enero 31, 2011

Dos pequeñas reseñas...

Blue Valentine - Derek Cianfrance , 2010

Cindy y Dean se encuentran en la última parada de su historia de amor y de su matrimonio: siete años de unión, una hija, una hipoteca por pagar y el desgaste del cotidiano. Una pareja aparentemente vacía que se pregunta cómo ha sido posible llegar a perder el amor y se ve obligada a explorar aquellos momentos felices, en una investigación cada vez más dolorosa. Preguntas universales que cada uno de nosotros alguna ves no hemos planteado: ¿Cómo es posible que un sentimento termine?, ¿Qué cosa ha causado la ruptura? ¿Cuál  ha sido el momento de crisis, la señal de peligro jamás encontrada?... Antes, durante y después: escenas de un matrimonio analizadas con pudor, con el ojo del director distante, nunca intrusivo o compadeciente, pero con una mirada tensa en el captar pequeños actos, gestos comunes, peleas, reconciliaciones.

La visión alterna el pasado y el presente sirviendose de dos diferentes estilos visivos, el 16mm para contar el tiempo pasado y el digital en alta definición para el presente: los dos períodos son claramente marcados, el contraste no hace más que aumentar el asombro y el malestar por ese entusiasmo inicial concluso en un completo desencanto. Quizá por las dos diferentes personalidades, Él que, en los años, se ha cerrado en sí mismo y en la relación, estático e inmaduro en el aceptar la vida así como es; Ella más solar, con diferentes necesidades y con ganas de cambiamento y de nuevos horizontes… Todos pretextos para encontrar un motivo que no es detectable, el motivo del porqué se acaba el amor. Tal vez porque ha faltado la comunicación, tal vez porque a veces simplemente sucede así, la gente cambia, hay quiénes van adelante a paso veloz y probablemente no se dan cuenta que los demás permanecen un poco atrás,  y deben ser cogidos de la mano para no desacelerar el propio paso. Tal vez  porqué es la vida, que corre como un río arrastrando todo lo que se encuentra en su camino: algunas construcciones permanacen en pie, otras sencillamente se derrumban.

Imposible no mencionar a Ryan Gosling, con aquél encanto y aquella rabia, un personaje de buen corazón y del destino cruel, y Michelle Williams, con aquella interpretación aparentemente moderada, tensa porqué la exasperación puede estallar en cualquier momento, creíble y razonable cuando es su momento, dos interpretaciones extremadamente viscerales, capaces de desnudarse (físicamente y emotivamente) y cambiar de forma verosímil aspecto y tono de la perfomance, demostrandose perfectamente en parte, en las dos almas de la película. Simplemente maravillosos!. El equilibrio de la película es admirable, por come trata el sufrimiento y la felicidad en profundidad sin necesidad de aumentar excesivamente la voz y por como introduce la semilla de una persona en la otra, recíprocamente, de la manera más delicada y bella posible. Emocionante y auténtica: absolutamente recomendable.

En dos palabras : Un drama sobre el fin de un matrimonio, una puesta en escena irresistible como ningún otra, con dos actores que no paran de sorpender. Una visión cautivadora, que desconcierta al espectador en lo más profundo, lo ata de alguna manera al destino de la pareja y lo deja vacío (y bastante deprimido).

Valoración : 9.5/10



Never Let Me Go - Mark Romanek , 2010

Existen libros cuya adaptación cinematográfica es una hazaña ardua; otros parecen nacidos para convertirse en una película: el extraordinario libro de Kazuo Ishiguro forma parte sin lugar dudas de esta última afirmación, pero es también un libro “voluminoso”, porque es bastante conocido y bastante amado, y por lo tanto de alguna manera “un asunto delicado”, a raíz de una (a menudo inútil) mala costumbre de tantos apasionados lectores, como la de poner en primer lugar en comparación cualitativa las dos obras, en  un eterno perjucio hacia  la segunda."Never Let Me Go" es cine, en el sentido mas grande de la palabra. Oficio, pasión, emotividad, realización técnica compleja, trabajo sobre el personaje, guión creíble y fiel al texto de origen, y una fotografía perfecta que utiliza tonos velados e modulados, según una precisa y rica gama de colores diáfanos, sin olvidar el óptimo trabajo de Rachel Portman que consigue agregar, a toques de música, intensos intervalos temporales de narración bastante largos, contribuyendo a alimentar la vena emocional de la película.

Componentes como la literariedad, imprescindible dada la derivación del argumento, y la disposición tradicional del romance-story se acompañan a reflexiones de ninguna manera banales sobre la vida humana, sobre la fugacidad, sobre los sentimientos. Pero la belleza de "Never let me go" está sobre todo en la capacidad de transformar una difícil reflexión/disertación científica y filosófica sobre la clonación, el alma, el destino terrestre, el amor, el sacrificio, la muerte, en una historia fácil, enfocada según una óptica humana, en donde la reconstrucción no presenta ningún rasgo de modernismo ni de irrealidad de los caracteres. "Never let me go" delicada y melancólica historia sobre el descubrimiento de la propia identidad y sobre el acercamiento a la muerte, es una película vintage y quizás uno de los primeros casos de ciencia ficción donde el elemento fantástico es apenas introducido, escondido, para después ser revelado completamente sólo a la conclusión. La primera parte de la película, hasta la llegada en escena del personaje interpretado por Sally Hawkins es una observación tradicional, del típico drama inglés, y, después, progresivamente se convierte en una historia ambigua, en donde no obstante la cesura entre representación realista y reconstrucción fantástica no es de ninguna manera irresuelta y neta.

