mayo 30, 2011

Película del día...

 Hobo With A Shotgun - Jason Eisener , 2011

Es el segundo "producto derivado" de la excelente "Grindhouse", famosa por haber lanzado 2 películas aún de realizar con sus respectivos fake trailer. La primera a ver la luz fue la fantástica "Machete", mientras que la segunda es precisamente la película en cuestión. La Trama es bastante simple: Nos encontramos en Estados Unidos, en un futuro más o menos actual, la ciudad esta completamente en las manos de Drake, un demente que tiene el monopolio de los medios con trasmisiones que son una especie de reality donde la gente es torturada y asesinada sin ningún tipo de problema. Esto sucede "en estudio" que por las calles. Con su omnímodo poder tiene en mano también a la policía. Regla número uno: dar miedo, a todos. Víctimas principales : los homeless, tratados como carne de matadero. Entre estos vagabundos se encuentra uno, conocido con el nombre de Hobo (Rutger Hauer) que decide rebelarse contra tanta injusticia, cansado de ser sometido por un tirano y de observar principalmente todo tipo de intimidaciones. Todo iniciará de forma aleatoria, durante el robo en una tienda donde él estará presente, y de allí en adelante será una inevitable escalation que desatará la guerra declarada, entre Hobo y Drake.

Esperaba con cierta curiosidad el debut en la gran pantalla del joven filmaker canadiense Jason Eisener, promesa del cine de terror con una marcada índole por el cine splatter puesto en relieve en el memorable cortometraje "Treevenge" en donde una horda de árboles de navidad se rebelaba en proximidad de las fiestas masacrando a todo un pueblo. Eisener además de conquistarme inmediatamente con un prólogo memorable, no disminuye desde luego los golpes bajos, la sangre, las vísceras y la hiperviolencia tocando picos que llegan a superar  "Planet Terror" de Robert Rodríguez y guiñar el ojo a un cult japonés como "Tokyo Gore Police" de Yoshihiro Nishimura. Si amáis el género nos encontramos frente a una puqueña obra maestra que hará entusiasmar a los cultores del cine trash, pero en este caso con aquél chispazo artístico y citacionista que eleva la película de Eisener a obra de culto, una verdadera lección de estilo y de divertente sarcasmo.

Los personajes de "Hobo With A Shotgun" sono feos, sucios y malos, el splatter y la violencia estan a la luz del día, por consiguiente, quien no tiene el estómago necesario es mejor que apunte hacia otra dirección su atención, Jason Eisener también cita claramente en una secuencia "Evil Dead" el cult de Sam Raimi, pone en escena una ciudad infernal entre decadencia urbana, vagabundos a la "Street Trash" de James Muro y secuencias nocturnas que recuerdan la crepuscular prisión neoyorquina de "Escape from New York" del maestro Carpenter. Rutger Hauer intenso y al mismo tiempo irónico, es absolutamente perfecto en el interpretar Hobo, personaje que con su carga de arrugas se sitúa al lado del abrupto e inolvidable Machete de Denny Trejo. Cabezas que vuelan, extremidades destrozadas, y también "ordinarios" golpes de arma de fuego que tiñen de rojo toda la cámara, todo esto (y más) es "Hobo With A Shotgun" película dura, donde en diferentes escenas se pone a prueba nuestro estómago. Cinta sólida como la denuncia de base, que manifiesta un claro desprecio por la indiferencia que hoy en día invade nuestra sociedad. No quiero adentrarme en especulaciones audaces, tentando el campo que intersecta la filosofía y la sociología. Pero la respuesta del director parece ser cristalina: a la mierda que me rodea, respondo con otra tanta brutalidad!.

Debo decir que "Hobo With A Shotgun" respecto a "Machete" es un pelín superior como película en general, ciertamente menos convencional, pero las dos obras son sin lugar a dudas una gran acoplamiento.La impresión, sin embargo, después de llegar a los créditos finales (acompañados por la acertadísima "Run with Us" de Lisa Lougheed), es que la visión en conjunto conceda a esta película un por qué. En el fondo, sin querer ser demasiado exigente, a "Hobo With A Shotgun" no le falta casi nada. ¿Trama? cuanto basta. ¿Cast? a la altura. ¿Dirección? encomiable, que pasa por el cine exploitation , recordando vagamente Spike Lee en el uso de la cámara y sirviendose espléndidamente del technicolor (excelente elección). ¿Hay algo más? probablemente sí, pero a mí me basta con lo hasta ahora expresado.

Valoración : 8/10



En dos palabras : "Hobo With A Shotgun" es una pequeña joya destinada (solamente) a un público de cultores, el director Jason Eisener se presenta como el hermano pequeño del mejor Robert Rodriguez ( el de "Planet Terror" para entendernos), y con una anárquica vena personal de "Politically incorrect" que no ahorra ni siquiera a los niños, y en estos tiempos tanto descaro debe ser sólo premiado. Altamente recomendable.

Los 50 Mejores Discos de los 90's III.

30. Young Team de Mogwai (1997)
Post-rock
Este disco pude ser considerado una síntesis bastante inquieta de una década musical, los años noventa. La fórmula de "Young Team" dará vida a una entera corriente musical, los escoceses Mogwai ponen las bases de un recorrido sonoro humilde en la búsqueda de la melodía y del sentimiento que siempre han sido objeto del rock, sin pretender ser los vanguardistas que no son, sino más bien esforzándose por alcanzar un objetivo bastante común de manera original y moderna: parece poca cosa, pero no lo es. Mogwai con su debut ha regalado un grande disco a la historia.
Best tracks :




29. Transient-random Noise Bursts With Announcements de Stereolab (1993)
Pop-rock
Stereolab ha sido una de los grupos de referencia de los años noventa y "Transient Random-Noise Bursts With Announcements", su ápice artística. Entre las líneas melódicas, pasivas y algo dulces, los crujidos siderales de los teclados, los latidos palpitantes y los estruendos descompuesto de las cuerdas se activan en una compenetración hipnótica, persuasiva, penetrante e irresistible. Es pop como la suma de experiencias, el ruido inevitable en el fondo, tumulto perceptivo, sobrecarga de sensaciones auditivas alrededor de la ramificación frágil pero tenaz de la melodía.
Best tracks :




28. 69 Love Songs de Magnetic Fields (1999)
Pop
"69 Love Songs" es el trabajo más ambicioso de uno de los más grandes arreglistas contemporáneos, Stephin Merritt. Obra definitiva, sin precedentes y de ninguna manera repetible. Haber conocido el amor significa encontrar aquí por lo menos una imagen perfecta. Si hay una razón por la que el pop bien o mal guste a todos, la encontraréis aquí con prepotente evidencia. Y si en cambio, sois de esas personas que no "soportais" el pop, comprad este disco: cambiaréis idea con tan sólo escuchar un par de canciones. Hacer las paces con lugares comunes a veces puede ser saludable, "69 Love Songs" es la prueba.
Best tracks :




