiqueta inmediatamente las tres etapas que la protagonista vivirá sobre su propia piel para reencontrarse con sí misma, se intuye como la película sea un concentrado abominable de tópicos: En Italia, tierra del "dulce no hacer nada", para disfrutar la vida, vivir el día a día, filosofar con los amigos y saciarse de exquisitices desde la mañana a la noche; en India para encontrar la calma, el poder de la paz interior; en Bali, para llegar al equilibrio, espiritual y, sin olvidadar desde luego el amor. Este “simple” enredo, ha sido verdaderamente vivido por Elizabeth Gilbert (autora del libro), pero Ryan Murphy se pierde desgraciadamente en el interior de un guión (escrito junto a Jennifer Salt), cuestionable en la representación de la realidad, a comenzar con una visión de Italia sinceramente ridícula, por no decir embarazosa, por no decir desatinada, o sea simplemente hollywoodiana.
-...Por que todo nos parece falso, novelesco, excesivo, o casi. En "Eat, Pray, Love" todo huele a estereotipado : Desde la fotografía inexplicablemente radiante, con rostros, objetos y superficies de cada tipo perennemente iluminados de día por una aura paradisíaca que vuelve todo etéreo, a la crisis existencial de la protagonista, iniciada no se sabe cómo, ni porqué, pasando por las etapas del "Vía Crucis" que deberá hacerla resurgir más fuerte y luminosa que antes, hasta el momento de la redención y del equilibrio interior finalmente encontrado, en una Bali de postal con camas con dosel inmersas en la naturaleza pura e incontaminada.
-...Por que el único punto a favor de esta película es el óptimo cast, obviamente gran parte, sostenido por aquella sonrisa única e inimitable de Julia Roberts. Solar, reflexiva, deprimida, enamorada, desesperada, divertida, hambrienta, meditativa. Son tantos los rostros de la actriz llevados con fuerza y esfurzo en pantalla, iluminados por su habilidad y por su hipnótica mirada, ayudada también por un "sabio" Richard Jenkins (cuya tarea es recitar un logrado y complicado monólogo), por un amable Javier Bardem, y por un fascinante James Franco... Un cast lamentablemente desperdiciado que no basta a levantar la película.
-...Por que es una película edulcoradamente escenográfica, musicada correctamente por Dario Marinelli, fotográficamente fastidiosa, técnicamente "bien" dirigida, aparte un par de planos-contraplanos finales equivocados, débillmente escrita, incorrectamente pensada y realizada, e increíblemente larga (140 minutos son una verdadera locura), "Eat, Pray, Love" decepciona bajo tantos puntos de vista, confirmando dos verdades absolutas sobre la actual industria hollywoodiana: que aún tiene necesidad de Julia Roberts; y que representa a Italia (todavía) como una postal asentada en las "Vacaciones en Roma" de memoria hepburiana. Ya no se puede más!!!.
En dos palabras : "Eat, Pray, Love", da pena decirlo, pero es un producto típicamente americano, negativamente hablando, desafortunadamente. Ryan Murphy y Jennifer Salt (co-guionistas), han conseguido realizar una película completamente sumergida en los clichéa de género, empalagosa, excesivamente mística y profundamente frágil... Obra fácilmente olvidable.
-...Por que iniciando desde el título, que de alguna manera etiqueta inmediatamente las tres etapas que la protagonista vivirá sobre su propia piel para reencontrarse con sí misma, se intuye como la película sea un concentrado abominable de tópicos: En Italia, tierra del "dulce no hacer nada", para disfrutar la vida, vivir el día a día, filosofar con los amigos y saciarse de exquisitices desde la mañana a la noche; en India para encontrar la calma, el poder de la paz interior; en Bali, para llegar al equilibrio, espiritual y, sin olvidadar desde luego el amor. Este “simple” enredo, ha sido verdaderamente vivido por Elizabeth Gilbert (autora del libro), pero Ryan Murphy se pierde desgraciadamente en el interior de un guión (escrito junto a Jennifer Salt), cuestionable en la representación de la realidad, a comenzar con una visión de Italia sinceramente ridícula, por no decir embarazosa, por no decir desatinada, o sea simplemente hollywoodiana.
-...Por que todo nos parece falso, novelesco, excesivo, o casi. En "Eat, Pray, Love" todo huele a estereotipado : Desde la fotografía inexplicablemente radiante, con rostros, objetos y superficies de cada tipo perennemente iluminados de día por una aura paradisíaca que vuelve todo etéreo, a la crisis existencial de la protagonista, iniciada no se sabe cómo, ni porqué, pasando por las etapas del "Vía Crucis" que deberá hacerla resurgir más fuerte y luminosa que antes, hasta el momento de la redención y del equilibrio interior finalmente encontrado, en una Bali de postal con camas con dosel inmersas en la naturaleza pura e incontaminada.
-...Por que el único punto a favor de esta película es el óptimo cast, obviamente gran parte, sostenido por aquella sonrisa única e inimitable de Julia Roberts. Solar, reflexiva, deprimida, enamorada, desesperada, divertida, hambrienta, meditativa. Son tantos los rostros de la actriz llevados con fuerza y esfurzo en pantalla, iluminados por su habilidad y por su hipnótica mirada, ayudada también por un "sabio" Richard Jenkins (cuya tarea es recitar un logrado y complicado monólogo), por un amable Javier Bardem, y por un fascinante James Franco... Un cast lamentablemente desperdiciado que no basta a levantar la película.
-...Por que es una película edulcoradamente escenográfica, musicada correctamente por Dario Marinelli, fotográficamente fastidiosa, técnicamente "bien" dirigida, aparte un par de planos-contraplanos finales equivocados, débillmente escrita, incorrectamente pensada y realizada, e increíblemente larga (140 minutos son una verdadera locura), "Eat, Pray, Love" decepciona bajo tantos puntos de vista, confirmando dos verdades absolutas sobre la actual industria hollywoodiana: que aún tiene necesidad de Julia Roberts; y que representa a Italia (todavía) como una postal asentada en las "Vacaciones en Roma" de memoria hepburiana. Ya no se puede más!!!.
Valoración : 4 / 10
En dos palabras : "Eat, Pray, Love", da pena decirlo, pero es un producto típicamente americano, negativamente hablando, desafortunadamente. Ryan Murphy y Jennifer Salt (co-guionistas), han conseguido realizar una película completamente sumergida en los clichéa de género, empalagosa, excesivamente mística y profundamente frágil... Obra fácilmente olvidable.
septiembre 17, 2010
Los 50 Mejores Discos de la Década "00" III.
30. Maaäet de Tenhi (2006)
Dark-Folk
...Dulce elegía de las cosas que cambian, desconsolada contemplación de lentos e inexorables movimientos, "Maaäet" es una obra totalmente aliena de todo aquello que se puede encontrar actualmente en el panorama musical. De no fácil acceso, pretende una atención y una abertura mental que tal vez pocos oyentes tienen ganas, o son capaces, de dar a un "simple" disco. Para aquellos pocos (felices) se trata de algo que quedará en las más profundas e íntimas emociones...
