marzo 30, 2011

Película del día...

Les Amours Imaginaires (Heartbeats) - Xavier Dolan, 2010

A un año de distancia de su apreciado debut cinematográfico con “J’ai Tué Ma Mère”, il veintiunañero Xavier Dolan escribe, dirige e interpreta su segunda película, “Les Amours Imaginaires”, confirmandose una de las más interesantes promesas del cine canadiense. Después de la cruda rendición de cuentas de una adolescencia atormentada vista en su primera película, Dolan pasa a ilustrar un clásico triángulo amoroso, cogiendo inpiración de algunas obras cinematográficas sin tiempo (una sobre todas, el clásico de François Truffaut “Jules et Jim”), describiendo al mismo tiempo la naturaleza ilusoria y aveces cruel del amor, como declaran las diferentes entrevistas ficticias introducidas entre la narración (un expediente de cinéma vérité).

Protagonistas de la películas son Francis (Xavier Dolan) y Marie (Monia Chokri), dos íntimos amigos cuya relación se ve resquebrejarse con la entrada en escena de Nicolas (Niels Schneider), joveno "ambiguo" con una densa melena rubia que hará perder la cabeza a ambos, transformandose en un inaprensible objeto del deseo, fuente de palpitaciones y agonías. Los “amores imaginarios” del título son por lo tanto aquellos que se construyen en las mentes de Francis y Marie, prisioneros de un deseo constantemente alimentado y después frustrado, desvelados solamente a través de pequeños gestos, frases alusivas y miradas que desbordan una pasión siempre retenida (y después desahogada en una inquietante y rabiosa secuencia de masturbación). Desde la inicial infatuación juvenil se pasa al inevitable sufrimiento por el “amour fou”, óptimamente sintetizado gracias a las notas melancólicas y a los versos conmovedores de la canción  “Bang bang”, leit-motiv musical de la película, en la versión en italiano interpretada por la grande Dalida.

Dolan no se muestra para nada pedante expresando sus ideas al interior de la película, es más consigue burlarse del concepto del vintage, cuando en una escena, en el ver como va vestida su antagonista, acentúa que a veces o no todo lo vintage sea necesariamente bello de reproponer en nuestros días... Aquello que sorprende es la capacidad en el crear una amalgama que ponga a la vez capacidad visionaria y sonora, de cualquier forma esta última se exprese. De esta manera la cámara lenta, el grito emotivo, el movimiento teatral han sido reactualizados en una óptica multiforme, en donde a vencer es el detalle, el cual es sometido dentro un conjunto de estímulos sensoriales nunca estridentes y sobre todo muy bien integrados.

Xavier Dolan no renuncia a una huella estilística profundamente estética. La extrema atención formal y la inclinación por el melodrama, como en la escena de la pelea entre Francis y Marie en el bosque, reflejan una típica sensibilidad gay y un gusto post-moderno que parecen prestados del cine de autores como Pedro Almodóvar y François Ozon, evidentes modelos de referencia. La película en varios momentos es un verdadero ensayo del amor idealizado e irreal, ...simplemente purísimo. El cast nos presenta a un trío estupendo, único a dominar la escena: Monia Chokri, Niels Schneider y Xavier Dolan. Sobre todo en este último, parece que el Arte haya encontrado una precoz representación terrena. "Les Amours Imaginaires" juega con el eterno tema del amor juvenil, profundo y devastador propio cuando se transforma en el deseo abrasador que predomina incluso sobre la amistad, pero lo hace con grande sarcasmo, evitando los clichés sobre el amor  homosexual, sobre la promiscuidad y sobre el alejamiento del mundo adulto.

Valoración : 7.5/10


En dos palabras : “El amor es siempre un tema valido”, sobre todo si es tratado de forma sincera, no pedante, no idealista, no superficial, no, no, no… "Les Amours Imaginaires" constituye la demostración del talento de Dolan, teniendo de su parte una libertad y una ligereza en el contar historias de amores que hacen sufrir porque son imposibles o simplemente imaginados. Un divertentissement para los ojos y para los oidos. Recomendable.

marzo 23, 2011

Película del día...

