julio 26, 2011

Película del día...

Captain America: The First Avenger - Joe Johnston , 2011

Por exclusión, por moda, por norma: los largometrajes basados en los cómics, en particular del género de superhéroes, se han impuesto rápidamente en el mercado y parece que están aquí para quedarse definitivamente. El 2011 está siendo un año prolífico en este sentido: después de "X-Men: First Class" y "Thor", hemos visto arribar en nuestras pantallas, en las últimas horas, los trailers de "The Amazing Spider-Man" y "The Dark Knight Rises". Especialmente, dirijo mi mirada hacia "Captain America: The First Avenger", última pieza en la construcción del mosaico "The Avengers" por parte de la Marvel Studios de Kevin Feige. Antes de esta película, de hecho, hemos tenido a "The Incredible Hulk", "Iron Man" (1 y 2) y "Thor", los tres personajes que junto a este primer vengador, formarán parte de la tan esperada reunificación de nuestros héroes favoritos (experimento nunca antes hecho y del cual verémos los frutos sólo el próximo año). Mientras tanto, podemos descubrir algo más sobre el leader, por lo menos moral, del equipo: Steve Rogers, es decir Captain America.

Steve Rogers (Chris Evans) es un joven patriota, ingenuo y con el alma cándida. Dotado de gran voluntad y altruismo, por desgracia, carece de fuerza física: a pesar de sus reiteradas solicitudes de reclutamiento, Rogers se encuentra siempre entre las manos un certificado que lo atestigua como "reformado". Él desearía ser como su amigo James Barnes, llamado Bucky (Sebastian Stan), un donjuán seguro de sí mismo que está a punto de partir hacia el frente europeo para dar asistencia a la causa de la libertad. Todo cambiará aquel "fatal día" en donde Rogers consentirá probar sobre sí mismo un suero experimental, potencialmente capaz de acrecentar enormemente las condiciones físicas de cualquier persona. Steve se convertirá de esta manera en Captain America, paladín de la libertad en eterno conflicto contra los enemigos de su país. La amenaza del Führer se hará cada vez más apremiante, y  con la misma aquella representada por su división de investigación y desarrollo de armas avanzadas, la Hydra, comandada por Johann Schmidt (Hugo Weaving), jerarca nazi que busca espasmódicamente el poder, lo suficiente como para estar dispuesto a transformarse en el insidioso e inhumano Red Skull, personificación de la codicia más oscura y malvagia que pueda existir. Su batalla será decisiva por el destino del conflicto mondial: ¿Quién saldrá victorioso?...

Es interesante notar cómo se ha conseguido llevar (óptimamente) en pantalla no sólo la estética y el credo del personaje, sino también todo su mundo, sin necesidad de tomarse libertades excesivas respecto al comic. Mezclando cuidadosamente elementos tomados tanto del cómic clásico como de la versión moderna "Ultimate", los guionistas se han tomado incluso el trabajo de inserir citas de verdaderos fanáticos del gènero, como aquella a The Human Torch original, o haciendo participar en la películas a los Howling Commandos (originalmente comandados por Nick Fury, en los cómics en tiempo de guerra). Las únicas habilidades que han tenido que desarrollar rápidamente, son aquellas relacionadas con el ejército de los "malos". ¿Cómo evitar de recordar, por enésima vez, el fantasma del nazismo sin caer en el cliché más común, así como potencial fuente de polémica? Simple, convirtiendo la Hydra y su leader en algo que trasciende el ideal Arriano, para llegar en cambio al mal oscuro y cegador de la codicia del poder que corresponde al exacto opuesto del altruismo representado por Rogers.