27. Nowhere de Ride (1990)
Shoegaze
Un torrente de sonidos, imágenes y sugestiones condensadas en un flujo sonoro ensordecedor, pero al mismo tiempo brillante por el gran trabajo de atención melódica. El matrimonio entre rumor y melodía no era una exclusiva para la entonces recién nacida escena shoegaze, y Ride la convierte en la razón de su existencia, escribiendo canciones basadas en las melodías del jangle pop de lo años 80, pero sacudidas por distorsiones brutales y tocadas con un vasto arsenal de efectos.Gracias a su versatilidad han sabido cruzar las fronteras de la escena shoegaze, entregando una fórmula musical que ha resumido algunos años de música pop británica.
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26. Ocean Songs de Dirty Three (1998)
Post-rock
Escuchando las "Ocean Songs" no se puede prescindir de imaginar de estar sentados en un barco, a la puesta del sol, con la mirada dirgida hacia el infinito. Es esta carga emotiva la constante de todo el disco, un delgado hilo que nos conduce en los abismos más profundos del océano sin ninguna posibilidad de recuperar el aliento. Casi en voz baja, Dirty Three se centran en un estilo entre los más significativos de la década: un folk-rock, que combina free-jazz, blues, country y psicodelia de vanguardia con una índole "post-punk". Pero leer su música sólo dentro de estas (u otras) coordenadas sería desviante, por lo indefinible de su horizonte sonoro.
Best tracks :




25. Deserter's Songs de Mercury Rev (1998)
Psychedelic-rock
Un disco alienante, con su orquestación grandilocuente, sus susurros de Belle Époque, suo pop perfecto en la estructura, el canto tan elegante y de otros tiempos. Sin embargo, a pesar de todo, sorprende la extraordinaria actualidad de una obra que se encastra perfectamente en la era posmoderna, poniendo en práctica una parodia (la recuperación de fragmentos del pasado recontextualizados) y denunciando la ausencia de genuina originalidad. Absolutamente sin tiempo y separado de su tiempo, "Desert's Songs" es una de las cumbres inalcanzables en el panorama pop de los años noventa.
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24. The Black Light de Calexico (1998)
Roots rock, Tex-mex, Post-rock
Con "The Black Light" Calexico restituye vigor a músicas tradicionales, no sólo estadounidense. La suya es una nueva forma de concebir el roots-rock, visto como un redescubrimiento de las raíces musicales de forma global y no más unidireccional y específica. Detrás del carácter (aparentemente lúdico), de Joey Burns y John Convertino, se esconden, en realidad, músicos extraordinariamente apasionados , cultos, y sobre todo existencialistas en los casos más extremos. Con "The Black Light" han alcanzado el ápice de su creatividad, forjando un lenguaje musical rico, compuesto e inolvidable.
Best tracks :




23. Nevermind de Nirvana (1991)
Grunge
Cuando se escucha por primera vez "Nevermind", se tiene una extraña sensación, la sensación de no haber pensado en nada bueno durante mucho tiempo. La obra maestra de Nirvana es algo más que un simple disco. Es rabia, inquietud, éxtasis, dolor, insoportable dolor. Todo esto es reasumible en los primeros segundos de la primera track, "Smells Like Teen Spirit", tal vez la canción rock más conocida de los años noventa. Un disco para escuchar sin interrupciones, dejandose llevar por la atormentadora y maravillosa voz de Kurt Cobain y por su desgarradora música que expresa simplemente : Libertad!.
Best tracks :




22. Loveless de My Bloody Valentine (1991)
Shoegaze
"Loveless" no contiene simplemente composiciones pop contaminadas por las experimentaciones noise. Es un flujo único en el cual están sumergidos rumor y melodía de manera inextricable, inseparable, uno al servicio de la otra, uno causa y efecto de la otra. En las canciones la pureza emerge lentamente (gracias al rumor aniquilante) victoriosa y silenciosa, mientras que a tientas buscamos una pizca de lucidez. "Loveless" se puede sentir entre las sábanas y por todas partes. Brisa atrapada en la habitación, que no puede salir. Ensordecedor, subliminal, profundo, un dulce susurro en la cabeza.
Best tracks :




21. Electro-shock Blues de Eeels (1998)
Songwriter, Alt-pop-rock
Así como en la vida, en “Electro-Shock Blues” el concepto de sufrimiento parece fundirse para poder ser filtrado obligatoriamente en otra cosa, apartando de esta manera la esencia misma que acompaña día tras día nuestras acciones. Si la música es el credo de Mark Everett, “Electro-Shock Blues” es antes que nada, un conmovedor acto de amor hacia la música. En cualquier forma de arte que se respete, la delgadísima línea que separa la vida del más allá es absorbida por diversas tonalidades difícilmente circunscritas al trabajo realizadado por "Mr. E" con este maravilloso disco.
Best tracks :


*Hacer click en las canciones para ver los respectivos videos.

mayo 25, 2011

Película del día...

Rio - Carlos Saldanha , 2011

Han pasado casi diez años desde cuando el estudio cinematográfico Blue Sky daba a luz a una de las más grandes intuiciones en el campo de la animación, tanto en crítica como en público. Con "Ice Age" que le valió incluso la nominación a los Oscar en el 2002 y una afortunada doble secuela, la producción firmada Twentieth Century Fox entrava de esta manera entre los grandes de la animación y de la gráfica computarizada junto a la DreamWorks y sobre todo a la Pixar.

El punto de fuerza de la Blue Sky Studios es posiblemente la compactez del team. importante en este sentido el hecho de que al timón de la direccion se encuentre desde hace diez años siempre la misma persona (salvo "Horton Hears a Who!"), es decir el brasileño Carlos Saldanha. Y es precisamente en su ciudad natal que el autor ambienta su último trabajo: "Rio", historia de un simpático ejemplar de guacamayo que no sabe volar, y que deberá trasladarse del frío y apagado clima del Minnesota hacia el caliente y maravilloso carnaval de Río de Janeiro por motivos de... supervivencia. Blu (este es el nombre del guacamayo) se encuentra en grave peligro de extinción y el objetivo principal es de hacerle transcurrir una luna de miel forzada con Jewel, último ejemplar femenino que vive en Brasil y de este modo preservar la especie.

El ingrediente secreto de la película es sin lugar a dudas la simplicidad. A comenzar por el guión, un poco pobre pero directo y nunca banal, siguiendo con la elección de los personajes, acertados y lo suficientemente divertidos aunque si no todos caracterizado perfectamente (es una verdadera  lástima que el grupo de monos cleptómanos aparezca sólo por pocos minutos). Simple es también el tema recurrente, el de un nuevo mundo por descubrir y explorar, capaz de donar el amor verdadero, las amistades más auténticas (la sabiduría de tucán Rafael) y despreocupadas (el entretenimiento de Nico y Pedro). Un oasis da propiedades salvíficas capaz de hacer realizable los deseos más íntimos (volar, en el caso de Blu) y de disipar los temores y las presiones. La película se desarrolla entre desventuras rocambolescas, persecuciones frenéticas, entre un uso exagerado del color en puro estilo carioca y "obviamente" no podía faltar  la presencia del slapstick facilitado por una discreta dosis de acompañamiento musical.