Rango - Gore Verbinski , 2011

Extraña vida cuando tu universo está cerrado entre cuatro paredes de cristal  trasparente y todo lo que posees para poder relacionarte es una palmera de plástico, un insecto muerto y una muñeca sin cabeza, sin un brazo y sin las piernas. Y por lo tanto es fácil para un joven camaleón pensar de ser la estrella al centro de atención, creyendose un actor. La prospectiva cambia drásticamente cuando, durante un viaje a través del desierto en la frontera entre Mexico y Estados Unidos tu mundo termina en añicos sobre el asfalto y cada ilusión desaparece al instante. Como en el selvaje oeste cada Gringo deberá luchar para sobrevivir y para no sucumbir a la ley del más fuerte.

La perdida que el camaleón Rango se ve obligado a afrontar al inicio de su fantástica aventura es simplemente aquella de un drástico cambiamento de las coordenadas que se basan en su vida, una virada desde una monótona pero reasegurante seguridad hacia una peligrosa pero estimulante aventura que lo arriesga todo, inclusive su propia vida. ¿Cuál es el animal que puede representar mejor que un camaleón el oficio del actor, tanto así de mimetizarse en un "pequeño oeste " como si fuera Clint Eastwood en una película de Sergio Leone, a pesar de la camisa hawaiana siempre puesta?...  Dirt es el nombre del pequeño pueblo que hospeda a Rango y que (gracias a sus jactanciosas hazañas) rapidamente lo elige como paladín de la justicia. Pero en la "tranquila" vida  del pequeño pueblo existe algo que complica la vida de los pobres e indefensos habitantes, la falta de agua amenaza con matar la existencia de Dirt City. Rango, para demostrar lo que vale, tendrá que averiguar lo que pasó con tan importante recurso.

Verbinski ha tenido la valentía en el confrontarse abiertamente (a duelo) con el género western, y porque con "The Mexican" había salido derrotado, pero esta vez  el resultado del desafío esta completamente a su favor. El director estadounidense construye un homenaje sincero (y profundamente irónico) al universo de Sergio Leone, citando en forma explícita tantas escenas cult de sus películas (concediéndose el lujo di evocar algunos otros clásicos del género, pero también toques de genialidad como aquello de "Fear and Loathing in Las Vegas", basta observar los ojos del protagonista). Encomiabile la elección de no dejarse tentar por el 3D, visto que la calidad de la animación de la ILM es tan alta de dar una sensasión táctil de las imágenes propuestas, espléndido el "character design" y la estratificación narrativa que permite también a un público de niños de apreciar una cinta de animación que evidentemente ha sido concebida para una audiencia más madura capaz de capturar las metanarrativas que componene la película.

El gusto por la citas es bastante funcional a la historia, y los apasionados del western podrán reconocer mometos de antología infinitos, sin necesidad que estos mismos impidan la disponibilidad a quien no puede(quiere) apreciar las sutilezas. Inútil decir que la cinta debe ser vista absolutamente en lengua original para apreciar sobre todo el trabajo de un grande Johnny  Depp y de unos fantásticos Bill Nighy, Isla Fisher y Ned Beatty"Rango" es una mezcla experimental en todos sus aspectos y como tal se propone come uno de los proyectos cinematográficos más interesantes y agradables de la temporada. Estructurado sobre tantos niveles narrativos, transforma el viaje del héroe en una dentretenida y sugestiva búsqueda de sí mismo, donde hasta un camaleón, actore biológico por excelencia, al final es obligado a ponerse al descubierto y mostrarse por aquello que verdaderamente es. Gore Verbinski se demuestra una vez más un director pragmático con el perfecto ojo commercial e cinematográfico, capaz de poner (extrañamente) todos de acuerdo.

Valoración : 8/10


En dos palabras : Personajes irónicos y carismáticos, humorismo negro y momentos deliciosamente excesivos, homenajes a "Fear and Loathing in Las Vegas" y (inevitablemente) al maestro Sergio Leone, exaltación de los "characters" y del poder cromático de la computación gráfica y a pesar del polvo, las pistolas y el desierto, rango es mucho más que una simple película de animación ambientada entre saloon y aridez. Absolutamente recomendable.

marzo 11, 2011

Película del día...