En todo esto los interpretes desarrollan un papel fundamental. Asistimos fundamentalmente a buenas pruebas por parte de todo el cast, incluso en los papeles que pueden ser consideradod demasiado icónicos, a comenzar por el brusco General Phillips -interpretato por el siempre grande Tommy Lee Jones- o el del ecléctico científico Howard Stark, que encuentra su tercer intérprete (después de los flashback presentes en los dos "Iron Man" de Jon Favreau) en un carismático Dominic Cooper. Pero, además de reflejar su naturaleza original de cómic, por cuanto aparentemente banales los personajes secundarios consiguen de todos modos hacerse valer, gracias a tácticas interesantes en algunas escenas. Ejemplo notable la Peggy Carter de Hayley Atwell, mucho más resolutiva y sensata de algunas de sus colegas más blasonadas, in primis la Jane Foster de Natalie Portman en "Thor". Pero lleguemos a los protagonistas. Sobre Hugo Weaving poner en duda su talento es casi un sacrilegio: estamos hablando, después de todo, de la misma persona que ha conseguido hacer expresiva una máscara fija, en "V for Vendetta". Su Red Skull es espantoso pero verosímil al mismo tiempo, símbolo de una humanidad perdida en la búsqueda de algo trascendental... y peligroso. Se le reconoce, siempre, no obstante, bajo la pesada prótesis de silicona.

De Chris Evans y de su idoneidad para el papel, en cambio, se ha hablado tanto. Human Torch en los dos "Fantastic Four" de Tim Story y protagonista de otras historias de origien o tono del mismo género como "The Losers", "Scott Pilgrim vs The World" y "Push", Evans parecía tener el talento, pero no el carisma necesario para personificar Captain America. Esto porque no sólo debe ser bello y robusto, sino, más bien debe representar un símbolo e, incluso, capitanear un equipo compuesto, entre otros, por los Tony Stark y Nick Fury de Robert Downey Jr. y Samuel L. Jackson. Puedo decir, tranquilamente, que Chris Evans consigue encarnar perfectamente, tanto el lado idealista, poético e ingenuo, cuanto el lado más heroico y combatiente del personaje. Su Steve Rogers es serio, reflexivo, actúa más con la voz y con los matices (y los ojos) que con las expresiones, Y por esto resulta extremamente convincente en el drástico proceso evolutivo de su personaje. Prueba superada!

Notable es también la realización técnica de la película. A pesar de que es menos densa de efectos especiales emocionantes y "explosivos" de sus competidoras ("Iron Man 2" in primis), la atención durante la confección no es de subestimar: aunque si estamos hablando de Johnston, un hombre nacido como técnico en efectos especiales antes de convertirse en director. En primer lugar, la reconstrucción histórica es respetable, gracias también a la óptima escenografía de Rich Heinrichs, al vestuario de Anna B. Sheppard y a la singular fotografía sucia y agresiva de Shelly Johnson (que probablemente hará conquistar a la película una nominación a los Oscar). Es también apreciable, la colocación de los efectos en CGI: la película está llena, pero no son para nada invasivos. Las escenas de acción parecen, en efecto, instantáneas tomadas de las ilustraciones y de las portadas originales. El mejor efecto especial, sin embargo, es probablemente aquel mediante el cual tenemos la posibilidad de ver Chris Evans y su álter ego en versión raquítica: a través de las maravillas de la computer graphic y la compenetración de cuatro distintas tomas de la misma escena (con o sin Evans), los especialistas en los efectos digitales han podido literalmente empequeñecer y enflaquecer al actor de una forma absolutamente increíble. Buena la banda sonora de Alan Silvestri, que contribuye a realizar una excelente superproducción de acción, que es exactamente lo que se esperaba de una película como "Captain America: The First Avenger".

La última, obligatoria observación, corresponde al 3D: come fácilmente imaginable, se trata de un "accesorio" que no aporta al film beneficios particulares, a pesar de presentarse generalmente bien hecho y aparte algunas secuencias iniciales, el resto de la película no saca provecho del formato... "Captain America: The First Avenger" ( junto a "X-Men: First Class") puede ser considerado el mejor cinecomic del 2011. Uno de las pocas películas de superhéroes que ha conseguido crearse una identidad diferente y característica.

Valoración : 7.5 / 10


En dos palabras : Joe Johnston, verdadero veterano del cine de aventura, se revela la mejor elección posible para llevar en pantalla un personaje icónico pero con un alto riesgo retórico como Captain America. La película corre rápidamente a pesar de su duración, sin picos de espectacularidad pero con una grande atención al guión -de ninguna manera víctima de particulares lagunas narrativas- y sobre todo al corazón de sus personajes. Un de los mejores cinecomic Marvel desde la salida de "Iron Man", incluso superior a este último bajo algunos (pocos) aspectos, entre todos el de la estructura de la historia. Sin lugar a dudas recomendable!.

julio 19, 2011

las 50 Mejores Películas de los 90's V.