El tema principal de "Rio" gira en torno a la tan anhelada libertad, aquella obstaculizada por los cazadores furtivos que ahogan las esperanzas de las aves incluso poco antes de llegar al Happy Ending revelador. (Spoiler) - Linda, la proprietaria de Blu, no regresa con su guacamayo en Minnesota, lo deja libre para que puedad volar y sobre todo vivir entre el paisaje verde de la selva amazónica, reiniciando ella también una nuova vida. - (Fin Spoiler)Como cualquier arma de doble filo, la simplicidad de “Rio” regala por una parte la cantidad correcta de fluidez y de divertimento (gracias a la contribución del 3D), mientras que por la otra se revela un freno para afrontar temas de mayor espesor, evidenciando de esta manera sus evidentes límites de contenido. A diferencia de las últimas obras maestrar de la Pixar, verdaderas joyas realizadas (sobre todo) para los "grandes", la película de Saldanha es un vivaz y humilde ejercicio de animación vieja escuela que se dirige especialmente a los niños, destinatarios naturales de este género de cine.

Valoración : 6.5/10


En dos palabras : La nueva película de Carlos Saldanha es un producto que, a pesar de su altísimo nivel técnico de animación, parece haber sido confeccionado para un target más bien bajo, capaz de dejarse encantar por los colores y por las sonoridades típicas del lugar. Entretenimiento agradable pero no muy original, rico de estereotipos clásicos montados al interior de una trama simple y de personajes simpáticos pero para nada cautivadores como los glaciales predecesores.

mayo 23, 2011

Película del día...

Le Gamin Au Vélo (The Kid With A Bike) - Jean-Pierre & Luc Dardenne , 2011

Una historia dramática, una historia francesa, protagonizada por un niño y su bicicleta, a la que nunca deja. Un poco como la cobija de Linus. El protagonista de esta historia es Cyril, un niño de doce años. Interpertado extraordinariamente por Thomas Doret, el pequeño Cyril es abandonado por el padre (el siempre óptimo Jérémie Renier) en un centro de recepción de menores. Es aquí que el protagonista, siempre con su bicicleta, trata de rebelarse contra el despreciable padre, pero conservará rencor contra todo el mundo. La única persona que lo hará volver en sí, será Samantha, interpretada por una fantástica Cécile de France. El encuentro con Samantha dentro de una peluquería cambiará la vida del pequeño protagonista.

Ella se hará cargo de él durante el fin de semana, pero, ¿Esto será suficiente al pequeño Cyril para poder encontrar su camino?, ¿Encontrará en Samantha aquella figura femenina que nunca ha tenido?, ¿Conseguirá crear con ella una conexión que será más fuerte que un vínculo de sangre?. Su relación no será nada fácil, procederá a tentativos y a errores. Son sumamente importantes, dentro de la película, los largos paseos que los dos realizarán con sus respectivas bicicletas. Momentos que harán alejarse a Cyril de aquel estado de alienación y de aversión en el que se encuentra contra todo aquello que está a su alrededor. La historia es bastante simple, no tiene una trama entrelazada, pero la carga emocional es enorme.

Con su habitual estilo neorrealista, los hermanos Dardenne cuentan una historia cotidiana de forma natural y al mismo tiempo extremamente íntima. La cinematografía de los hermanos belgas se distingue siempre por algunos elementos caracterizantes como el simbolismo. El protagonista tiene una relación morbosa con su bici, porque ella representa el único vínculo que tiene con el padre, a menudo también se recuerda, con el flujo de agua, el avance implacable del tiempo en contraposición con la inmovilidad de los personajes. No podía faltar en una película de los Dardenne la poesía, esta vez presente en el guión y en los ojos de los protagonistas que desbordan infinitas emociones, pero sin necesidad de incurrir a sentimentalismos desagradables. La cámara, parecer ser atraída por los cuerpos que giran delante de ella y por los cuales se siente fuertemente fascinada. El resultato es un película que posee una fuerza motora entusiasmante, donde el leitmotiv está representado por el continuo vaivén de Cyril, que atraviesa incansablemente todos los lugares de la narración, con particular atención al bosque, lugar metafórico de la tentación. Todo esto indudablemente representa para el pequeño Ciryl la búsqueda extenuante del afecto paterno, negado en repetidas ocasiones. Es imposible no compararlo con la protagonista de "Rosetta" (la obra maestra de los Dardenne), donde el personaje se mueve dentro del espacio narrativo con una insistencia casi histérica, emblema de la angustiante desocupación.

Una novedad aportada por los Dardenne es la, si bien parsimoniosa, presencia de la banda sonora. Los directores justifican esta elección, necesaria, atribuyendola a la construcción fabulística alrededor de la cual gravita el significado completo de la película. Sin embargo, la música que se advierte de vez en cuando en los momentos de mayor pathos, parece poner en relieve fastidiosamente algo ya percibido claramente, un exceso del que se podía absolutamente prescindir. La impresión en efecto, non es aquella dela empatía, sino, al contrario, del extrañamiento. Por lo general la película está en línea con la bella (e importante) filmografía de los directores, manteniendo el estilo de rodaje realista, y evitando cualquier forma de manierismo. Un espectáculo destinado a todos los amantes del género.

Valoración : 7.5/10


En dos palabras : Auténtica, esencial y lineal en la escritura. "Le Gamin Au Vélo" se presenta como una especie de fábula, donde los personajes son llamados a afrontar la pruebas más difíciles para poder alcanzar la paz final, que no necesariamente se traduce en un final feliz, sino más bien en el ser consciente de poder contar con el apoyo de otra persona. Los hermanos Dardenne cuentan una historia de simple y conmovedora humanidad. Recomendable.

mayo 21, 2011

Película del día...

The Tree Of Life - Terrence Malick , 2011

Tengo que admitirlo. Es mi deber hacia vosotros ser lo más honesto posible. Es por esto que no escondo un poco de vergüenza en el hablar de la última obra de Terrence Malick. Sin embargo, también soy de la opinión que semejante premisa se debe más al deseo de no dejarse llevar excesivamente por las emociones. Me tomé un poco de tiempo, para elaborar el margen más amplio posible de reflexión. ¿Ha sido lo suficiente? tal vez no, pero no es necesariamente algo malo. Sólo ahora, en efecto, todavía aturdido por la visión de la película, siento que puedo describir lo visto y lo vivido (dentro de los límites de mi capacidad, claro está). Ahora sé de lo que debo hablar. Sólo necesitaba hacer un poco de orden en mi cabeza.