A Mark Romanek va el reconocimiento de haber pensado en la estructura de la película como si fuera separada respecto a los temas analizados: el guión es un raro eejemplo de tacto y de rigor, que la dirección de Romanek consigue traducir en sufrida conmoción, y obviamente una dirección de actores soberbia, si Keira Knightley y Andrew Garfield, son completamente idóneos en los papeles que interpretan , mostrando una admirable abnegación a una obra tan oscura, desmoralizante y fabulosamente “uncool”, Carey Mulligan da un paso más allá: la suya es una interpretación sumisa, contenida, dolorosa y absolutamente perfecta. Es ella que, desde la primera hasta la última escena, dona a la película el tono, los matices, y el alma... Inolvidable.

En dos palabras : "Never Let Me Go" es una obra de ciencia ficción inteligente y bastante sofisticada, que tiene el grandísimo mérito de haber decontextualizato la famosa novela de Ishiguro, dejandola en un estado amniótico que flota fuera del tiempo. Una obra de descubrir para reflexionar, para interrogarse, y no necesariamente para buscar respuestas.

Valoración : 8.5/10


enero 27, 2011

Los 30 Mejores Discos de 2010 I.

30. Compass de Jamie Lidell
Electro Soul-Funk

Best tracks :




29. Philharmonics de Agnes Obel
Songwritter

Best tracks :

-Riverside
-Beast
-On Powdered Ground



28. Song For Swinging Lover de The Indelicates
Pop-Rock

Best tracks :
27. Lucy And The Wolves de Martha Tilston
Folk

Best tracks :

-Lucy
-350 Bells
-Old Tom Cat



26. Western Harbour Blue de The Sonnets
Pop

Best tracks :

-No Hollywood Ending
-New Fire In The City
-Everybody's On A High



25. Becoming A Jackal de Villagers
Pop, Folk

Best tracks :
24. Criminal Art Lovers de Northern Portrait
Alt-Pop

Best tracks :
23. Total Life Forever de Foals
Post-Punk, Match-Rock

Best tracks :
22. Go de Jónsi
Dream-Pop

Best tracks :
21. Acolyte de Delphic
Electro-Pop, Dance-Rock

Best tracks :

-Halcyon
-Submission
-Counterpoint


*Hacer click en las canciones para ver el video.

enero 26, 2011

Las 50 Mejores Canciones de la Década "00" X.



05. Reservations - Wilco (2002)


04. Pyramid Song - Radiohead (2001)



03. Untitled # 3 (Samskeyti) - Sigur Rós (2002)



02. John Wayne Gacy Jr. - Sufjan Stevens (2005)



01. Idioteque - Radiohead (2000)

enero 25, 2011

Película del día...

Another Year - Mike Leigh , 2010 

Con la llegada de Mike Leigh finalmente se respira vida real y con él todo aquello que es común se convierte en algo excepcional. Para esta película el grande director británico parece haberse propuesto la cosa más difícil del mundo, pero contemporáneamente parece haberla realizado con una tranquilidad y una sencillez (aparente) dignas de una obra juvenil. El objetivo es sencillamente de relatar “un año más”... Un año más en la vida de uno de los personajes protagonistas (ni siquiera un verdadero protagonista), un año más pasado e irresuelto, un año más al final del cual nada ha cambiado aparentemente y la existencia sigue siendo vacía e insípida. Para poder contar de este año Mike Leigh rellena la película con personajes espléndidos, de los cuales el personaje crucial quizá no es el más expuesto en la historia, y nos tomará un poco entender quién entre las personas involucradas es precisamente aquella a la cual "ese año" hace referencia  y de hecho al final se tiene la impresión de que toda la película no es más que un largo prólogo de la inolvidable escena final, magnífica, muda e intensa, pero solamente porqué llega después de todo lo que ha sucedido.

Imposible no hablar de la grande muestra de personajes que dan vida a "Another Year" y que iluminan la pantalla ya sea a través de un guión sólido, que los hace reales y tridimensionales, con diálogos simplemente brillantes escritos por el autor británico, o gracias a las impecables interpretaciones de todo el cast : Jim Broadbent es Tom y junto a él se encuentra Ruth Sheen en el personaje de Gerri, los dos funcionan en manera particular como pareja, creando aquella complicidad típica de aquellas personas que comparten tantos años de vida; pero a brillar sobre los demás son los sorprendentes Lesley Manville y Peter Wright, respectivamente en los papeles de Mary y Ken. En especial Lesley Manville es absolutamente magistral en el poner en escena los sentimientos contradictorios de su personaje, pasando de la alegría a la depresión rápidamente y con extrema desenvoltura. Sin lugar a dudas nos encontramos frente a una de las mejores interpretaciones del 2010.