Best tracks :
*Varpuspäivä
*Vähäinen Violetissa
*Tuulenkaato
29. Black Sheep Boy de Okkervil River (2005)
...Dulce elegía de las cosas que cambian, desconsolada contemplación de lentos e inexorables movimientos, "Maaäet" es una obra totalmente aliena de todo aquello que se puede encontrar actualmente en el panorama musical. De no fácil acceso, pretende una atención y una abertura mental que tal vez pocos oyentes tienen ganas, o son capaces, de dar a un "simple" disco. Para aquellos pocos (felices) se trata de algo que quedará en las más profundas e íntimas emociones...
Best tracks :
*Varpuspäivä
*Vähäinen Violetissa
*Tuulenkaato
29. Black Sheep Boy de Okkervil River (2005)
Folk-Rock
..."Black Sheep Boy" es verdaderamente una piedra preciosa, una de aquellas perlas que, una vez encontrada, nos la llevamos siempre con nosotros durante toda nuestra existencia. El fantástico trabajo de los texanos Okkervil River borda argumentos intensos e claroscurales, fundiendo con una envidiable naturalidad el folk-rock dylaniano, el country-pop de los Wilco y la psicodelia desviada de los Incredibile String Band...
Best tracks :
*For Real
*Black
*A Glow
28. Andrew Bird & The Mysterious Production Of Eggs de Andrew Bird (2005)
..."Black Sheep Boy" es verdaderamente una piedra preciosa, una de aquellas perlas que, una vez encontrada, nos la llevamos siempre con nosotros durante toda nuestra existencia. El fantástico trabajo de los texanos Okkervil River borda argumentos intensos e claroscurales, fundiendo con una envidiable naturalidad el folk-rock dylaniano, el country-pop de los Wilco y la psicodelia desviada de los Incredibile String Band...
Best tracks :
*For Real
*Black
*A Glow
28. Andrew Bird & The Mysterious Production Of Eggs de Andrew Bird (2005)
Songwriter
...Andrew Bird sabe donar una nueva linfa vital a la escritura, reencendiendo aquella llama casi apagada por la monotonía musical de hoy en día. Aquello che emerge en la música del cantautor estadounidense es un fantasioso acercamineto a rienda suelta en la composición, pero sobre todo la enorme capacidad de transformar un sencillo disco folk-pop en una experiencia original, sutilmente cambiante y satisfactorio...
Best tracks :
*Sovay
*Measuring Cups
*Masterfade
27. Systems/Layers de Rachel's (2003)
...Andrew Bird sabe donar una nueva linfa vital a la escritura, reencendiendo aquella llama casi apagada por la monotonía musical de hoy en día. Aquello che emerge en la música del cantautor estadounidense es un fantasioso acercamineto a rienda suelta en la composición, pero sobre todo la enorme capacidad de transformar un sencillo disco folk-pop en una experiencia original, sutilmente cambiante y satisfactorio...
Best tracks :
*Sovay
*Measuring Cups
*Masterfade
27. Systems/Layers de Rachel's (2003)
Post-Rock
...Una casi total ausencia de percusiones, un progresivo destacamento por la ciclicidad minimalista, a momentos bastante oscuro con grandes aberturas románticas, disco descriptivo, expresionista, melancólico, alternancia y superposición de arcos y de partes instrumentales con rumores ambientales, utilización esporádica de la electrónica, voces, violonchelos dramatúrgicos, pianos existenciales, e incluso una canción, todo esto hace de Systems/Layers un disco bellísimo...
Best tracks :
*Water From the Same Source
*Esperanza
*Last Things Last
26. Night Falls Over Kortedala de Jens Lekman (2007)
...Una casi total ausencia de percusiones, un progresivo destacamento por la ciclicidad minimalista, a momentos bastante oscuro con grandes aberturas románticas, disco descriptivo, expresionista, melancólico, alternancia y superposición de arcos y de partes instrumentales con rumores ambientales, utilización esporádica de la electrónica, voces, violonchelos dramatúrgicos, pianos existenciales, e incluso una canción, todo esto hace de Systems/Layers un disco bellísimo...
Best tracks :
*Water From the Same Source
*Esperanza
*Last Things Last
26. Night Falls Over Kortedala de Jens Lekman (2007)
Songwriter, Pop
...Entretenido y romántico, implicante y rico, verdadero clásico contemporáneo sobre el amor, pero el sentimento en el disco nunca es débil o banal. “Night Falls Over Kortedala” es un disco que nunca te cansas de escuchar, un disco que rapresenta una huella de una maduración artística importante e innegable, con la cual Jens Lekman demuestra de poder imponerse como uno de los cantantes a tener en cuenta en los próximos años...
Best tracks :
*Sipping on the Sweet Nectar
*A Postcard To Nina
*Your Arms Around Me
25. Heat de Colder (2005)
...Entretenido y romántico, implicante y rico, verdadero clásico contemporáneo sobre el amor, pero el sentimento en el disco nunca es débil o banal. “Night Falls Over Kortedala” es un disco que nunca te cansas de escuchar, un disco que rapresenta una huella de una maduración artística importante e innegable, con la cual Jens Lekman demuestra de poder imponerse como uno de los cantantes a tener en cuenta en los próximos años...
Best tracks :
*Sipping on the Sweet Nectar
*A Postcard To Nina
*Your Arms Around Me
25. Heat de Colder (2005)
Electro-Wave
...Segunda obra de Marc Nguyen Tan alias Colder, gráfico y productore parisino, que detrás de la sombra Joy Division revela una versatilidad y una maestría por la electrónica del todo desconocida. "Heat" pone definitivamente sobre la mesa el Colder-sound, hundiendolo en ambientes aún más turbios y sensuales. Diez "pequeñas piezas" electrónicas para noches de insomnio, que se te insinuan bajo la piel dejándote una delicada sensación de inquietud...
Best tracks :
*Losing Myself
*To the Music
*Your Face
24. Scott Matthew de Scott Matthew (2008)
...Segunda obra de Marc Nguyen Tan alias Colder, gráfico y productore parisino, que detrás de la sombra Joy Division revela una versatilidad y una maestría por la electrónica del todo desconocida. "Heat" pone definitivamente sobre la mesa el Colder-sound, hundiendolo en ambientes aún más turbios y sensuales. Diez "pequeñas piezas" electrónicas para noches de insomnio, que se te insinuan bajo la piel dejándote una delicada sensación de inquietud...
Best tracks :
*Losing Myself
*To the Music
*Your Face
24. Scott Matthew de Scott Matthew (2008)
Songwriter, Folk-Pop
...Historias de abandonos y soledades como amputaciones físicas, cicatrices invisibles de dolor para ser curaradas con cirugía emotiva, un songwriting que transforma la dulzura en tristeza y melancolía; de por sí no es una novedad, pero la realización de Matthew Scott posee la fuerza expresiva para llegar directamente al corazón, arrullandote en la belleza triste de una hoja caída en otoño o dejándote sin aliento corriendo tras la voz perdida en el éxtasis de las emociones más puras y dolorosas...