I Saw The Devil - Ji-woon Kim , 2010

Se intitula "I Saw The Devil" (he visto el diablo) el nuevo reto de Kim Ji-woon con el cine moderno. Un cine con el que él juega desde sus primeros pasos, arquitectando cada vez más nuevas mágicas combinaciones de géneros para poderlo contar, con aquél estilo marcado y sin pudor alguno, los oscuros rincones de la mente humana. Después del drama familiar, el thriller psicológico, el noir y el western no sorprende en absoluto la elección del cineasta de profundizar un tema que es bastante utilizado (y amado) en el cine coreano y asiático por lo general, pero que aún él  no había explorado: la venganza. Aquella de un hombre, un agente secreto, perpetrado contra un asesino en serie que mata por capricho, para satisfacer sus impulsos sexuales, o por el simple gusto de ver la sangre que corre como si fuera un río y obviamente salirse con la suya. Es bastante sutil la acción, hábil la elección de las víctimas, meticulosa la laboriosidad del desmembramiento de los cadáveres y de su aniquilamiento, y es en ese preciso momento que sobre su rostro aparece una expresión aterradora de puro placer.

Centrada sobre los personajes más que sobre la dinámica del juego del gato y el ratón o sobre la búsqueda de la identidad del culpable, "I Saw The Devil" analiza la lenta transformación de un hombre común y corriente en un killer sediento de venganza y por esta razón no resulta menos peligroso del criminal que él va buscando por las calles de la ciudad para un ajuste de cuentas. Para el asesino, el hombre tiene en mente un recorrido punitivo sin precedentes que dará lugar, a un crescendo delirante de ferocidad, en la destrucción final. Descrita en manera bastante realista y explícita por el director de "Bittersweet Life" y "Two Sisters", esta historia golpea con grande intensidad las diferentes sensibilidades del espectador, porque más allá de un estómago robusto se necesita también una grande fuerza mental para visionar esta película sin cubrirse los ojos. Los cara a cara entre los dos protagonistas son violentiísimos, y este masacrante juego ve en su ejecusión dos fuerzas de la naturaleza que en vez de evitarse se buscan incondicionalmente. Uno planifica su investigación y su punición exactamente como el otro planifica sus homicidios y su fuga... (Spoiler) el policía le busca, le encuentra, le tortura y después le libera de manera que pueda hacer perder sus pistas para volver a buscarlo nuevamente y hacer la misma cosa reiterandola hasta llegar al momento final (Fin Spoiler).

Para dar vida a los protagonistas han sido elegidos dos actores extraordinarios : Es potentísima la prueba de Choi Min-sik (“Old Boy”), a su regreso después de un exilio autoimpuesto durado cinco años, en el papel de Kyung-chul, personaje de brutal sensualidad que el actor interpreta evitando sabiamente los clichés que normalmente se asocia a los asesinos en serie. Impecable es también el trabajor realizado por Lee Byung-hun, actor predilecto de Kim Ji-woon (“A Bittersweet Life”, “The Good, The Bad, The Weird”), que ofrece una performance totalmente deslumbrante. Visionar esta película os hará vivir una experiencia como pocas, os sentiréis oprimidos por un vórtice de sobrehumana violencia que no tiene explicación, os sentiréis catapultados en una de aquellas aventuras que no hubierais jamás deseado ver en pantalla pero que no conseguiréis no observar hasta el final. La estética es excelente, las secuencias de acción y de enfrentamiento estan puestas en escenas con un toque verdaderamente increíble, la atmósfera sucia y descarriada de los personajes y de los lugares es capturada por el director de manera impresionante. La camára no observa sino más bien acompaña cada momento vivido por los personajes con extrema naturalidad, no se detiene ante nada, ya sea que se trate de mutilaciones o de violaciones, de cualquier elemento que tenga que ver con el mal y su encarnación (la película ha sido cortada por la censura coreana, pero las escenas eliminadas han sido reintegradas en la versión internacional). Pero no es una violencia que tiene que ver con vampiros, fantasmas y monstruos, es una violencia pura, humana, que nace, se alimenta y se enfrenta en la mente del hombre y se pone en práctica a través del cuerpo.

El estilo fresco de Kim Jee-woon, quizá más brillante, por lo menos técnicamente, entre los directores coreanos en circulación. Con vandálico savoir-faire, disuelve esta serie de atrocidad en puro humor negro, inventandose al menos una secuencia memorable: un acuchillamiento múltiple sobre un coche en marcha, resuelto con un inesperado travelling circular. En conclusión "I Saw The Devil" es una película insensatamente coherente, además de visualmente sorprendente, una película que hace estremecer, que hace rabiar, ya sea por la rabia y (o) por el miedo. Son pequeñas emociones que personalmente me gusta cultivar, de vez en cuando...