Todos los intérpretes son ayudados, por los fantásticos textos de Leigh, pero también por su perfecta dirección, que con un estilo bastante teatral se posiciona en una esquina y  ofrece a sus actores la manera de dar vida a las escenas como si se encontraran sobre un escenario, poniendo en escena secuencias articuladas con poquísimos intervalos de montaje, que evidencian la perfecta alqumia que se crea entre los miembros del cast. No falta, como corresponde a este tipo de películas, una fuerte dimensión estética, es decir la capacidad de crear imágenes que consigan hacer sobresalir los sentimentos más de lo que puedan consegui hacer las palabras, Leigh utiliza precisamente aquellas imágenes como trampolín para que su obra quede impresa en la mente como un cuadro: la partida de golf que es la idea misma de la amistad viril con sus sombras proyectadas sobre el green o el almuerzo veraniego en el que nos parece sentir el perfume de las flores embriagar las hormonas. Personalmente nunca había visto a nadie conseguir en pantalla algo tan complejo y estratificado como las insatisfacciones personales que se repiten año tras año.

Mike Leigh es un gran explorador de la relaciones humanas y en esta película nos recuerda que el tiempo corre inexorablemente,  sobre todo dentro de nosotros y obviamente no puede ser controlado, pero de ninguna manera debe ser abandonado a sí mismo. Somos nosotros, cada día, a colmarlo con nuestras expectativas, con nuestras tensiones, con nuestras ganas de vivir. Tenemos que mirar sólo a nuestro alrededor y encontraremos siempre alguien a quién dar y alguien de quién recibir. Solamente debemos renunciar a renunciar , el maestro Leigh enseña.

Valoración : 10/10


En dos palabras : La película es un manifiesto de las vidas de algunos personajes enlazados entre ellos, un año más de sus vidas,entre alegrías y tristezas, nacimiento y muerte, subdivisa narrativamente en el transcurrir de las cuatro estaciones, iniciando por la primavera hasta llegar al invierno siguiente, pero caracterizada realmente por la emociones de los acontecimientos que durante el año, directamente o indirectamente, llenan sus vidas. Mike Leigh realiza una nueva obra maestra.

enero 22, 2011

Película del día...

Carlos Le Film - Olivier Assayas , 2010

Un coloso de tres horas para la historia de Ilich Ramírez Sánchez, alias Carlos, la rock star del terrorismo. De esta manera nos lo presenta Olivier Assayas. Un viaje interminable pero fascinante (acompañado por la bella música rock del soundtrack) en los meandros del terrorismo internacional : grupos revolucionarios y servicios secretos a la obra en cada parte del mundo. Una rock star, Carlos, siempre al servicio de su ideal: la causa palestina y la lucha contra el  sionismo y el imperialismo.

"Carlos"  es la reconstrucción historizada de una de las figuras más inquietantes del terrorismo de los años '70 y '80, una figura con contornos tan oscuros que aún no se sabe cuales han sido efectivamente las acciones criminales realizadas.O si se saben se conocen pocas, pero sin embargo, suficientes para que se encuentre cumpliendo cadena perpetua en una prisión francesa. En efecto una inscripción al inicio de la película nos dice que aquello que veremos es precisamente una reconstrucción periodística que trata de ser lo más fiel posible utilizando las pocas certezas que se conocen de la turbulenta vida del terrorista.

Aquello que impresiona inmediatamente es la babel de lenguajes que caraterizan la película y las diferentes y numerosas locations en donde ha sido rodada  la impresionante historia de Assayas. Para los standards europeos es un producto con un alto budget, perfeccionado en los más mínimos particulares y en donde el director francés nos regala su toque personal, su fascinante y sinuosa manera en el mover la cámara (basta observar el largo plano sequencia de la fiesta con la cámara que se mueve elegantemente alrededor de Carlos y de su pareja), el transmutarse de escenas de acción que no tienen nada que envidiar a aquellas hollywoodianas, son simplemente ejemplares por cuanto son secas y esenciales, con escenas más íntimas en donde vemos lo que se agita detrás de la fachada del terrorista perfecto y temerario, hábil con las armas pero también hábil en el desplazarse sobre el vertiente diplomático como el más consumido de los políticos. A juzgar por esta película su vida privada no debe haber sido de ninguna manera simple. La reconstrucción de los años 70 es genuina, se reedifica sobre todo en un ambiente pesante, sulfúreo en donde existe una gran alteración de diplomacias que escogen caminos transversales para llegar a su propósito y a sus continuos cambios de prospectiva.

Desde el punto de vista histórico nos encontramos en el pasado, pero aquellos años parecen tan distantes: no existen luchas religiosas entre árabes y el resto del mundo, se razona por bloques políticos, existe un constante pisoteo de la leyes para propósitos secundarios. Hasta llegar al punto de proteger un terrorista como Carlos, haciendolo incluso vivir protegido dentro de una especie de prisión dorada en los diferentes países mediorientales. Pero el mundo se convierte demasiado pequeño para él y sus protecciones se desmoronan poco a poco a causa de los factores económicos y políticos. La figura de Carlos y de sus complices no es idealizada como podría parecer: los terroristas actúan con violencia por ideología y no son justificados en modo alguno, son descritos casi con neutralidad porque la confusión política que se agita alrededor de sus acciones, moralmente no es mucho mejor que ellos. Olivier Assayas dirige una película sumamente importante (de visionar absolutamente la larga, pero para nada aburrida versión televisiva de 330 minutos), de grande complejidad pero todo es completamente lineal, la multiplicación de los personajes y de los puntos de vista es decididamente necesaria para la estructura de la narración.