"The Tree of Life", honestamente, es una película visionaria hasta la médula. Ya sea a nivel narrativo, que a nivel conceptual y visivo y también en relación al oído. Se trata de una experiencia total y totalizante, que pone en tensión prácticamente todas las fibras necesarias para la recepción de cualquier trabajo cinematográfico. Guste o no, la película de Malick dispone de distintos grados de importancia. Esto implica que, paradójicamente, más que la interpretación en el sentido estricto, se presta mayormente a una lectura precisa. Abierta quizás, pero decididamente menos de lo que las apremiantes imágenes puedan sugerir. En superficie tenemos la historia de una familia, los O’Brien. Padre autoritario, tres hijos con una alegría despreocupada y una madre que los mantiene unidos. Pero no os dejéis engañar : los episodios que giran en torno a esta normalísima familia de la clase media americana de los años 50, simplemente representan el medio por el cual transportar el mensaje. El propósito es indudablemente otra cosa. Y que el director aspire a algo, completamente diferente, no es de ninguna manera difícil entenderlo. La historia de la familia O’Brien es sorprendentemente alternada, con una maestría extremamente eficaz, a la historia del mundo, ¡que digo mundo...de todo el universo conocido!.

Aquellas imágenes, de una densidad cromática sorprendente, te entran en la piel y se convierten en parte de ti. No sé cómo expresar mejor lo que sucedió durante la proyección. Sobre lo que no tengo ninguna duda es sobre la absoluta participación emotiva que he experimentando. Algo que me ha hecho entrar en contacto con los pensamientos, las imágenes mentales pertenecientes exclusivamente a aquellla persona que ha dado vida a todo esto. Una visión completamente épica, inherente a la génesis de la creación, que te deja sorprendido. Sustancias que se mezclan; volcanes que explotan; moléculas que se separan; así como un chapoteo continuo de olas que se rompen en el vacío de una cascada; de cuerpos celestes incandescentes que se chocan, se unen, se dividen. Y en medio de este bellísimo caos visual, no puedo olvidarme de otro sentido importantísimo, estoy hablando del oído. Brahms, Mozart, Bach .... y obviamente la música original de Alexandre Desplat acompañan esta explosión de los sentidos dentro de un cuadro visto pocas veces en el cine y profundamente inspirado. Sonetos de preciosa confección en movimiento, por lo tanto, emociones que toman forma generando una mezcla de sensaciones capaz de inducir un éxtasis del tono místico difícilmente describible. En una obra cinematográfica que es un viaje, "El Viaje", lo que une a cada uno de nosotros a este pequeño rincón de universo infinitamente microscópico, y paradójicamente inmenso por esta misma razón.

Por otra parte, cabe resaltar que, "The Tree of Life" se juega prácticamente todo, en términos vagamente narrativos, sobre el desenfrenado acercamiento de los opuestos mayormente conocidos. Y es en este campo que se experimenta la mezcla de las teorías evolucionistas, en contraposición a aquellas (aparentemente más rígidas) de la creación. Amor y odio coexisten, así como la gracia y la ausencia de ella. Miedo y coraje, luz y oscuridad, vida y muerte, cielo y tierra… puedo continuar hasta el cansancio!. La presencia misma de los actores, en este contexto, podría resultar superflua. Pero semejante consideración sería contradictoria con lo apenas expresado en esta reseña. Su participación se sitúa en un nivel importante. Porque dentro del universo también hay espacio para ellos, mejor dicho, ¡hay espacio especialmente para ellos!. Así como lo hay para cada uno de nosotros. Nosotros que nutrimos esperanzas, sueños. Nosotros que sufrimos, que amamos, hacemos el mal y recibimos por igual. En este sentido Brad Pitt (realiza quizá la mejor interpretación de su carrera), la maravillosa Jessica Chastain, el joven Hunter McCracken  y Sean Penn se comportan extraordinariamente.

Terrence Malick cuenta sobre estas vidas, que nos tocan en lo más profundo, de manera esencial y fuera de cualquier banalidad o estereotipo, con el objetivo de llegar al corazón del profundo sentimiento de lo que está oculto, y que sólo el poder del verdadero cine posee, me refiero a la obstinación de mostrar y dejar admirar. Malick lo hace con pocos diálogos, tanto así que las palabras parecen perderse en el viento (de manera aún más radical, respecto a la extraordinaria "The Thin Red Line"), entre las ramas de los árboles, en las carreras sin fin alrededor de la casa, huyendo de un padre que se arrepiente demasiado tarde, en presencia del primer y punzante dolor incurable. Malick no es y no desea ser un filósofo, es más bien el realizador de un tipo de cine que habla otro idioma: un idioma para nada común, etéreo, poético, soñador, aparentemente distraído y sin embargo transparente, donde en cada pequeño fotograma se esconde una señal, un significado, un recorrido, una encarnación, una simple alegoría. La ilimitada vastedad del espacio en donde nos encontramos no es simplemente infinita, sino más bien perfecta. Suficiente como para necesitar también de nuestras vidas, que en su desenredarse ordinario, encuentra un significado, una misión. Existir es parte de todo.

Y mientras me dirigo inexorablemente hacia la conclusión de esta reseña, por mi mente pasan imágenes, comparaciones, similitudes y sobre todo aquella extrema proximidad conceptual a dos obras maestras como : "2001: A Space Odyssey" y "Blade Runner". Si la primera película mencionada las analogías son bastante claras, en relación a la segunda película tengo que decir que como en "Blade Runner", en "The Tree of Life" la importancia de los recuerdos asume también un papel primordial. De hecho, la película de Malick es un recordatorio constante, en un recorrido que va hacia atrás pero que trasciende el concepto de tiempo, aboliendo el pasado, presente y futuro de forma desarmante (positivamente, queda claro). Además que, algo que no debemos subestimar, la película pide a gritos un segundo visionado, es bastante raro advertir esta necesidad incluso antes de abandonar la sala. "The Tree Of Life" es una obra maestra por donde se le mire, es "La Película" de toda una generación. A vosotros la ardua tarea de establecer el inicio de la generación en cuestión. A mí me basta con lo que he visto, sentido y, sobre todo probado. Sinceramente, no siento la necesidad de algo más.

Valoración : 10/10


En dos palabras : Fascinante, sublime, y de ninguna manera accesible, una película que no es para todos. Sobre esta base, "The Tree Of Life" podría parecer un absurdo dilema cósmico que hace un guiño a la new-age, pretenciosa, impenetrable, críptica. Sin embargo no es nada de esto, una película para aquellos que poseen un poco de sensibilidad artística y emotiva. Nos encontramos frente a una obra, más que a una simple película, de proporciones épicas. Una verdera obra de arte destinada a permanecer en la memoria por muchísimo tiempo.

mayo 17, 2011

Película del día...