Best tracks :
*Abandoned
*Habit
*In The End
23. Debridement de Rivulets (2003)
...Historias de abandonos y soledades como amputaciones físicas, cicatrices invisibles de dolor para ser curaradas con cirugía emotiva, un songwriting que transforma la dulzura en tristeza y melancolía; de por sí no es una novedad, pero la realización de Matthew Scott posee la fuerza expresiva para llegar directamente al corazón, arrullandote en la belleza triste de una hoja caída en otoño o dejándote sin aliento corriendo tras la voz perdida en el éxtasis de las emociones más puras y dolorosas...
Best tracks :
*Abandoned
*Habit
*In The End
23. Debridement de Rivulets (2003)
Songwriter, Folk
...Un disco que lentamente te invade en una forma sutil e intrigante, te arrastra dentro como una fea sensación es el estómago a la cual no sabes dar ni un nombre ni un porqué. Es como si con esta música sintieras algo de equivocado. Pero después en cierto punto aferras las mariposas de misterio y de inutilidad que aletean sobre estas flores musicales, y entonces entiendes la lucha, el gran trabajo musical y humano que esiste detrás de estos once temas folk, realizados y desmenuzados en una voz temblorosa y ligera. Maravilloso...
Best tracks :
*Cutter
*The Sunsets Can Be Beautiful (Even In Chicago)
*Shakes
22. Trust de Low (2002)
...Un disco que lentamente te invade en una forma sutil e intrigante, te arrastra dentro como una fea sensación es el estómago a la cual no sabes dar ni un nombre ni un porqué. Es como si con esta música sintieras algo de equivocado. Pero después en cierto punto aferras las mariposas de misterio y de inutilidad que aletean sobre estas flores musicales, y entonces entiendes la lucha, el gran trabajo musical y humano que esiste detrás de estos once temas folk, realizados y desmenuzados en una voz temblorosa y ligera. Maravilloso...
Best tracks :
*Cutter
*The Sunsets Can Be Beautiful (Even In Chicago)
*Shakes
22. Trust de Low (2002)
Rock
"Confianza" es una bella palabra, llena de esperanza y responsabilidad; los Low nos la regalan para acompañar una música fuera del tiempo, que merece y obtiene respeto, y que posee la innata capacidad de obtener el silencio de quien la escucha, porqué cuando se tiene la suerte de ser participe de las emocionies que emana non hay espacio para otra cosa, en el corazón y en el alma. El trio del Minnesota alcanza la perfección formal, en el equilibrio milagroso de los ingredientes que componen su extraordinaria música...
Best tracks :
*(That's How You Sing) Amazing Grace
*Canada
*Point Of Disgust
21. For Carnation de For Carnation (2000)
"Confianza" es una bella palabra, llena de esperanza y responsabilidad; los Low nos la regalan para acompañar una música fuera del tiempo, que merece y obtiene respeto, y que posee la innata capacidad de obtener el silencio de quien la escucha, porqué cuando se tiene la suerte de ser participe de las emocionies que emana non hay espacio para otra cosa, en el corazón y en el alma. El trio del Minnesota alcanza la perfección formal, en el equilibrio milagroso de los ingredientes que componen su extraordinaria música...
Best tracks :
*(That's How You Sing) Amazing Grace
*Canada
*Point Of Disgust
21. For Carnation de For Carnation (2000)
Slowcore, Post-Rock
...Parábola breve, pero extremadamente densa de significados, este disco posse el sabor de la noche, y en la noche Brian Mcmahan parece sumergirse. No hay que asombrarse, por lo tanto, si cosas que no encuentran alguna atención en el ruido y en la agitación del día recobren aquí el proprio espacio natural. El resultato es una música compleja e hipnótica, difícil de apreciar al primer contacto, oscurísimo pero infinitamente conmovedor... uno de las obras maestras del siempre discutido post-rock...
Best tracks :
*Emp. Man’s Blues
*Snoother
*Moonbeams
*Hacer click en las canciones para escucharlas.
...Parábola breve, pero extremadamente densa de significados, este disco posse el sabor de la noche, y en la noche Brian Mcmahan parece sumergirse. No hay que asombrarse, por lo tanto, si cosas que no encuentran alguna atención en el ruido y en la agitación del día recobren aquí el proprio espacio natural. El resultato es una música compleja e hipnótica, difícil de apreciar al primer contacto, oscurísimo pero infinitamente conmovedor... uno de las obras maestras del siempre discutido post-rock...
Best tracks :
*Emp. Man’s Blues
*Snoother
*Moonbeams
*Hacer click en las canciones para escucharlas.
septiembre 14, 2010
Película del día...
My Son, My Son, What Have Ye Done - Werner Herzog , 2009
5 motivos para ver esta película :
-...Por la intuición sorprendente de Herzog: contar una historia banal inspirandose en un delito realmente sucedido, sin atornillarse en vertiginosos puntos de giro o permanecer victima de la fascinación del horror exhibido, consiguiendo sin embargo modelar un sentimiento de profunda ansiedad que va creciendo en esta intensa e hipnótica meditación sobre un hombre y sus actos. En la selva de tinieblas de My Son, My Son, What Have Ye Done , Herzog empieza desde el punto de vista del investigador, se circunda de "otros" para reconstruir las etapas que han conducido al crimen, y para poder llenar los huecos negros se ve obligado a convertirse en una sola figura con el protagonista del delito, introduciendonos en un viaje terrible dentro de la mente de un homicida.
-...Por que una vez más Herzog hace dialogar al ser humano con la naturaleza. No pudiendo por su índole permanecer en el espacio limitado de aquella calle de asfalto y plástica diseminada con chalets que hacen de teatro al delito, en los continuos flashback que animan la película se penetra en aquella naturaleza que en todas sus obras, entre ficción y documentales, rellena prepotentemente la pantalla. El hombre se encuentra así, pequeño y desorientado, en la majestuosidad del mundo: los rápidos, la llanura nevada, las montañas. En confrontación con sus peligros y su poesía, el ser humano es llamado a reflexionar sobre sí mismo y sobre aquello que es mucho más grande que el.
-...Por que la escena del delito se convierte en teatro de vida mientras la vida misma es una masa desordenada de instantes, imágenes cristalizadas por una existencia ilusoria, que la cámara se detiene a contemplar en tres momentos claves: la madre(espléndidamente interpretada por la lynchiana Grace Zabriskie) que obliga al hijo a comer una flácida gelatina, Brad (Michael Shannon) junto al tío y a un enano inmóviles en el bosque, y un balón de basket abandonado en el centro de un árbol despojado, pendiente de una nueva juventud capaz (a lo mejor) de poner en práctica el propio talento.