10. The Piano - Jane Campion (1993)


Película refinada, sensibile pero al mismo tiempo despiadada y pasional. La poesía y el romanticismo rozan niveles altísimos, contrastados por el contorno oscuro de los lodosos bosques en donde está ambientada y por los gestos rígidos de Holly Hunter que nos regala una interpretación simplemente extraordinaria. La directora neozelandés ha realizado también un trabajo excelente con la cámara. Cada plano cinematográfico es un cuadro viviente y a donar el justo toque de melancolía es la maravillosa banda sonora de Michael Nyman. Una sucesión de composiciones dulces y conmovedoras acompañan una película del fuerte impacto emocional, una de esas películas de mirar con el corazón y de saborear con los sentidos. (tráiler)



09. Sonachine (Sonatine) - Takeshi Kitano (1993)


Kitano se confronta con un género bastante conocido en Japón, el Yakuza Eiga, su gélida crónica de los enfrentamientos entre bandas criminales resulta ser sólo la punta del iceberg que esconde una mucho más amplia realidad sumergida. Más en profundidad, además de las extraordinarias elipsis sanguinolentas y el anti heroísmo de los personajes, se encuentra el diario íntimo de un malestar. Amarga ironía, violencia y sentimientos se encuentran, se funden, juegan y danzan en la orilla del mar y entre calles semi-desiertas. Un inquietante teatro de horror y poesía, donde la violencia y la crueldad no son más que una rutina insípida dictada únicamente por el miedo y por la ansiedad de la vida. La obra que ha hecho descubrir definitivamente el genio de Takeshi Kitano en todo el mundo. (tráiler)



08. Secrets & Lies - Mike leigh (1996)


“Secrets & Lies” es una representación extremadamente precisa de la vida cotidiana de la "gente común", atrapada (como sugiere el título) en las pequeñas y grandes mentiras de todos los días. Mike Leigh, abanderado de un cine minimalista e adherente a la realidad, pone en escena los sentimientos, las tensiones reprimidas y los conflictos que se agitan entre las paredes domésticas a través de los eventos entrelazados de la famiglia de Cynthia (una magistral Brenda Blethyn). La obra de Leigh revela las inquietudes, el sufrimiento, la pasión, el mundo interior, la mezquindad de los personajes. El director británico, criticando y algunas veces divirtiendo, realiza un retrato familiar verosímil. Raramente había sido puesta en escena la vida, con tanto realismo. Comedia humana que primero seduce, y después conquista, porque es ante todo una película sobre la búsqueda del amor. (tráiler)



07. Todo Sobre Mi Madre (All About My mother) - Pedro Almodóvar (1999)


El enésimo homenaje del cineasta de la Mancha a la mujer, un análisis del universo femenino desde todos los puntos de vista. Gracias a una sabia mezcla de tragedia y comedia, y a un guión íntimo y sorprendente, Almodóvar nos regala una obra maestra, una película que consigue ser terriblemente desgarradora y al mismo tiempo contener momentos de comicidad absoluta; un apasionado apólogo sobre el poder de la amistad y sobre el coraje de enfrentar la vida aunque en sus momentos más difíciles, que evita las fáciles trampas del pietismo y de la retórica, y se revela capaz de involucrar (y conmover) al espectador de manera inesperada y sobre todo única. Una de esas películas que permanecen grabadas en la memoria por su valor, por su ambigüedad, por su fuerza explosiva y por su extraordinaria sensibilidad... Un must del cine moderno. (tráiler)



06. Heat - Michael Mann (1995)


"Heat" es una película policiaca bastante atípica en el panorama hollywoodiano contemporáneo, Michael Mann altera las reglas convencionales, en la duración (171 minutos) y en la construcción de los acontecimientos. Es la sintaxis fílmica a cambiar respecto a las tipificaciones del género. Sus modelos son clásicos, ya sean americanos que europeos. La atención a los detalles, el estudio de la psicología de los personajes,y sobre todo, la capacidad de Mann de ser lo más realista posible, la convierten en uno de los thriller románticos por excelencia... "Heat" es, en general, la película que ha cambiado el género policiaco en los años 90 y la obra maestra absoluta del director de Chicago, una grandiosa obra en cuyo final la célebre "God Moving Over The Face Of Waters" de Moby hace de perfecto contrapunto. (tráiler)