The Housemaid - Im Sang-soo , 2010

"The Housemaid" de Kim Ki-young (1960) ha sido descubierta en occidente un poco tarde, pero en Corea es considerada una verdadera obra maestra, una de las mejores películas coreanas jamás realizadas. Consagró Kim Ki-young como maestro del thriller psicológico (sin dejar atrás halagadoras comparaciones con el cine de Buñuel) y vió una de las primeras apariciones cienmatográficas de uno de los actores coreanos más populares de siempre, Ahn Sung-ki (interpretava el hijo del protagonista y tenía una salida de escena realmente impactante). Si tenéis ocasión de recuperarla (sobre todo si se trata de la copia restaurada con la colaboración de Martin Scorsese), hacedlo, no os arrepentiréis.

No ha debido de ser nada fácil para Im Sang-soo confrontarse con un título tan importante. Presentado como un remake, la nueva "The Housemaid" es más que nada una variación sobre el tema y por otra parte el mismo Kim Ki-young había vuelto a afrontar temáticas parecidas en trabajos sucesivos como "Woman on Fire" (1971) y "Woman of Fire ‘82" (1982), que forman parte de "Housemaid Trilogy". Aunque si el director de "A Good Lawyer's Wife" y "The President's Last Bang" en pasado había demostrado ser capaz en mezclar el género dramatico con el comico grotesco, la estupenda película de Kim Ki-young, con sus trayectorias geométricas, sus destellos de malicia auténtica y el sorprendente final, sigue siendo un modelo inalcanzable. Es una verdadera lástima, porqué los colores exuberantes de Im Sang-soo, sus movimientos de cámara envolventes, las prodigiosas performances de los protagonistas, y algunas situaciones eróticas convincentes, deponen a favor de una obra que, aunque no esté a la altura de la original, no merece ser desaprobada del todo.

Como sugiere el título (y cómo saben los que han visto la película original) en el centro de la historia se encuentra una sirvienta, Eun-yi (la protagonista de la película del 60 en cambio permanecía simbólicamente en el anonimato), interpretada por Jeon Do-yeon, actriz extraordinaria, madre inolvidable en la bellísima "Secret Sunshine" de Lee Chang-dong. La joven es contratada como ayudante de la señora Cho (la veterana Yun Yeo-jong, protagonista de "Woman on Fire"), gobernante de la casa del adinerado señor Hoon (Lee Jung-jae). A diferencia de la inquietante protagonista de la obra de Kim Ki-young, el personaje de Eun-yi de Jeon Do-yeon es una figura gentil y solar que pronto se gana el cariño de la mujer y de la hija del enigmático señor Hoon. Es sobre todo este último a mostrar una particular debilidad hacia la joven Eun-yi y, cómplice el avanzado estado de gestación de su mujer, la seduce. Rápidamente la joven descubre de estar también embarazada y por esta razón se presagian grandes e inevitables problemas, y también porque la mujer y la suegra de su amante, una vez descubierto el asunto, comienzan a conspirar en su contra.

Si en la obra original el personaje de la sirvienta era una de las razones del éxito de la película, lamentablemente hay que decir que aquí es la figura de Eun-yi a no convenser del todo. No es sólo el hecho de que ahora la sirvienta es un personaje positivo y no es más la amenaza que se acerca al "perfecto" cuadro familiar; a perjudicar principalmente son, las motivaciones poco claras de la joven(¿Está realmente enamorada de su amante?, ¿Aspira a su patrimonio? ¿Está sólo halagada por las atenciones que recibe?) y ni el indudable talento de la protagonista puede hacer mucho frente a las evidentes deficiencias de semejante planteamiento. Con un poco de fábula romántica, melodrama familiar, historia erótica, la nueva "The Housemaid" no se atreve a transitar el camino del thriller paranoico, género con el cual la anterior película sobresalía. Im Sang-soo, consciente de las lecciones de Kim Ki-young, no renuncia a un final "impactante", en el cual el componente grotesco predomina, aunque si el resultado es menos deslumbrante y . Lo que queda claro de este remake es la comfirmación de las capacidades que posse el director en el combinar los diferentes géneros, sólo debemos esperar que la próxima vez elija un argumento que le permita de utilizarlas de la mejor manera posible.

Valoración 6/10


En dos palabras : La versión 2010 de "The Housemaid" es un homenaje imperfecto, tan rico de encanto como desprovisto de una real participación emotiva. Si en la película del 60 la historia se sostenía sobre una fuerte tensión y un intenso enfoque psicológico, este remake parecer inclinarse más hacia la estética (bastante lograda) que hacia el alma palpitante de la historia. Para todos aquellos que desconoscan la película original la calificación podría ser más positiva y la visión, por consiguiente, satisfactoria.

mayo 15, 2011

Película del día...

Red Hill - Patrick Hughes , 2010

Óptima película de convicciones sólidas, "Red Hill", tan masculina y sin embargo atravesada por una feminidad constante y luminosa, un faro que guía en la zonas oscuras de la razón, entre venganza y vengadores. Se toma su tiempo la película de Hughes, antes de entrar en el eje de la historia, pero cuando lo hace, pone el turbo y comienza a triturar inexorablemente kilómetros de cine. Enterrando sus raíces en el western más clásico sin desdeñar de caminar de la mano con el Rape and Revenge, la película pone en escena los rostros justos, acompañados por una sincronización perfecta del tiempo óptimamente caibrada, escandida por insistentes disparos de fusil y por el irrefrenable flujo de sangre.

La trama es simple : el joven Comisario Shane Cooper (Ryan Kwanten)se traslada a la pequeña ciudad de Red Hill con su mujer embarazada con el fin de iniciar una nueva familia. Cuando la noticia de una fuga de la prisión desata el pánico entre los agentes de policía local, el primer día de servicio de Shame empieza a ir de mal en peor.
Jimmy Conway (un fantástico Tom E. Lewis), un asesino condenado de por vida tras las rejas, regresa al pueblo aislado en busca de venganza. Atrapados en medio de lo que rápidamente se convierte en un baño de sangre espantoso, Shane se verá obligado justicia a tomar por sus propias manos, si desea sobrevivir. En cierto modo la historia es predecible, pero sin embargo es rica de valor, la película consigue ser grande sin exagerar jamás, gracias a su paso orgullosamente clásico, casi como si nos encotramos frente a una tragedia griega. Sin prisa y con determinación, todos los elementos y los personajes, son presentados y diligentemente alterados, dejando en el espectador un "dulce" sabor de boca.

Poseedora de algunas secuencias magníficas, algunas incluso tristes e hipnóticas, "Red Hill", arrastra consigo al espectador, obligándolo a contener la respiración, a temblar de rabia y finalmente a conmoverse frente a la muerte, verdadero denominador común de una historia que en la sangre encuentra el significado más profundo. Al parecer Patrick Hughes tenía las ideas bastante claras sobre como tenía que ser su debut cinematográfico porqué, más allá de alguna pequeña imprecisión, su ópera prima funciona maravillosamente, ya sea cuando se pone a prueba con los clichés del género, ya sea cuando se divierte en mezclarlos. Tomando en préstamo el íncipit de "High Plains Drifter" del grande Clint Eastwood, la película de Hughes se desenvuelve sin ningún tipo de caída de ritmo y la historia de venganza y del pasado oscuro que resurge esta muy bien realizada y desprovistas sobre todo de particulares "desproporciones".