-...Por ese grande actor de nombre Michael Shanon que gracias a uno mirada que busca perturbadoramente el vacío, consigue expresar una inquietud existencial latente, alimentada por la obsesión de una circunlocución, regalandonos una interpretación desorientada y alienante al mismo tiempo. Simplemente fabuloso.
-... Por la producción de David Lynch que ayuda a mantener la película abierta a las oscilaciónes visionarias que en esta ocasión son aquellas de Herzog, un director que no consigue limitarse en el modo de hacer cine a un nivel terrenal, él debe conseguir ir siempre más allá. El centro, el corazón, lo desconocido, aquí es donde desea llegar Herzog. Y por consiguiente ampliar los horizontes y mantenerlos abiertos para dejarlo pasar. Herzog realiza una película para nada simple, una obra densa que cristaliza los momentos, encierra a los personajes en degarradores retratos cargados de pathos y revela la tragedia del cotidiano en el desarrollo de la pérdida de contacto con la realidad del protagonista. Y por esto motivo non puede ser encasillado en algún género: es simplemente aquello que conocemos como arte.
En dos palabras : Cine destinado a pocos, ya sea por modos e intentos, película que dividirá sobre todo a los fan de Werner Herzog .... Fundamentalemte se trata de un cine del estilo fino , elegante y deseado, imperdible por el extraordinario encuentro de mentes que lo ha generado. Un tren capaz de atravesar los meandros del subconsciente. Recomendable.
-...Por la intuición sorprendente de Herzog: contar una historia banal inspirandose en un delito realmente sucedido, sin atornillarse en vertiginosos puntos de giro o permanecer victima de la fascinación del horror exhibido, consiguiendo sin embargo modelar un sentimiento de profunda ansiedad que va creciendo en esta intensa e hipnótica meditación sobre un hombre y sus actos. En la selva de tinieblas de My Son, My Son, What Have Ye Done , Herzog empieza desde el punto de vista del investigador, se circunda de "otros" para reconstruir las etapas que han conducido al crimen, y para poder llenar los huecos negros se ve obligado a convertirse en una sola figura con el protagonista del delito, introduciendonos en un viaje terrible dentro de la mente de un homicida.
-...Por que una vez más Herzog hace dialogar al ser humano con la naturaleza. No pudiendo por su índole permanecer en el espacio limitado de aquella calle de asfalto y plástica diseminada con chalets que hacen de teatro al delito, en los continuos flashback que animan la película se penetra en aquella naturaleza que en todas sus obras, entre ficción y documentales, rellena prepotentemente la pantalla. El hombre se encuentra así, pequeño y desorientado, en la majestuosidad del mundo: los rápidos, la llanura nevada, las montañas. En confrontación con sus peligros y su poesía, el ser humano es llamado a reflexionar sobre sí mismo y sobre aquello que es mucho más grande que el.
-...Por que la escena del delito se convierte en teatro de vida mientras la vida misma es una masa desordenada de instantes, imágenes cristalizadas por una existencia ilusoria, que la cámara se detiene a contemplar en tres momentos claves: la madre(espléndidamente interpretada por la lynchiana Grace Zabriskie) que obliga al hijo a comer una flácida gelatina, Brad (Michael Shannon) junto al tío y a un enano inmóviles en el bosque, y un balón de basket abandonado en el centro de un árbol despojado, pendiente de una nueva juventud capaz (a lo mejor) de poner en práctica el propio talento.
-...Por ese grande actor de nombre Michael Shanon que gracias a uno mirada que busca perturbadoramente el vacío, consigue expresar una inquietud existencial latente, alimentada por la obsesión de una circunlocución, regalandonos una interpretación desorientada y alienante al mismo tiempo. Simplemente fabuloso.
-... Por la producción de David Lynch que ayuda a mantener la película abierta a las oscilaciónes visionarias que en esta ocasión son aquellas de Herzog, un director que no consigue limitarse en el modo de hacer cine a un nivel terrenal, él debe conseguir ir siempre más allá. El centro, el corazón, lo desconocido, aquí es donde desea llegar Herzog. Y por consiguiente ampliar los horizontes y mantenerlos abiertos para dejarlo pasar. Herzog realiza una película para nada simple, una obra densa que cristaliza los momentos, encierra a los personajes en degarradores retratos cargados de pathos y revela la tragedia del cotidiano en el desarrollo de la pérdida de contacto con la realidad del protagonista. Y por esto motivo non puede ser encasillado en algún género: es simplemente aquello que conocemos como arte.
Valoración : 7.5/10
En dos palabras : Cine destinado a pocos, ya sea por modos e intentos, película que dividirá sobre todo a los fan de Werner Herzog .... Fundamentalemte se trata de un cine del estilo fino , elegante y deseado, imperdible por el extraordinario encuentro de mentes que lo ha generado. Un tren capaz de atravesar los meandros del subconsciente. Recomendable.
septiembre 12, 2010
Película del día...
Howl - Rob Epstein & Jeffrey Friedman , 2010
4 motivos para ver esta película :
-... Por la dirección de Epstain y Friedman que consiguen restituir el ambiente de una época pasada pero aún bastante cercana, emprenden un fantástico viaje en la mente del poeta Allen Ginsberg y colocan el problema de los límites del obsceno y de la censura, en un tercer milenio todavía impregnado con los sistemas de control que limitan la libertad artística y expresiva. "Howl" es por lo tanto una especie de documental expresionista que, sin necesidad de alejarlos de su acostumbrado campo de acción, lleva a Epstein y Friedman a una evolución de su lenguaje cinematográafico y los mantiene en una zona de denuncia social y reivindicación cultural.
-...Por que la película se puede idealmente subdividir in tres vertientes, que se entrelazan hasta el final: una entrevista a Allen Ginsberg, que habla sobre arte y vida pasada, fragmentos de sus precedentes experiencias de vida (por lo general amorosas: desde el encuentro con Jack Kerouak hasta llegar a Peter Orlovsky, pareja de toda una vida), la recostrucción rigurosa del juicio (donde sin embargo Ginsberg no estuvo presente) y la lectura integral de "Howl" a la Six Gallery de San Francisco. Las palabras del poema se materializan puntualmente en una sugestiva animación (firmada por el ilustrador Eric Drooker), mutante y decididamente free, que formenta a representar el alma del poema, acompañandolo más que sobrepasandolo. Y es probablemente el disolverse de los versos en los diseños, uno de los aspectos más interesantes de Howl; una reelaboración animada del cuadro subversivo de San Francisco, de la visionariedad del poeta, y de todo el contexto perteneciente al imaginario "beat", como la rebelión o la pulsación Bop (uno estilo de la música jazz) que descubrimos en la musicalidad de las rimas.