De grande valor la increíble performance de Édgar Ramírez en el difícil papel del terrorista: además de las acrobacias lingüisticas (hablas inglés, francés y alemán indiferentemente) es de tener en cuenta un cambiamento drástico en el cuerpo del actor que sigue incansablemente la metamorfosis del verdadero Carlos a costa de engordar considerablemente tratando de dar la idea de la inexorable "decadencia" de un guerrero, coincidente con la caída del muro de Berlín, que altera completamente la situación política del planeta. Carlos no es un héroe, ni un mito, es más bien un hombre con tantos defectos y "pocas" virtudes, una historia biográfica construida pero que apassiona desde el primer hasta el último minuto y que delinea con grande sequedad y sin tomar partido una especie de período histórico. Un compendio de historia contemporánea de la que no se debe prescindir, porqué saber y jamás olvidar es siempre útil. A todos.

Valoración : 9.5/10


En dos palabras : La película esta inspirada en la vida del venezolano Illich Ramìrez Sanchez, uno de los terroristas más famosos de los años ‘70 y ‘80, Olivier Assayas reproduce el nacimiento de esta "leyenda" del terrorismo internacional, a través de una reconstrucción histórica y escenográfica precisa realizando una obra dura y extremadamente significante y nos hace conocer (y apreciar) el inmenso talento de Édgar Ramírez. Inútil decir que se trata de uno de los mejores estrenos del 2010.

enero 20, 2011

Las 50 Mejores Canciones de la Década "00" IX.



10. Emily - Joanna Newsom (2006)



09. The Wrong Coat for You Mt. Heart Attack - Liars (2006)



08. Amie - Damien Rice (2002)



07. Something About Ghosts - Matt Elliott (2008)



06. The Lake - Antony And The Johnsons (2004)

enero 17, 2011

Película del día...

Black Swan - Darren Aronofsky , 2010

La anterior película de Darren Aronofsky, "The Wrestler", era una historia perfectamente confeccionada para un inmenso Mickey Rourke, y por esta razón la película obtenía una riqueza enorme que de lo contrario no habría tenido. "Black Swan" es una película que parece ser realizada premeditadamente para Natalie Portman: desafío a encontrar una actriz que hubiera soportado de la misma manera un personaje de este género, con todos los matices adecuados y con un recorrido para nada fácil. La actriz israelíes el núcleo de "Black Swan", thriller psicológico sutilmente perverso en la primera parte, la película vive de una creciente que explota inevitablemente en la puesta en escena del baile final, el icónico "El Lago de los Cisnes" de Tchaikovskij.

En la construcción de "Black Swan", Aronofsky recorre dos caminos diferentes: El primero es el más natural que lo lleva a apretar el acelerador sobre el drama psicológico de molde natural, trabajando sobre la psique retorcida de su primera bailarina, la frágil Nina (Natalie Portman), sobre sus fobias y sobre las profundas inseguridades que la conducen a desgarrarse la piel, a vivir sometida por una madre afectuosa, pero frustrada (una inquietante Barbara Hershey), y  por la propia frigidez emocional. Una especie de "All about Eve" ambientada en el sugestivo mundo de la danza clásica. El camino más natural es, quizás, el menos arriesgado. Pero Aronofsky no es un autor dispuesto a hacerse tentar por el recorrido más fácil. Y  es precisamente por esto que "Black Swan" abandona rapidamente el sendero del realismo para aventurarse en el segundo camino, un camino mucho más impenetrable como aquél dell thriller/horror, universo iconográfico predilecto por el visionario director. El riesgo tangible es el de perder de vista el tacto, de exceder en efectos especiales truculentos y en escenas perturbadoras. Tengo que admititir que en almenos un par de ocasiones, sobretodo en la segunda parte de la película, Aronofsky roza el límite del aceptable, pero sabiamente se demuestra hábil en el realizar un "pequeño" paso atrás en aquella apreciable filmografía que nos ha hecho conocer.

Es inútil decir que gran parte del mérito corresponde a la extraordinaria y majestuosa interpretación de Natalie Portman, capaz de reequilibrar cada exceso del guión, en donde cualquier otra actriz se habría rendido bajo el peso del gore y del sobrenatural, por no hablar del regreso obsesivo de la doble personalidad, tema ampliamente abusado en el cine de género, y aquí transformado en un verdadero y real leitmotiv. Como en el caso de "The Wrestler", en Black Swan la cámara, rápida y nerviosa, no se despega mi siquiera un momento de su protagonista fotografando sin piedad cada pequeño hundimiento, cada debilidad, cada emoción y Natalie Portman se demuestra capaz de sostener el ojo voyeurista atacando golpe a golpe, respondiendo al acosamiento extremo con una performance increíble que hace ligera y creíble hasta una compleja escena de autoerotismo. Sin lugar a dudas se trata de la mejor interpretación de su carrera y quizá la más fascinanate del año, una standing ovation para ella!!!