Pero el aspecto con seguridad más interessante de la película es ver como el director australiano haya conseguido aprovechar totalmente las potencialidades de esta historia divirtiendose a cambiar y a mezclar continuamente los géneros. A funcionar también, aparte la desenvoltura en la dirección, es una estupenda fotografía digital y un guión "simple"(en el mejor significado de la pelabra), ordenado y funcional. Basta pensar en el primer encuentro del protagonista con su nuevo jefe, una breve secuencia que por sí sola es suficiente para catapultarnos immediatamente y eficazmente en la mentalidad provincial y tradicionalista con la cual el protagonista tendrá que (con)vivir o en la llegada al pueblo del misterioso vengador con los hombres temerosos observandole. Hata llegar a aquél extraordinario final, bello, lírico, sufrido, irónico y justo, es precisamente aquí en dode la película toca su punto más alto, trascendiendo la misericordia y la justicia, para entregarse al mito y a la poesia.

Valoración : 7.5/10


En dos palabras : “Red Hill”, a diferencia de otras películas de género vistas recientemente, demuestra que se puede realizar una óptima película incluso con pocas ideas, pero dirigidas sabiamente, sin tomarse demasiado en serio y resaltando los aspectos que realmente importan cuando se decide rodar una película. Algunos realizadores podrían ya ir aprendiendo de esta "pequeña" obra . Recomendable.

mayo 12, 2011

Las 50 Mejores Películas de los 90's III.

30. Podzemlje (Underground) de Emir Kusturica (1995)


La obra maestra de Kusturika, el equilibrio perfecto entre grotesco y alegoría. Genial y sorprendente, amarga y vitalísima, el canto fúnebre de un mundo y de una nación, presentado como una fiesta llena de fuegos artificiales. "Underground" es una película grandiosa, surrealista, felliniana y dramática, posee una potencia casi excesiva, como la crecida de un río que involucra al espectador y lo sumerge totalmente en la atmósfera de la tradición eslava. Esta obra, mejor que cualquier otra representa el sorprendente cine balcánico de las últimas décadas. (tráiler)





29. Heavenly Creatures de Peter Jackson (1994)


Basada en una historia real ocurrida en Nueva ZelandIa en los años '50, la película de Peter Jackson es como si fuera un himno perverso y maravilloso a la fantasía y al fantástico en generale. Una especie de imposible "fantasy-exploitation", "Heavenly Creatures" pone en juego una mezcla de perversión, inocencia, sensualidad y morbosidad absolutamente original. Con uno estilo visivo personalísimo, un significado del espectáculo preciso y fuerte, es la capacidad de ir más allá de los límites del "buen gusto" de la puesta en escena, el director se empeña en decirnos que "no todos los ángeles son inocentes". (tráiler)




28. Breaking The Waves de Lars von Trier (1996)


Siete capítulos, más un prólogo y un epílogo, cada uno introducido por imágenes naïf y música de los años '70, marcan la existencia de Bess (una inolvidable Emily Watson) en su viaje desde el infierno hacia la redención, pasando por el sacrificio extremo. "Breaking The Waves" es un melodramma truffautiano, catoliquísimo, ebrio di espíritu de salvación, una obra de una sensibilidad desbordante que te deja desplazado; ningún efecto especial, ningún dolly, tan sólo la utilización de la cámara al hombro que se pega a la protagonista con aquellos inolvidables primeros planos cerradísimos que llegan directamente al corazón de los espectadores. (tráiler)



27. Magnolia de Paul Thomas Anderson (1999)


Lo que sorprende en la maravillosa película de Anderson es la fluidez de los acontecimientos, que, aunque si son complejos en su construcción se desplazan dentro de la pantalla con extrema naturalidad, sosteniendo las casi tres horas de duración sin llegar nunca a aburrir. Anderson centra su atención en un evento particular como si fuera una sensación de desastre final en las vidas de los personajes, eventos que parecen aparentemente decretados por la casualidad pero que cada personaje no podrá no vivir como "condena" o "expiación" de un error precedentemente cometido. Obra inolvidable como la lluvia de ranas... (tráiler)




26. The Truman Show de Peter Weir (1998)


Peter Weir lanza su acusación despiada y mordaz a la creciente invasión de los medios de comunicación en nuestras vidas y a la progresiva barbarización de la conciencia crítica de los espectadores, desprovistos de alguna moral u opinión, reducidos a simples embudos dentro de los cuales hacer fluir las imágenes. En un escenario desolador Truman (un grandioso Jim Carrey) es el símbolo de la redención del hombre que se niega a hacerse enjaular en esquemas establecidos que pisotean la dignidad. ¿Comedia o drama?, ¿Sátira o ciencia ficción? la película es en realidad una amarga, pero exacta anàlisis del espíritu humano en sus diversas manifestaciones. (tráiler)



25. The Sweet Hereafter de Atom Egoyan (1997)


"The Sweet Hereafter" es una película cruel en su dulzura, en la calma con la cual las más turbias intrigas son desveladas. Obra martirizante, dolorosa, melancólica y sin embargo delicada, Atom Egoyan realiza un trabajo maravilloso, hecho de enlaces sonoros y visivos que no permiten de interrumpir el hilo triste de melancolía que se desenreda a través de la duración de toda la historia, el presente se entrelaza inextricablemente con el pasado, aclarando ante los ojos de lso espectadores el porqué de tanto sufrimiento. Una manifestación sentimental que no deja absolutamente indiferente. (tráiler)




24. Reservoir Dogs - Quentin Tarantino (1992)


Quentin Tarantino ensucia y contamina aquello que hubiera podido ser tan sólo un thriller de serie b y cofecciona sorprendetemente una brillante fusión entre comedia demencial, gangster movie, película policíaca y "horror movie", sin el más mínimo temor de mostrarnos litros de sangre o de ofrecernos una espeluznante (pero memorable) escena de tortura. Tarantino es capaz de mezclar, con grande desenvoltura, géneros aparentemente heterogéneos entre ellos. ¿El resultado?... Película inolvidable con una dirección extraordianria y un guión originalísimo, frenético y arrollador. Sin lugar a dudas su obra maestra. (tráiler)




23. Il Ladro Di Bambini (The Stolen Children) de Gianni Amelio (1992)


"Il Ladro Di Bambini" es una película que se reanuda a la tradición del neorrealismo (Ladri Di Biclette), centrando su atención no tanto en los eventos narrados ni tampoco en una explícita denuncia social o política, sino más bien en el espesor interior de los tres protagonistas. Una película que describe la miseria ambiental y moral de un país como Italia con extrema dureza y desencantado realismo, sin ningún intento de endulzar la realidad y sin ninguna concesión a la retórica, pero al mismo tiempo con la capacidad de no acontentarse de las mostruosidades y de mantener una mirada delicada y púdica sobre la infancia. Obra indispendable. (tráiler)