-...Por el excelente cast: por un lado la consolidada destreza de David Strathairn y Jon Hamm (que confirma de estar perfectamente a gusto en las ambientaciones de los años 50 después de el éxito de "Mad Men") , y por el otro un sorprendente James Franco, que con esta interpretación "mimética" realiza quizás la mejor performance de toda su carrera. Hábil en el expresar los matices de Allen Ginsberg y de sostener increíblemnete toda la parte que no es procesal en la película, sea directamente, en las entrevistas y en los flashback, que indirectamente con la voz fuera de campo que recita los magníficos versos. Aplausos infinitos.
-...Por el discurso afrontado por Epstein y Friedman, que parece alejarse de la temática homosexual (absoluta protagonista de sus trabajos más famosos), pero en lugar expone la esencia prohibicionista y revolucionaria profundizando la reflexión sobre argumentos, como el impedimento de manifestar la propia identidad y razonando sobre que cosa podía ser obsceno en ese entonces como hoy en día. "Howl" nos ofrece un mensaje preciso y bien articulado, que, además de saber que cosa decir, sabe absolutamente como decirlo, resultando siempre comprensible y directo, reafirmando la idea que la poesía y el arte consiguen comunicar aunque cuando son abstractos y visionarios. Una obra que debe ser visionada absolutamente en lengua original.
En dos palabras : Moderadamente apasionada, documentalmente vibrante, y desprovista de retóricas hábilmente provocativas "Howl" es una obra biográfica de ninguna manera tradicional y lineal, una pequeña joya underground de otros tiempos. Altamente recomendable.
-... Por la dirección de Epstain y Friedman que consiguen restituir el ambiente de una época pasada pero aún bastante cercana, emprenden un fantástico viaje en la mente del poeta Allen Ginsberg y colocan el problema de los límites del obsceno y de la censura, en un tercer milenio todavía impregnado con los sistemas de control que limitan la libertad artística y expresiva. "Howl" es por lo tanto una especie de documental expresionista que, sin necesidad de alejarlos de su acostumbrado campo de acción, lleva a Epstein y Friedman a una evolución de su lenguaje cinematográafico y los mantiene en una zona de denuncia social y reivindicación cultural.
-...Por que la película se puede idealmente subdividir in tres vertientes, que se entrelazan hasta el final: una entrevista a Allen Ginsberg, que habla sobre arte y vida pasada, fragmentos de sus precedentes experiencias de vida (por lo general amorosas: desde el encuentro con Jack Kerouak hasta llegar a Peter Orlovsky, pareja de toda una vida), la recostrucción rigurosa del juicio (donde sin embargo Ginsberg no estuvo presente) y la lectura integral de "Howl" a la Six Gallery de San Francisco. Las palabras del poema se materializan puntualmente en una sugestiva animación (firmada por el ilustrador Eric Drooker), mutante y decididamente free, que formenta a representar el alma del poema, acompañandolo más que sobrepasandolo. Y es probablemente el disolverse de los versos en los diseños, uno de los aspectos más interesantes de Howl; una reelaboración animada del cuadro subversivo de San Francisco, de la visionariedad del poeta, y de todo el contexto perteneciente al imaginario "beat", como la rebelión o la pulsación Bop (uno estilo de la música jazz) que descubrimos en la musicalidad de las rimas.
-...Por el excelente cast: por un lado la consolidada destreza de David Strathairn y Jon Hamm (que confirma de estar perfectamente a gusto en las ambientaciones de los años 50 después de el éxito de "Mad Men") , y por el otro un sorprendente James Franco, que con esta interpretación "mimética" realiza quizás la mejor performance de toda su carrera. Hábil en el expresar los matices de Allen Ginsberg y de sostener increíblemnete toda la parte que no es procesal en la película, sea directamente, en las entrevistas y en los flashback, que indirectamente con la voz fuera de campo que recita los magníficos versos. Aplausos infinitos.
-...Por el discurso afrontado por Epstein y Friedman, que parece alejarse de la temática homosexual (absoluta protagonista de sus trabajos más famosos), pero en lugar expone la esencia prohibicionista y revolucionaria profundizando la reflexión sobre argumentos, como el impedimento de manifestar la propia identidad y razonando sobre que cosa podía ser obsceno en ese entonces como hoy en día. "Howl" nos ofrece un mensaje preciso y bien articulado, que, además de saber que cosa decir, sabe absolutamente como decirlo, resultando siempre comprensible y directo, reafirmando la idea que la poesía y el arte consiguen comunicar aunque cuando son abstractos y visionarios. Una obra que debe ser visionada absolutamente en lengua original.
Valoración : 8/10
En dos palabras : Moderadamente apasionada, documentalmente vibrante, y desprovista de retóricas hábilmente provocativas "Howl" es una obra biográfica de ninguna manera tradicional y lineal, una pequeña joya underground de otros tiempos. Altamente recomendable.
septiembre 10, 2010
las 50 Mejores Películas de la Década "00" III.
30. The Man Who Wasn't There - Joel & Ethan Coen (2001)
Irónica, elegante, la absoluta obra maestra de los hermanos Coen, sostenida por un maravilloso guión, diálogos inteligentes y profundos, por una música de una eficacia aguda y devastadora, por una belleza y nitidez de las imágines que es bastante raro encontrar en las películas de hoy en día. Belleza y nitidez que se recortan… sin fáciles y derrochadores efectos especiales, con tan sólo la fuerza de la reflexión filosófica. (traíler)
29. Letters From Iwo Jima - Clint Eastwood (2006)
"Letters From Iwo Jima" muestra la guerra, sin hacer propaganda. Lo hace con afilada dureza, como la naturaleza inhóspita presente en la pequeña isla. Clint Eastwood con valentía elige de construir los diálogos en una lengua que no es suya, realizando un magnífico trabajo de tonalidades oscuras, que nos indica sin embargo que la vida tiene un sentido. Una película que al mismo tiempo es agonía y plegaria. Obra maestra. (traíler)
"Letters From Iwo Jima" muestra la guerra, sin hacer propaganda. Lo hace con afilada dureza, como la naturaleza inhóspita presente en la pequeña isla. Clint Eastwood con valentía elige de construir los diálogos en una lengua que no es suya, realizando un magnífico trabajo de tonalidades oscuras, que nos indica sin embargo que la vida tiene un sentido. Una película que al mismo tiempo es agonía y plegaria. Obra maestra. (traíler)
28. Memories Of Murder - Bong Joon-ho (2003)
Espléndido thriller tragicómico dirigido en 2003 por Bong Joon-ho en estado de gracia, el cual atrae desde su paleta una miríada de colores, facetas, tonalidades que consiguen construir una cuadro general de fuerte impacto visivo y emotivo. Estratificado, complejo, polisémico y profundamente anclado en la propia cultura, lejos años luz de la globalización cultural del cine estadounidense. Genial. (traíler)
Espléndido thriller tragicómico dirigido en 2003 por Bong Joon-ho en estado de gracia, el cual atrae desde su paleta una miríada de colores, facetas, tonalidades que consiguen construir una cuadro general de fuerte impacto visivo y emotivo. Estratificado, complejo, polisémico y profundamente anclado en la propia cultura, lejos años luz de la globalización cultural del cine estadounidense. Genial. (traíler)