Desafortunadamente el resto del cast no es explotado así de bien, probablemente a raíz de un guión desproporcionado en direccíon de su protagonista. Poco más de un cameo la presencia de la rediviva Winona Ryder, aquí en el papel de la étoile mandada precozmente a casa para dar paso a la joven sustituta, agradable, pero didascálico el coreógrafo mujeriego interpretado por Vincent Cassel. En cuanto al papel encomendado a la intrigante Mila Kunis, su personaje ofrece óptimas ideas interpretativas, incluyendo una larga (y memorable) escena di sexo lésbico junto a Natalie Portman, pero la mirada salvaje de la actriz desvela inmediatamente la naturaleza controvertida del personaje sacrificando un poco aquella ambigüedad necesaria del papel. De mencionar absolutamente el trabajo de Clint Mansell, el Maestro no decepciona de ninguna manera, consiguiendo utilizar estupendamente y en  clave moderna las melodías de "El Lago de Los Cisnes", ayudado por el óptimo trabajo sonoro y por la excelente fotografía mérito de Matthew Libatique.
En conclusión "Black Swan" resulta una película imperfecta (que película hoy en día no lo es), menos visceral a diferencia de aquella obra maestra precedente del director estadounidense y sostenida (reforzada) por unas cuantas pinceladas de terror que inevitablemente hará disentir a más de una persona, pero la gracia y la fuerza irradiada durante la visión de la película no pueden impedir de considerar Darren Aronosfky uno de los directores más fascinantes y talentosos actualmente en circulación y esta obra no es más uqe una "pequeña" prueba.

Valoración : 8/10


En dos palabras : El respiro siniestro de la obsesión y el dualismo de la obra de Tchaikovsky encienden una danza macabra entre realidad y ficción, entre arte y vida, entre bellezza y bestialidad, entre Eros Y Tánatos en un ambicioso drama que llega a atravesar la frontera del horror, conduciendonos hasta un final trágicamente obvio, pero inolvidable. Aronosfky/Portman consiguen raptar al espectador, seduciéndolo y golpeándolo sin piedad, pero siempre con gracia. Son tantos los momentos duros, tensos e impresionantes de la película: y cada vez es un “placer” ser torturados.

enero 12, 2011

Película del día...

127 Hours - Danny Boyle , 2010

Aron Ralston tiene 26 años y una pasión incontrolable por el trekking. No existe ruta o sendero que no conozca a memoria, montaña sobre la cual no haya escalado. Obviamente no podía imaginar que aquella "simple" excursión al cañón "Blue John" de Utah estaba por convertirse en el momento trascendental de una entera existencia en donde aparentemente no existían límites...
Danny Boyle, adapta la autobiografía de Ralston “Between a Rock and a Hard Place” con la ayuda de Simon Beaufoy, y realiza una película difícil y angustiante : el espectador no puede torcer la mirada hacia otra parte, se está allí con Aron durante toda la película y se sufre con él gracias a un destino tan sarcástico. Boyle es bastante hábil en el combatir contra esta sensación de claustrofobia con la ayuda de los golpes de aire representados por los pensamientos de Aron, que se liberan ligeros y van volando hacia los recuerdos de infancia, hacia los momentos felices y hacia aquellos más dolorosos. En un momento tan difícil el pasado podría ser una fuente de remordimientos y podría privarnos de aquella fuerza que nos hace ir hacia adelante; creer en el mañana, y encontrar un punto de apoyo (en el caso de Aron, el niño "imaginario") al cual aferrarnos.

El director inglés sabe como coger de la mano al espectador, y guiarlo sin necesidad de engañarle; que sean las sucias calles de Mumbai, escenario ideal del enamorado soñador de "Slumdog Millionaire", o los deteriorados apartamentos escoceses del cult "Trainspotting", Boyle cuenta historias que gustan por su profunda verdad. "127 Hours" (el título es ya una declaración de intentos), es también una historia sobre el tiempo; el real que corre inexorable en su pesadez, pero también sobre el del interior del protagonista, que va a una velocidad diferente y vive con las imágenes robadas a la propria memoria. Una historia que principalmente habla de supervivencia , una historia que desea investigar sobre la relación de amor y odio entre el hombre y la naturaleza, pero que sobre todo se revela como un escrupuloso retrato de una persona que siente cerquísima su hora y que piensa inevitablemente en su propia vida : la familia, las primeras excursiones, los amores...

Para poder contar aquello que ronda en la cabeza de Aron por cinco días Danny Boyle opta por no limitarse en nada con lo que concierne el lado estilístico de la película. De esta manera "127 Hours" se convierte en una explosión de aceleraciones, desaceleraciones, split screen, escenas grotescas, técnicas de rodaje absurdas, planos imposibles, momentos terroríficos, y muchas otras cosas más. El resultado es una película que rechaza el simple propósito del dolor y del llanto, y juega la carta ganadora de la ironía para romper la tensión y decirnos algo más sobre su inolvidable protagonista. Imposible no mencionar la tan esperada y temida escena de la amputación del brazo por parte de Aron: obviamente no desvelaré nada, pero se trata quizás de una de las escenas más impresionantes de los últimos tiempos.