Valoración : 8 / 10


En dos palabras : El director surcoreano Kim Ji-woon después del barroco e inquietante horror-psicológico "Two Sisters" y las sugestiones tarantinianas de "Bittersweet Life", pone en marcha un brutal monólogo sobre la venganza y sobre el eterno conflicto entre el bien y el mal a través del espejo deformante de dos fundamentos del cine de génere como el thriller-horror y el revenge-movie que Ji-woon maniobra con extrema elegancia y riqueza, coreografiando insostenibles explosiones de sangre y violencia que sobre la  pantalla dejan huellas indelebles.

marzo 04, 2011

Disco Fundamental...

Grace - Jeff Buckley (1994)


Género : Songwriter, Pop

Tracklist :

01. Mojo Pin
02. Grace
03. Last Goodbye
04. Lilac Wine
05. So Real
06. Hallelujah
07. Lover, You Should've Come Over
08. Corpus Christi Carol
09. Eternal Life
10. Dream Brother

Si me dijieran de sintetizar con una sola expresión "Grace" del aquél mito llamado Jeff Buckley creo que escogería la palabra "etéreo". El disco publicado en 1994 por el hijo del grande Tim es el testimonio de lo que este increíble artista hubiera podido expresar si su vida  no se hubiese interrumpido tragicamente en las aguas dulces del  Río Mississippi la noche del 29 de mayo de 1997. El disco es la única salida discográfica realizada en un estudio por Jeff, si se excluye el disco postumo "Sketches (My Sweetheart The Drunk)", publicado después de su desaparición. "Grace" es un disco extraordinario, una verdadera "experiencia". Es uno de los discos que cada uno de nosotros se lo llevaría consigo mismo en aquella famosa isla desierta. Pero es sobre todo, por desgracia, un inconsciente, magnífico testamento artístico y espiritual de un artista que (como demostrarán las iniciativas póstumas) todavía tenía mucho que decir...

Las canciones son un entrelazarce de emociones, rabia, dolor y tenacidad, comenzando desde el primer tema "Mojo Pin" y su grito de amor sofocado. En la title-track, primera perla del disco, Jeff parece poseer una funesta visión sobre aquello que le iba suceder algunos años más tarde. Las otras canciones no son absolutamente inferiores, desde el amor perdido de la deliciosa "Last Goodbye" a los miedos que se materializan en la guitarra distorcionada en la parte central de "So Real", desde el melancólico sabor oriental de la atormentadora "Dream Brother" a la ira que explociona en la cautivadora "Eternal Life". El momento más conmovedor del disco llega con  la maravillosa "Lover, You Should've Come Over", dolorosa balada inspirada en un amor que no existe más, tema indudablemente "simple" como inalcanzablemente intenso, segunda perla del disco. También se encuentran tres magníficas covers: las delicadísimas "Lilac Wine" de James Shelton (originalmente cantada por Elkie Brooks, pero la versión de este disco esta claramente inspirada en la mítica representación de la grandiosa Nina Simone) y "Corpus Christi Carol" de Benjamin Britten, obviamente dejo para el final la última perla del disco "Hallelujah" de Leonard Cohen, en donde Jeff Buckley  realiza una interpretación magistral acompañado solamente por la espléndida guitarra de Micheal Tighe, probablemente se trata de la mejor cover jamás realizada.

Resulta increíble creer como un artista pueda convertirse así de importante con tan sólo un disco y lo es aún más el hecho de que "Grace" haya salido pocos meses después de la desaparición de Kurt Cobain (Nirvana), otro grande artista que ha marcado (en el bien y en el mal) un periodo musical bastante preciso. Para Jeff (como lo fue para Cobain), el destino parece haber cogido sadicamente inspiración en sus canciones reservandole un final tanto prematuro como deplorado... "Grace"  enseña principalmente que los grandes discos de la historia del rock no han sido escritos sólo por los grandes innovadores (Velvet UndergroundPere UbuFaust), por los poetas (Pink Floyd, Sex PistolsRolling Stones) o por los experimentadores (Frank ZappaBeefheart, el mismo Tim Buckley), sino también por quién, como Jeff Buckley, que sin ningún tipo de pretensión ha conseguido donar a las nuevas generaciones (y no sólo) un disco fuera de las modas y del tiempo, un disco simplemente único en su genero, una obra mestra absoluta y eterna.

Tres joyas inolvidables :






Hallelujah


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