27. United 93 - Paul Greengrass (2006)
Cruda y realista, una recostrucción minuciosa y casi filológica de aquella triste mañana de Septiembre. El resultato es una película solida y emotivamente conmovedora, gracias a una dirección frenética pero correctamente imparcial, que utiliza sabiamente la gramática cinematográfica y radicaliza las instancias documentaristas, "United 93" rechaza la espectacularización, supera la retórica y llega a una síntesis total de grande fuerza y lucidez. (tráiler)
Cruda y realista, una recostrucción minuciosa y casi filológica de aquella triste mañana de Septiembre. El resultato es una película solida y emotivamente conmovedora, gracias a una dirección frenética pero correctamente imparcial, que utiliza sabiamente la gramática cinematográfica y radicaliza las instancias documentaristas, "United 93" rechaza la espectacularización, supera la retórica y llega a una síntesis total de grande fuerza y lucidez. (tráiler)
26. 25th Hour - Spike Lee (2002)
Con seguridad la película más bella y poética de Spike Lee, un cine de denuncia y autoreflexión a 360 grados, que debidamente culmina con la espléndida perla final, ilusión cruel y sentimental de una vida que hubiera podido ser y que en cambio no será... Poderosísima obra, deliberadamente, absorve los tonos dramáticos por qué no representa un héroe que afronta un destino adverso, sino más bien un antihéroe que es obligado sólo al último a mirarse en el espejo. Demoledora. (tráiler)
Con seguridad la película más bella y poética de Spike Lee, un cine de denuncia y autoreflexión a 360 grados, que debidamente culmina con la espléndida perla final, ilusión cruel y sentimental de una vida que hubiera podido ser y que en cambio no será... Poderosísima obra, deliberadamente, absorve los tonos dramáticos por qué no representa un héroe que afronta un destino adverso, sino más bien un antihéroe que es obligado sólo al último a mirarse en el espejo. Demoledora. (tráiler)
25. WALL•E - Andrew Stanton (2008)
Magníficamente dirigida, técnicamente monstruosa, riquísima de increíbles ideas y de réplicas al cine de ciencia ficción, con "2001: A Space Odyssey" tantas veces homenajeado, graciosa, entretenida, pasionante, emocionante ... una de las más bellas fábulas de amor que el cine haya podido contar, gracias sobre todo al personaje más dulce y "humano" que jamás se haya visto en pantalla. Obra maestra de la animación. (traíler)
Magníficamente dirigida, técnicamente monstruosa, riquísima de increíbles ideas y de réplicas al cine de ciencia ficción, con "2001: A Space Odyssey" tantas veces homenajeado, graciosa, entretenida, pasionante, emocionante ... una de las más bellas fábulas de amor que el cine haya podido contar, gracias sobre todo al personaje más dulce y "humano" que jamás se haya visto en pantalla. Obra maestra de la animación. (traíler)
24. The Departed - Martin Scorsese (2006)
Psicología monumental y realista, mefistofélicos puntos de giro, pasión y perfección, cada fotograma esta mojado por la inevitabilidad de las vidas destinadas a la tragedia. La complejidad de psicologías y trampas dramatúrgicas obligan a la solución por baños de sangre, mientras que el texto vigoroso, armónico se sumerge en diálogos memorables. Martin Scorsese, con maestría, ritmo y tensión costante, lleva una película de género en el Olimpo de la cinematografía. (tráiler)
Psicología monumental y realista, mefistofélicos puntos de giro, pasión y perfección, cada fotograma esta mojado por la inevitabilidad de las vidas destinadas a la tragedia. La complejidad de psicologías y trampas dramatúrgicas obligan a la solución por baños de sangre, mientras que el texto vigoroso, armónico se sumerge en diálogos memorables. Martin Scorsese, con maestría, ritmo y tensión costante, lleva una película de género en el Olimpo de la cinematografía. (tráiler)
23. Match Point - Woody Allen (2005)
Woody Allen nos regala una actualización de su estilo legendario, fruto de experiencia y deseos de relatar según una óptica psicoanalítica. La suya es una dirección franca, perspicaz, que sigue los protagonistas aunque cuando son inconscientes. Una mirada en el alma y en sus cadencias de estilo. Uno estudio casi psicológico y persuasivo del comportamiento humano catapultado en situaciones que deben ser llevada a cabo a través de una elección para no cancelar la propia existencia. (tráiler)
Woody Allen nos regala una actualización de su estilo legendario, fruto de experiencia y deseos de relatar según una óptica psicoanalítica. La suya es una dirección franca, perspicaz, que sigue los protagonistas aunque cuando son inconscientes. Una mirada en el alma y en sus cadencias de estilo. Uno estudio casi psicológico y persuasivo del comportamiento humano catapultado en situaciones que deben ser llevada a cabo a través de una elección para no cancelar la propia existencia. (tráiler)
22. INLAND EMPIRE - David Lynch (2006)
Extraordinaria, devastadora, inquietante, poética... Difícil escribir sobre INLAND EMPIRE, hablar de ella, tratar de articular un discurso racional y bien calibrado. Cuando la irracionalidad onírica deja espacio sólo a sugestiones y emociones (aturdimiento, ansiedad, miedo, pánico), no quedan otros elementos expresivos. Se permanece encantado, exaltado, destruido, asombrado. En el mundo intangible de David Lynch cada obra presenta miles de interpretaciones y esta "Master piece" no es la exepción. (tráiler)
Extraordinaria, devastadora, inquietante, poética... Difícil escribir sobre INLAND EMPIRE, hablar de ella, tratar de articular un discurso racional y bien calibrado. Cuando la irracionalidad onírica deja espacio sólo a sugestiones y emociones (aturdimiento, ansiedad, miedo, pánico), no quedan otros elementos expresivos. Se permanece encantado, exaltado, destruido, asombrado. En el mundo intangible de David Lynch cada obra presenta miles de interpretaciones y esta "Master piece" no es la exepción. (tráiler)
21. Yi Yi: A One And A Two - Edward Yang (2000)
Bellísima historia de cotidianedad de inicio milenio, una película que posee una doble belleza, ya sea interior que exterior, que se traduce simplemente en : cine y vida. La imagen esta construida como si fuese dibujada por un pintor, la dirección es transparente y cristalina, expresiva e inteligente, mide hábilmente primeros planos, planos secuencias y escenas dirigidas con cámara al hombro, el hábil entrelazamiento de historias, combina un juego de ilusiones, de existencias, de espejos, de vidas suspendidas, de sueños, esperanzas, miedos,desilusiones... Inolvidable. (tráiler)
Bellísima historia de cotidianedad de inicio milenio, una película que posee una doble belleza, ya sea interior que exterior, que se traduce simplemente en : cine y vida. La imagen esta construida como si fuese dibujada por un pintor, la dirección es transparente y cristalina, expresiva e inteligente, mide hábilmente primeros planos, planos secuencias y escenas dirigidas con cámara al hombro, el hábil entrelazamiento de historias, combina un juego de ilusiones, de existencias, de espejos, de vidas suspendidas, de sueños, esperanzas, miedos,desilusiones... Inolvidable. (tráiler)
septiembre 06, 2010
Película del día...