22. Trois Couleurs: Rouge (Three Colors: Red) de Krzysztof Kieślowski (1994)


En la última pieza de los “Tres colores”, Krzysztof Kieślowski nos ofrece una compleja parábola sobre el intercalamiento entre casualidad y necesidad, que parecen destinados a mezclarse y a confundirse inextricablemente; pero “Trois Couleurs: Rouge” es también una profunda reflexión moral sobre los valores de nuestra civilización, iluminada por la nota de esperanza contenida en el epílogo. Una obra rica en simbolismos y en referencias internas (entre pasado y presente), acentuadas por los tonos rojos de la fotografía y por la bellísima banda sonora, y sobre todo por las interpretaciones memorables de Irène Jacob y de Jean-Louis Trintignant. (tráiler)




21. Naked Lunch de David Cronenberg (1991)


El encuentro entre David Cronenberg y William Burroughs da lugar a la que puede ser considerada la película más experimental de toda la filmografía del director canadiense. El libro es un texto prácticamente improyectable, la pseudo-biografía sobre la mentalidad desviada de un escritor uxoricida e "inconscientemente tóxico, Cronenberg captura la esencia en este viaje impresionante, oscuro y claustrofóbico por pesadillas y alucinaciones. Onírico, surrealista y visionario hasta el exceso, escrito y dirigido a la pefección. "Naked Lunch" un reto que pocos se habrían atrevido a aceptar y que Cronenberg supera con gran éxito. (tráiler)

mayo 06, 2011

Película del día...

Caterpillar - Kōji Wakamatsu , 2010

1940, segunda guerra mundial. El teniente Kurokawa regresa a casa con tres medallas de honor. Pero ha perdido los brazos y las piernas, no puede hablar y apenas es capaz escuchar. Se convierte rápidamente en el símbolo de la virtud militar japonés y en un Dios para la comunidad, pero non para la mujer Shigeko que tendrán que honrar al Imperio asistiendole, pero que le recuerda como un hombre violento y abusador, viviendo con conflicto todas las atenciones che él necesita. La situación será inevitablemente terrible y sumamente difícil… El nuevo trabajo del japonés Kōji Wakamatsum se puede paragonar a una experiencia realmente angustiosa, en donde vienes capturado desde la primera hasta la última escena en un lento crescendo de ambientes que transforman progresivamente la obra en una pesadilla.

Pasado el shock inicial de ver en un plano único el cuerpo del teniente Kurokawa, en el momento en que aparece el título de la película después de la primera escena, el espectador asiste a la cotidianidad que Shigeko debe afrontar con el marido: que obviamente no puede hacer absolutamente nada de manera independiente, y debe ser asistido las 24 horas del día. Si al inicio la mujer lo asiste resignada, la situación del día a día se hace cada vez más difícil e inicia a comprometer la paciencia de la mujer. Es en ese preciso momento que explota toda la rabia contenida en la película, una obra durísima y política, capaz de reflexionar sobre la herencia que ha dejado la guerra y sobre el sistema político-social del Japón.

En este cuadro singular lo que sobresale es el profundo respeto que prueba una población hacia "El Imperio", principalmente porque se ve obligada a hacerlo. Una población que fundamentalmente no respeta a la mujer. Público y privado se compenetran y se sostituyen simbólicamente en una síntesis que es una reprimenda sin mediación de la falsa conciencia sobre la cual se ha construido el mito autoconservativo de una nación. Dirigido con una ra potencia visiva, la película es también un grande testamento sobre las mutilaciones de las batallas, sobre las consecuencias que la guerra tiene sobre los cuerpos y no tan sólo sobre las almas. La historia de Kurokawa se convierte en sinécdoque de la historia del proprio país en ese periodo, con las bombas sobre Hiroshima y Nagasaki.

Wakasatsu lo cuenta todo, incluso el sexo (utilizado con rara eficacia) y los duros desahogos de la mujer, sin temer jamás la repulsión, sin bajar la mirada, seleccionando con un rigor absoluto las memorables escenas que le impiden caer en las trampas voyeuristas y de cerrar el discurso con una coherencia ejemplar, con imágenes y didascalias aterradoras sobre los resultados de la segunda guerra mundial. La película posee una lucidez y una fuerza impresionante, mérito de un director que no deja de ser una espina en el costado del sistema cultural. Caterpillar, que en inglés significa “oruga” (es decir la situación en la que se encuentra el protagonista, incapaz de moverse si no exactamente igual que el insecto), no es una película de terror pero transmite un miedo increíble. Una grande película de recuperar lo antes posible.

Valoración : 8/10


En dos palabras : Kōji Wakamatsu, a través de está terrible historia de vida/no vida, realiza un pequeño y desgarrador viaje al interior de los sentimienos que componene el espíritu humano: el egoísmo, la culpa, el orgullo, la compasión, el cinismo, y lo hace con una mirada emotivamente distante, gracias a la cual puede omitir el fácil sentimentalismo para entrar por completo en el corazón palpitante de una historia pasada, presente y futura. El resultado es un trabajo despiadado, conmovedor, riguroso, lacerante y bellísimo. Absolutamente recomendable.

mayo 05, 2011

Película del día...

Red Riding Hood - Catherine Hardwicke , 2011

Señoras y señores, prestad atención que la feria de las banalidades ha llegado a la ciudad y está llena de clichés y estereotipos para todos. No os amontonéis demasiado alrededor y tratad de contener las risas. "Red Riding Hood" es una película demencial que calca la impronta de la saga de "Twilight", teen-horror que juega con las emociones fáciles de bajo costo y trata de intrigar al espectador girando alrededor de la interrogante "¿Quién es el lobo feroz?".

...En un aldea, situada quién sabe dónde y quién sabe cuando, la joven Valerie (Amanda Seyfried) y su inseparable capa roja vivían un forzado ménage à trois con el leñador Peter (Shiloh Fernandez), personaje que hacía latir su coranzoncíto, y el herrero Henry (Max Irons), hacia el cual la madre la encaminaba por razones económicas. Considerad además que la aldea era, desde hace dos generaciones, víctima de un singular pacto con el hombre lobo, el cual una noche ignorando el clásico "chivo expiatorio" atacó y mato a la hermana de Valerie. Los aldeanos decidieron de poner fin al pacto y acabar de una vez por todas con el monstruo, pidiendo ayuda al despiado padre Solomon (Gary Oldman) que con un elefante de latón a dimensiones reales y un pequeño ejército, completamente decidido en resolver aquél "aterrador" misterio sobre la verdadera indentidad del lobo...