Por último dejo lo mejor, es decir, la prueba de un inmenso James Franco. Absolutamente versátil, ya sea en los momentos más cómicos (en particular, la escena en donde el actor entrevista a sí mismo, simulando un talk show televisivo... sorprendente!) como en aquellos más desesperados. El joven actor sostiene todo el peso de la película sobre sus hombros realizando una de las mejores performance del año y se prepara a recibir una más que meritada nominación a los Oscar. E incluso, podría llegar aferrar la preciosa estatuilla…
Una obra que expresa a la perfección el descenso a los infiernos de la locura de un hombre obligado a hacer frente a la muerte sin ninguna esperanza de poderla esquivar. Por esta grande capacidad de contar el lado humano, “127 Hours” es una película que va en profundidad, toca literalmente cuerdas dolorosas  y hace repacificar el género humano con su suo atávico instinto de supervivencia.



En dos palabras : "127 Hours” es una película dolorosa, maltratada por aquella violencia, tan psicológica cuanto gráfica, que hará que parezca desagradable ante los ojos de ciertas personas que no aman ser turbadas en el cine... Una obra, que sin embargo, posee el raro don de hacer sentir al espectador atrapado junto al protagonista, tanto es así que la liberación final llega como una bocanada de aire fresco, en una secuencia triunfante que borra la fragancia de la muerte y abre los brazos a la vida...

enero 09, 2011

Película del día...

Hereafter - Clint Eastwood , 2010

Clint Eastwood vuelve al cine con una nueva película dramática y sobrenatural. “Hereafter” es una historia de sobrevivientes, no una película sobre el más allá. En realidad, el director centra toda la película sobre los miedos y la fragilidad humana, mientras que el más allá sirve de pretexto para describir mejor la difícil realidad del cotidiano. La trama podría parecer deslizante y llena de insidias: hubiera sido fácil caer en lo banal o en lo ridículo. En cambio, Clint Eastwood construye una historia sencilla (gracias al óptimo guión de Peter Morgan), lineal que, fotograma tras fotograma, se hace explicar y reflexiona sobre el verdadero sentido de la vida, sobre la profunda soledad de la humanidad, sobre los más íntimos secretos y los más pequeños miedos del hombre. La visión del más allá de Eastwood no tiene nada de religioso, no existe ningún paraíso o inferno en donde aspirar. El verdadero sufrimiento pertenece a quién sobrevive a la pérdida de una persona querida, a quién ha tenido la oportunidad de tocar la muerte con las manos.

La película reconoce que la vida es un experimento con un plazo definido y se estructura por consiguiente a través de perspectivas frontales: de los dos lados de la frontera que separa la presencia de la ausencia. Es esta línea de demarcación que hace de suporte al montaje alternado por las vidas de una mujer, por un hombre y por un niño en el interior de una geometría de deslumbrante claridad y espacios urbanos pensados para gravar sobre sus destinos como en una novela social de Dickens. Destinos golpeados duramente y descarrilados ineluctablemente por la naturaleza (el tsunami en Indonesia), por las tensiones sociales (los ataques terroristas a la metro londinenses), por la fatalidad (el accidente estradal), destinos que se encuentran por un momento (o por toda la vida) en un mutuo intercambio de salvación. Porqué desde un buen tiempo los personajes de Eastwood han abandonado el aislacionismo típico del héroe americano a favor de una dialéctica que pone en campo más interlocutores y pretende absolutamente el contraste.

"Hereafter" es sin duda alguna uno de los trabajos más arriesgados y  audaces que el célebre actor-director americano ha afrontado en su espectacular carrera. Las preguntas que la película pone son decididamente difíciles y fuera de lo común: ¿Qué hay después de la muerte?, ¿Cómo se puede seguir viviendo sintiendo la falta de alguna persona amada? O incluso, ¿Qué sentiríamos si hubiéramos encontrado la muerte  y hubiéramos conseguido regresar para poder contarlo?.... "Hereafter" no hace excepción y prepara en encuentro, el contraplano del plano: la mirada de Cécile De France que ha visto, aquella de Matt Damon que consiguer ver, aquella del pequeño Frankie McLaren que desea simplemente ver... Multiplicandose en tres el autor pone al espectador al centro de algo de indefinible, pero sin embargo, familiar como el dolor del existir, y produce puntos de vista poderosamente fuera de pista sobre el tema de la muerte y regala a Matt Damon la ocasión de realizar quizá la mejor interpretación de su carrera. Deshaciendose de la figura de la neutralidad, el agente Bourne conquista las emociones y la cognición del dolor, dando vida a un sensitivo que tiene visiones de muertos (y de muerte) con tan sólo el contacto de las manos, una tristeza profunda llena de piedad  y el deseo de dejar de ver el pasado de los que permanecen y de imaginar el futuro (y el sabor) de un beso. De mencionar la impecable interpretación de la fascinante Cécile De France como la del debutante Frankie McLaren.

Clint Eastwood confirma la vocación por los matices, arriesga la exploración de la muerte con la gracia del poeta, interroga y se interroga sobre cuestiones filosóficas y espirituales y contrapone a la debilidad del presente y en el interior de un epílogo conmovedor la energía de un sentimento cosechado en el futuro. El director concluye su nueva obra en un ápice de poesía con una bellísima imagen final con una  melodía preciosa, tan melancólica como pacífica. Una de las películas más íntimas de Eastwood bastan pocas notas del tema principal de la banda sonora, compuesta una vez más por él, para introducir al espectador en el clima de la película. Con gentileza y delicadeza evita las trampas y la retórica, dejandonos como de costumbre con el nudo en la garganta (inevitable no mencionar la escena del diálogo entre George-Damon y Marcus-McLaren), y concluye la película cuando menos te lo esperas: pero basta observar sólo un poco los créditos finales para entender que todo posee un magnífico e impagable significado. Una nueva standing ovation para el maestro Clint Eastwood.