Miral - Julian Schnabel , 2010
5 motivos que decepcionaron mis expectativas:
-... Por que se trata de una obra autobiográfica que decide (sorprendentemente) no tanto contar la propia historia, más bien aquella de un pueblo en busca de un territorio y de una identidad relatada a través de los ojos de una joven protagonista intrépida, quizás un poco ingenua pero iluminada por el activismo político más genuino. El primer problema de una película como Miral es el de haber perdido en gran parte el objetivo principal de hacernos conocer antes que nada ( y de manera más detallada) la historia de Rula Jebreal… Indudablemente una ocasión perdida.
-...Por que en la primera parte la película es dividida en secciones y narra las historias de tres mujeres que más adelante se entenderá el lugar que ocupan en la vida de la protagonista, cuya vida propia y verdadera es presentada después de tres cuartos de hora. En paralelo, se encuentra la batalla de la Palestina para encontrar almenos un acuerdo con Israel, que propone de devolver una parte del territorio. Un acuerdo que es conseguido, desde luego, pero que todavía (como todos sabemos) no ha sido respetado.
-...Por el compromiso político de la película, que toma partido (abiertamente), de alguna manera es admirable y bastante visibile (pero no es suficiente): el guión presenta algunos momentos que pueden desconcertar (las torturas contra Miral en prisión, por ejemplo) y personajes convencidos de sus propias posiciones e ideologías. Como la obstinada protagonista, que va contra sus seres queridos con tal de obtener la libertad de su país.
-...Por Freida Pinto que sin lugar a dudas es una bellísima actriz, pero desafortunadamente no posee las capacidades artísticas para sostener un papel de este género. No hay nada de malo en su interpretación, pero una oportunidad como esta, hubiera sido mucho mejor aprovechada, la maduración de la joven Miral es demasiado superficial para convencer verdaderamente al espectador... Notas aparte, cabe mencionar la interpretación de la siempre óptima Hiam Abbass.
-...Por que es una película en cierta manera didascalica, que tiende a diluir el aspetto emotivo de la obra: que es fría y poco comprometente, a pesar de que el objeto cuestionado sea verdaderamente abrasador. Indudablemente este es un trabajo poco personal para Julian Schnabel, cuya dirección, aparte algunos instantes ( la subjetividad en el mar, algunos enfoques sesgados), resulta para nada inspirada. La corriente fluye a momentos, la belleza de la imagen se congela frente a los agujeros de la historia desordenada que, es incapaz de añadir algo de válido a la discusión excepto que una genérica apelación por la paz, que no siempre consigue dejar atrás el personal para extenderse universalmente.
En dos palabras : La trasposición de Julian Schnabel de la novela autobiográfica de Rula Jebreal resulta bastante fría para despertar verdaderas emociones... Una película comprometida y correcta (sólo en parte), pero al final, sin color y sin resplandor. Decepcionante.
-... Por que se trata de una obra autobiográfica que decide (sorprendentemente) no tanto contar la propia historia, más bien aquella de un pueblo en busca de un territorio y de una identidad relatada a través de los ojos de una joven protagonista intrépida, quizás un poco ingenua pero iluminada por el activismo político más genuino. El primer problema de una película como Miral es el de haber perdido en gran parte el objetivo principal de hacernos conocer antes que nada ( y de manera más detallada) la historia de Rula Jebreal… Indudablemente una ocasión perdida.
-...Por que en la primera parte la película es dividida en secciones y narra las historias de tres mujeres que más adelante se entenderá el lugar que ocupan en la vida de la protagonista, cuya vida propia y verdadera es presentada después de tres cuartos de hora. En paralelo, se encuentra la batalla de la Palestina para encontrar almenos un acuerdo con Israel, que propone de devolver una parte del territorio. Un acuerdo que es conseguido, desde luego, pero que todavía (como todos sabemos) no ha sido respetado.
-...Por el compromiso político de la película, que toma partido (abiertamente), de alguna manera es admirable y bastante visibile (pero no es suficiente): el guión presenta algunos momentos que pueden desconcertar (las torturas contra Miral en prisión, por ejemplo) y personajes convencidos de sus propias posiciones e ideologías. Como la obstinada protagonista, que va contra sus seres queridos con tal de obtener la libertad de su país.
-...Por Freida Pinto que sin lugar a dudas es una bellísima actriz, pero desafortunadamente no posee las capacidades artísticas para sostener un papel de este género. No hay nada de malo en su interpretación, pero una oportunidad como esta, hubiera sido mucho mejor aprovechada, la maduración de la joven Miral es demasiado superficial para convencer verdaderamente al espectador... Notas aparte, cabe mencionar la interpretación de la siempre óptima Hiam Abbass.
-...Por que es una película en cierta manera didascalica, que tiende a diluir el aspetto emotivo de la obra: que es fría y poco comprometente, a pesar de que el objeto cuestionado sea verdaderamente abrasador. Indudablemente este es un trabajo poco personal para Julian Schnabel, cuya dirección, aparte algunos instantes ( la subjetividad en el mar, algunos enfoques sesgados), resulta para nada inspirada. La corriente fluye a momentos, la belleza de la imagen se congela frente a los agujeros de la historia desordenada que, es incapaz de añadir algo de válido a la discusión excepto que una genérica apelación por la paz, que no siempre consigue dejar atrás el personal para extenderse universalmente.
Valoración : 5 / 10
En dos palabras : La trasposición de Julian Schnabel de la novela autobiográfica de Rula Jebreal resulta bastante fría para despertar verdaderas emociones... Una película comprometida y correcta (sólo en parte), pero al final, sin color y sin resplandor. Decepcionante.
septiembre 04, 2010
Película del día...
Somewhere - Sofia Coppola , 2010
5 Motivos para ver esta película :
-..Por que queda claro que el cine de Sofia Coppola, desde el momento que ha cogido líneas reconocibles y una autoría precisa, se puede definitivamente amar o odiar. "Marie Antoinette" fue una huella precisa de esta evolución crítica. Terminada la “Trilogía de la Soledad Femenina”, se abre con "Somewhere" un nuovo periodo en la carrera de la directora, pero su cine no permanece invariado. Ya desde el trailer habíamos entendido que la película más cercana a "Somewhere" sería "Lost in Translation", y observando la cuarta fatiga de Sofia Coppola hemos tenido la certeza: los temas, los silencios, el hotel y una ciudad diferente en la cual poder “perderse” son elementos que regresan y marcan una continuidad buscada y encontrada.