El peor defecto de "Red Riding Hood" es su pretensión de seriedad mientras que habría tenido un increíble potencial de hilaridad demente, en efecto, es verdaderamente una lástima que el proyecto no haya caído en las manos de Edgar Wright ("Shaun of the Dead", "Hot Fuzz", "Scott Pilgrim vs. The World") de lo contrario habría sido absolutamente otra cosa (quizás ya un "cult"). En cambio el resultado es simplemente un fantasy-horror que no consigue asustar (si se excluye por como esta realizado)o ser sexy como desearía. Pésima fotografía, actuaciones que hacen echar de menos la expresividad de una farola y una dirección cuidadosa en el buscar las cuerdas que hacen mover los corazoncitos de tantos teenagers, no sorprende el hecho de que la directora Catherine Hardwicke haya dirigído también el primer episodio de la saga "Twilight" y que en esta ocasión otorgue a la película una identidad imprecisa e inerte.

El único punto a su favor podría haber sido Amanda Seyfried pero, a pesar de aquellos maravillosos ojos verdes y de un rostro perfecto para impersonificar Caperucita Roja no consigue transponer el famoso personaje del cuento en pantalla, permaneciendo con la boca abierta durante toda la película, moviendose desconcertada escena tras escena zigzagueando desorientada como el espectador en un mundo de fábulas, pero no lo suficientemenete fascianante; un mundo dark, pero sin excesos sino aquellos relacionados con el budget: "Red Riding Hood", en efecto, ha costado más de 40 millones de dolares a la producción y el único resultado es el de empujar al espectador hacia la búsqueda de sinónimos para la palabra "terrible", personalmente opto por "atroz". Al final de la proyección me invade una sensación de horror y de profunda verdad: indudablemente he desperdiciado una entrada al cine. Un consejo a cualquiera que ame el cine: abrid el cajón "películas para olvidar rápidamente", ponedla dentro y cerrad con llave.

Valoración : 2/10


En dos palabras : "Red Riding Hood" logra decepcionar en cada una de sus partes, la historia es inexistente, la ambientación sumamente falsa y sobre los efectos especiales mejor no hablar, nadie había pedido a Catherine Hardwicke de tocar los picos de un cult como "The Company of Wolves" de Neil Jordan o de un fantasy que podría ya considerarse un clásico como "Stardust" de Matthew Vaughn, ni tampoco de propinarnos una historieta romántica para teenagers vendiendola como una intrigante reconstrucción literaria. El peor estreno en lo que va del año.

mayo 02, 2011

Película del día...

Source Code - Duncan Jones , 2011

Supérstite de la maravillosa "Moon", Duncan Jones confirma de ser uno de los directores más eficaces y convincentes en el panorama fantascientífico made in Hollywood. El hijo del Duque blanco hace suyo un fantástico script de Ben Ripley y construye una maquina prácticamente perfecta, engrasada correctamente y precisa como un reloj. Jones transforma un thriller clásico en una película de ciencia-ficción, enpujandola más adelante de aquél debut cinematográfico que al contrario afrontaba el género con filosofía existencialista.

La trama : el Capitán Colter Stevens forma parte integrante del revolucionario programa militar denominado Source Code.a través de este programa podrá revivir los últimos ocho minutos de viaje en tren con destinonación Chicago, detonado por una bomba causando una verdadera strage. Stevens rivivirá continuamente aquellos últimos ochos minutos hasta encontrar al culpable y salvar la ciudad de otros atentados. Cada vez que Colter regresará a aquél tren morirá,  pero cada vez podrá contar con nuevas pruebas y descubrimientos obtenidos en el viaje anterior para poder recomponer el puzzle final. A interpretar Colter encontramos a un óptimo Jake Gillenhall, capaz de personificar con desenvoltura las múltiples identidades usadas de su personaje, sacudiéndose definitivamente de encima el aura de adolescente difícil que se había cosido con "Donnie Darko". El espectador se identifica rapidamente con él en una especie de juego de espejos. Óptima también es la prueba de Michelle Monaghan, que consigue dar diferentes matices a los déjà vu continuos de Colter. De mencionar las pruebas de Jeffrey Wright y Vera Farmiga, que interpretan dos caras de una misma moneda, pero al final parecen más dos símbolos que dos personajes. el resultado es sin lugar a dudas intencional, por que las historias que cuenta Jones son siempre extremamente alegóricas.

De apasionado de películas y series Sci-Fi y de literatura fantascientífica (Philip K. Dick principalmente), Jones consigue construir una realidad alternativa perfecta pero al mismo tiempo ambigua y metafórica. ¿El mundo del Source Code es real?, ¿Lo es sólo en aquellos ochos minutos?, ¿O es una mera proyección mental?, ¿Y los universos paralelos pueden entrar en contacto?... Consciente de la lección de Inception, Jones proporciona al personaje de Colter dos “link” que le permiten moverse más fácilmente en la “realidad” de la versión alternativa. Su contacto en el tren es la bella Christina (Michelle Monaghan), una "compañera" de Sean/Colter; en el mundo real es la doctora Goodwin (Vera Farmiga): sus rostros, sus voces y sus gestos son los medios que hacen efectivo el traslado de Colter desde el tren a la cápsula sede del experimento y viceversa. La claustrofobia che impregnaba "Moon" es presente fuertemente también en "Source Code": un vagón del cual no se puede salir y una cápsula con un monitor como único contacto con el exterior. Los ochos minutos de Colter en el tren son siempre similares, pero no idénticos: cada acción aunque sea sólo ligeramente diferente crea reacciones disímiles que modifican concretamente cada intento haciendo que el capitán reciba informaciones diferentes y obviamente cada vez más útiles. De esta manera no sólo la película no es una larga serie de tediosas repeticiones, sino más bien hace que cada nuevo viaje parezca como un desafío para el espectador que se vera obligado a capturar los pequeños fragmentos de verdad que se encuentran a flote.

La mano de Duncan Jones es hábil en el transformar de vez en cuando la repetición de una serie de eventos enredados en una especie de bucle temporal (táctica tan querida en la ciencia ficción clásica), donandole una dinámica evolución narrativa jamás aburrida y siempre lista a regalar pequeños, limitados e intrigantes fragmentos de verdad, con giros de perspectiva y cambios de narrativa que acompañan al espectador hacia un final que demuestra ser eficaz. Es agradable saber que todavía hay personas capaces de realizar productos aptos para el público general pero al mismo tiempo para nada banales, al contrario, posibles fuentes para el debate, como era la intención original de grandes autores como Isaac Asimov y Philip K. Dick.

Valoración : 7.5/10


En dos palabras : Después del sorprendente debut fantascientífico de autor "Moon", regresa el director inglés Duncan Jones con un thriller hipercalibrado y estudiado perfectamente segundo por segundo, y que tiene la característica fundamental de no aparecer como un frío ejercicio de estilo. Esta vez con la disposición de un sustancioso budget, un talento como Jake Gyllenhall y un guión de relojería, Jones confecciona un "Sci-Fi Thriller" de considerable espesor y sobre todo de gran impacto visivo. Recomendable.

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