Valoración : 9.5/10


En dos palabras : "Hereafter" es profunda, melancólica, conmovedora y al mismo tiempo lleva consigo misma una oleada increíble de esperanza, amor y conmoción. Nos obliga a reflexionar, nos deja sonreír y nos hace llorar, mostrandonos como son ilimitadas la clase y la poesía de su director. Una película intimista con un claroscuro dejado por una huella sobrenatural, pero fuertemente "Eastwoodiana", en el sentido más bello y agradable del termine. Una pequeña-grande joya cinematográfica realizada por un director de otros tiempos.

enero 07, 2011

Las 50 Mejores Canciones de la Década "00" VIII.



15. Obstacle 1 - Interpol (2002)



14. I Fell In Love With A Dead Boy - Antony And The Johnsons (2001)



13. Pretty (Ugly Before) - Elliott Smith (2004)



12. How to Disappear Completely Radiohead (2000)



11. Untitled 4 (Njósnavélin) Sigur Rós (2002)

enero 05, 2011

Tres pequeñas reseñas...

Kaboom - Gregg Araki , 2010

Smith vive la época universitaria con el deseo y el aturdimiento típicos de la edad, confrontandose con la mejor amiga Stella, dejandose seducir por la bella London, soñando un encuentro sexual con el compañero de habitación, Thor, y después con el más tímido Oliver. Pero una pesadilla lo persigue y su vida cambia en el momento en el cual, cómplice una galleta “picante”, descubre en una fiesta los protagonistas de su mismo sueño, hasta entonces jamás visto o conocidos. Eventos paranormales, coincidencias inquietantes y revelaciones increíbles sobre su  pasado atraen cada vez más y más al protagonista en la red de un un proyecto descabellado  y peligroso, que no amenaza tan sólo su destino sino más bien aquello de la entera humanidad.
Gregg Araki regresa a encuadrar los veinteañeros, a colorearles las lentes, los cabellos y los labios, con menos rabia y menos acidez, pero con el gusto que nunca le ha faltado. Sobre todo regresa a empuñar el bolígrafo, después de haber trabajado sobre dos guiones no suyos, y a dejarlo correr libremente, guiado por la energía de su ferviente imaginación.

Provocativa e irreverente en lo habitual, la película no se hace cargo de ninguna cruzada (a)moral y trasuda un divertimiento contagioso, quizás el más puro y ligero que Araki jamás se haya concedido. Llena de sabrosos diálogos insolentes, encomendados generalmente a las dos chicas, "Kaboom" se puede decir que es un verdadero y propio elogio de la libertad, tanto en el estilo como en el contenido, simples vasos comunicantes. Araki, en realidad, juega con sus propios gustos y con aquellos de su público de referencia: el rock alternativo, las sugestiones lynchianas, los teen movies, la literatura americana contemporánea, pop o cyberpunk, con el lado easy de la sexualidad pero también con su vertiente trash y risible e incluso con el lado tierno y pasional. El realizador estadounidense nos regala una película personalísima que puede hacer enloquecer (en el buen sentido de la palabras) o puede hacerse odiar desde el primer momento. Pero es innegable no decir que se trata de un himno a la libertad sexual, un himno contra cada clase de etiqueta, una liberación para nada seria en una época en donde la autorialidad osa de tomarse demasiado en serio. Gregg Araki es un autor, posee una cifra estilística completamente reconocible y un nutrido grupo de apasionados: sin embargo, realiza la película más desiquilibrada, absurda, “tonta” del año, y también una de las mas vitales.... La palabra de orden es placer: del hacer, del mostrar, del ver. Placer de la acción y de lo irracional, del visionario y del cinéfilo. Placer que cuando alcanza el ápice hace kaboom!.

En dos palabras : Nos encontramos frente a un objeto poco identificado e identificable con la opinión de una sola persona. Que a su manera podría ser una virtud de no tomar a la ligera. "Kaboom" tiene un título que es todo un programa y una pequeña línea a seguir. Es decir, una explosión auténtica en la cual la definición de género ya no tiene sentido y lo que importa es evidentemente otra cosa.

Valoración : 9/10



Neds - Peter Mullan , 2010

"Neds" es una película durísima iniciando desde el argumento, una verdadera novela de formación al contrario en donde el sensible John McGill (un extraordinario Conor McCarron), se encontrará prisionero en un espiral de violencia que desbarajustará la ciudad en donde vive y que parecer ser la única “elección” obligada para la gran parte de los jóvenes. La descripción de Glasgow es precisamente como uno la puede imaginar en una clase de película como esta: un lugar duro en el cual crecer, y en donde la vida de la calle te devora sin piedad. Un mundo en donde los hijos de las personas más acomododas arriesgan mucho, y probablemente forman parte de algunas de las bandas de Neds que hacen venir la piel de gallina a las madres, que se encuentran obviamente a oscuras de la posible involucración de algún ser querido.
Dura y violenta, en "Neds" no faltan sin embargo, situaciones irónicas y brillantes, sobre todo en la primera parte, dominada por un irresistible humor negro. Pero durante su desarrollo el clima se vuelve cada vez más angustiante y tenso, siguiendo la transformación del protagonista, que va más allá de la simple “conversión al lado oscuro”. Mullan se recorta una parte, es decir, aquella del inquietante padre de familia, que en medio de la noche, borracho, llama a gritos a su mujer  de manera que baje las escaleras y llegue donde él, para pegarla. La relación padre-hijo posee una notable importancia, que culmina en una escena bellísima de la cual es mejor no decir absolutamente nada.