-...Por la dirección cuidada en los más minímios detalles y cada elección estilística, desde la fotografía a la selección de las tonalidades cromáticas que reflejan los momentos esenciales. Por ejemplo, la llegada de Cloe (la hija del protagonista) es marcada por un aumento de gama y tonalidades de cada color, como para exaltar el hecho que con ella él se sienta verdaderamente realizado. Pura genialidad!.
-...Por que a hacer convincente la película son las interpretaciones de un espléndido Stephen Dorff, en el papel de Johnny, nos regala una perfecta representación del hombre que, si bien es admirado y aclamado por todos, se siente una nulidad lejos de su hija, y sobre todo la sorprendente Elle Fanning, nos ofrece una imagen de Cloe tan espontánea de resultar simplemente perfecta. A ella le basta una sonrisa para acapararse los espectadores, un llanto repentino y para nada melodramático para tocar nuestros corazones.(memorable la escena en la piscina) y también en esto se encuentra la belleza de "Somewhere": llegar al corazón sin arrojar jamás la propia poética, sin caer jamás en lo patético, en el melodrama, a pesar de un material bastante autobiográfico. De mecionar el tercer protagonista importante de "Somewhere": el "Chateau Marmont", uno de los más famosos hoteles de Los Angeles, cuyo atractivo es dado gracias a las innumerables stars que se han alojado, y, no obstante gran parte de su fama sea tristemente atribuida al hecho de que John Belushi haya muerto allí, indudablemente el aire que se respira es aquél dejado por actores y músicos, directores y productores discográficos que en esas habitaciones han encontrado la inspiración para sus mejores interpretaciones.
-...Por que "Somewhere" es también una película sobre Los Angeles, que no se queda en el fondo, al contrario, entra activamente en la historia, en cada encuadre y por consiguiente en el aspecto emotivo de la película, con su sol resplandeciente, sus piscinas, el Sunset Boulevard exclusivamentee para conducir, las entradas en las descabelladas autopistas rodada con cámara subjetiva, las noches alcohólicas y eróticas. Sus miles de luces, sus miles ilusiones y sus soledades forman parte integral del argumento, y la historia de Johnny (Stephen Dorff) es de alguna manera el emblema de la idea que Sofia Coppola tiene de Hollywood.
-...Por que es una película que podrá no gustar o parecer quizás una obra vacía (como para muchos lo fue "Lost in Translation", después de todo…), pero ya por estos elementos parece que el estilo de Sofia Coppola es cada vez más racional y siempre convincente. Bastan simplemente la repetitividad de los gestos cotidianos y algunos pequeños momentos para decirnos tantas cosas sobre las caracteristicas de los personajes y sobre todo sobre la relación que existe entre el padre joven, bello y condenado y la hija de once años que se demuestra mucho más madura de aquello que debería ser a su edad. Altamente recomendable.
En dos palabras : Sencilla (en el mejor sentido de la palabra), original, innovadora, poética, descriptiva, complicada, profunda, todas estas palabras reflejan la esencia de esta maravillosa película, pero no bastan todavía... En definitiva "Somewhere" es otra magnífica obra de uno de los mejores directores en circulación. Imperdible.
-..Por que queda claro que el cine de Sofia Coppola, desde el momento que ha cogido líneas reconocibles y una autoría precisa, se puede definitivamente amar o odiar. "Marie Antoinette" fue una huella precisa de esta evolución crítica. Terminada la “Trilogía de la Soledad Femenina”, se abre con "Somewhere" un nuovo periodo en la carrera de la directora, pero su cine no permanece invariado. Ya desde el trailer habíamos entendido que la película más cercana a "Somewhere" sería "Lost in Translation", y observando la cuarta fatiga de Sofia Coppola hemos tenido la certeza: los temas, los silencios, el hotel y una ciudad diferente en la cual poder “perderse” son elementos que regresan y marcan una continuidad buscada y encontrada.
-...Por la dirección cuidada en los más minímios detalles y cada elección estilística, desde la fotografía a la selección de las tonalidades cromáticas que reflejan los momentos esenciales. Por ejemplo, la llegada de Cloe (la hija del protagonista) es marcada por un aumento de gama y tonalidades de cada color, como para exaltar el hecho que con ella él se sienta verdaderamente realizado. Pura genialidad!.
-...Por que a hacer convincente la película son las interpretaciones de un espléndido Stephen Dorff, en el papel de Johnny, nos regala una perfecta representación del hombre que, si bien es admirado y aclamado por todos, se siente una nulidad lejos de su hija, y sobre todo la sorprendente Elle Fanning, nos ofrece una imagen de Cloe tan espontánea de resultar simplemente perfecta. A ella le basta una sonrisa para acapararse los espectadores, un llanto repentino y para nada melodramático para tocar nuestros corazones.(memorable la escena en la piscina) y también en esto se encuentra la belleza de "Somewhere": llegar al corazón sin arrojar jamás la propia poética, sin caer jamás en lo patético, en el melodrama, a pesar de un material bastante autobiográfico. De mecionar el tercer protagonista importante de "Somewhere": el "Chateau Marmont", uno de los más famosos hoteles de Los Angeles, cuyo atractivo es dado gracias a las innumerables stars que se han alojado, y, no obstante gran parte de su fama sea tristemente atribuida al hecho de que John Belushi haya muerto allí, indudablemente el aire que se respira es aquél dejado por actores y músicos, directores y productores discográficos que en esas habitaciones han encontrado la inspiración para sus mejores interpretaciones.
-...Por que "Somewhere" es también una película sobre Los Angeles, que no se queda en el fondo, al contrario, entra activamente en la historia, en cada encuadre y por consiguiente en el aspecto emotivo de la película, con su sol resplandeciente, sus piscinas, el Sunset Boulevard exclusivamentee para conducir, las entradas en las descabelladas autopistas rodada con cámara subjetiva, las noches alcohólicas y eróticas. Sus miles de luces, sus miles ilusiones y sus soledades forman parte integral del argumento, y la historia de Johnny (Stephen Dorff) es de alguna manera el emblema de la idea que Sofia Coppola tiene de Hollywood.
-...Por que es una película que podrá no gustar o parecer quizás una obra vacía (como para muchos lo fue "Lost in Translation", después de todo…), pero ya por estos elementos parece que el estilo de Sofia Coppola es cada vez más racional y siempre convincente. Bastan simplemente la repetitividad de los gestos cotidianos y algunos pequeños momentos para decirnos tantas cosas sobre las caracteristicas de los personajes y sobre todo sobre la relación que existe entre el padre joven, bello y condenado y la hija de once años que se demuestra mucho más madura de aquello que debería ser a su edad. Altamente recomendable.
Valoración : 9/10
En dos palabras : Sencilla (en el mejor sentido de la palabra), original, innovadora, poética, descriptiva, complicada, profunda, todas estas palabras reflejan la esencia de esta maravillosa película, pero no bastan todavía... En definitiva "Somewhere" es otra magnífica obra de uno de los mejores directores en circulación. Imperdible.
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