"Neds" sabe también desorientar, iniciando por la utilización de las composiciones no originales, como en una scena de pelea entre dos bandas en donde es utilizada "Cheek To Cheek", acompañadas asimismo por aquellas compuestas para la ocasión por las manos de Craig Armstrong, simplemente bellísimas. Y desorienta también con algunas ideas surrealista y admirables, entre ellas la pelea con… Jesús!. Pero la temática principal de la película, la base en donde se construyen historia y personajes, es aquella de la educación escolástica: en Escocia en esos tiempos todo era basado sólo sobre simples listas, en donde los estudiantes venían dividos por clases de acuerdo al mérito (la A obviamente es la sección más alta). En las últimas secciones se encuentran las ovejas negras de la sociedad, forzadas a no poder nunca crecer y a permanecer en aquella difícil situación, sin ninguna esperanza de mejoramiento. "Neds" es una película lucidísima, implacable, sincera. Peter Mullan es un director que sabe perfectamente lo que quiere, sabe dirigir una película, posee un estilo propio y se preocupa de las emociones y del clima de su proyecto. Que en el inolvidable final tocará el ápice metafórico, con una escena que permanecerá para siempre en nuestras mentes.

En dos palabras : Peter Mullan ha vuelto, y personalmente estoy contentísimo de encontrarlo en gran forma, el actor y director inglés firma otra obra dura, simbolizante, desorientante y emocionante, capaz de divertir, dar puños en el estómago y  dejar con el nudo en la garganta. Memorable.

Valoración : 8.5/10



Rabbit Hole - John Cameron Mitchell, 2010

El dolor por un luto y su compleja elaboración regresan a interesar Hollywood con "Rabbit Hole". La trama se desenvuelve sobre las consecuencias de uno de los acontecimientos más  trágicos que puede suceder en el curso de la vita: la pérdida de un hijo. Por estas razones el argumento es introducido gradualmente, a través de los recuerdos de los protagonistas, que desvelan poco a poco detalles significativos sobre la desaparición del pequeño Danny, el Hijo de Becca y Howie, de cuatro años de edad. Bajo la dirección de John Cameron Mitchell la narración se desanuda en manera delicada, jamás invasiva y pone en resalte los diferentes modos de afrontar la dura realidad. Howie, el padre de Danny, magistralmente interpretado por Aaron Eckhart, afronta el dolor contemplando infinitamente, sobre el proprio iPhone, la registración del hijo absorto a jugar con mama. En cambio Becca, una maravillosa Nicole Kidman, no acepta la pérdida y destruye cada huella de la vida terrena de Danny. la sucesión de los eventos lleva a los personajes a metabolizar el luto en manera diferente, conduciendolos sobre carreteras paralelas, como los universos del comic "Rabbit Hole"...

Son todas madrigueras para conejos, agujeros que excavamos en la tierra en la búsqueda de protección, con la esperanza de resurgir después en un lugar nuevo, casi un universo paralelo donde aquél dolor atroz no nos puede aferrar. Son alternativas posibles para quien se sostiene a los objetos por miedo de olvidar, o para quien al contrario encuentra alguna salida física en la colisión cotidiana contra los recuerdos. O en una bofetada al supermercado, o en la doble vida, o en el silencio. Es dolor llevado a cabo de una manera no convencional. Así lo quería la adaptación del premio Pulitzer David Lindsay-Abaire donde se basa la película. Una mirada que no juzga y no indica, simplemente se limita a seguir dos vidas escondidas, de dos personas enamoradas pero aisladas, incapaces de encontrarse y comunicar. Y después llega el toque de Mitchell: una dirección difícil, un montaje elegante, una fotografía saturada, con planos realizados con gusto, con un lenguaje cinematográfico bastante inteligente y con la capacidad de evocar en todo momento una escena que en la película nunca se ve, y donde los personajes realizan sólo el trabajo sucio: tratando de sobrevivir. De mencionar también el cuidado por los detalles en el mostrar las frágiles existencias de los padres, consumidos por el recuerdo de un hijo y la vivaz y dramáticamente intensa interpretación de Dianne Weist, en el papel de la mamá de Nicole Kidman, en conflicto con el recuerdo del hermano de Becca, él también trágicamente desaparecido. "Rabbit Hole" puede ser cosiderada como una visión introspectiva de un drama familiar, afrontado sabiamente por John Cameron Mitchell con tonos que rozan sólo parcialmente los matices trágicos de la historia.

En dos palabras : "Rabbit Hole" explora con elegancia y con una delicadeza extrema la difícil elaboración de un luto puesto en escena con un quid emotivo que deja una profunda impresión y nos cuenta de un dolor tan fuerte capaz de ir más allá de la pantalla, mas allá de un simple guión...

Valoración : 8/10


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