05. The Straight Story - David Lynch (1999)


"Lo peor de la vejez es el recuerdo de cuando eras joven". David Lynch cuenta, conmueve y vuelve a reflexionar sobre los temas importantes de la vida, de manera dulce y poética como sólo un genio detrás de la cámara sabe hacer. La vejez, la importancia de la familia, los recuerdos y la sabiduría, la vida y la muerte, el director americano abandona momentáneamente las pesadillas, sus obsesiones y el estudio de los sueños para poder hacer frente a temas más fuertes y al mismo tiempo delicados con una historia increíblemente extraordinaria, basada en una historia real."The Straight Story" es el homenaje personal a la vida de un David Lynch ciertamente menos alucinado, pero capaz una vez más de fascinar y dejar una huella indeleble en el espectador. (tráiler)



04. Schindler's List - Steven Spielberg (1993)


Extraordinaria película, que sacude los ánimos y golpea como un puño en el estómago, pero que sobre todo posee en el "no olvidar" la terrible masacre del pueblo judío su objetivo principal. Un cine del recuerdo, de la memoria, trágica pero necesaria, un cine inolvidable y perenne, de tener en cuenta para las generaciones presentes y futuras; pero que es también un cine lleno de esperanza, un cine religioso, porque en medio a tanta locura siempre hay alguien que sigue el camino del bien y de la racionalidad, porque, como dice una frase del Talmud, "Quien salva una vida, salva al mundo entero". "Schindler's List", es una grande obra maestra, una obra comprometida y sumamente realista, emocionante y dolorosa. Joya indiscutible del séptimo arte. (tráiler)



03. Goodfellas - Martin Scorsese (1990)


“Goodfellas”, es, y se mantiene a distancia de tiempo, una película absolutamente agradable, que merece ser vista y revista y que puede ser considerada un cult a todos los efectos. La obra de Scorsese nos muestra treinta años de historia de la mafia americana en New York, vista desde el fondo, es decir a través de los ojos de los que al final hacen el trabajo sucio. El resultado es un espectáculo a momentos electrizante y a momentos bastante tenso, de donde es difícil predecir la conclusión, que a pesar de su duración, casi dos horas y media, nunca aburre. Y si añadimos también un excelente y brillante montaje, una dirección magistralmente elaborada y eficaz, que nos regala fantásticos planos secuencias, e intérpretes excepcionales (Joe Pesci y Robert De Niro sobre el resto), tenemos una de las mejores películas de siempre sobre el mundo del crimen organizado. (tráiler)



02. The Thin Red Line - Terrence Malick (1998)


Grandísima obra desde un punto de vista filosófico y naturalista. Emociona e involucra porque consigue dar vida a los buenos pensamientos y sentimientos al interior de un cuadro de guerra dramático y atroz. Una película que otorga aliento a la idea de una ética pacifista creíble y plantea una filosofía de la naturaleza (finalmente) fértile incluso hasta de diálogo. El guión se sirve de una verosimilitud escénica y verbal de increíble confección. La hierba en primer plano manchada de sangre, la hoja que se cierra cuando es tocada por un soldado, las delicadas y coloridas aves muertas dan una idea de la destrucción total causada por la guerra con su poder sobre el hombre y la naturaleza. Un poder gradualmente absoluto e incontrolable que busca paradójicamente en Dios su coartada para convertirse en coacción necesaria de muerte. Sorprendente. (tráiler)



01. Crash - David Cronenberg (1996)


Después de la visión de la película te entran ganas de olerte con preocupación la ropa para comprobar si el olor de los metales retorcidos, de la sangre y del esperma no ha quedado condesado o si tus miembros no han comenzado a sufrir transformaciones irrefrenables... Porque "Crash" es la síntesis extrema entre las visiones de Cronenberg construidas sobre las obsesiones de la descomposición y de la remodelación de los cuerpos y el erotismo destinado como único posible lubrificante del deseo, realizado automáticamente, sin nungún tipo de emoción, como una carrera sin frenos hacia el impacto fatal. "Crash" es la superación del Eros y del Thatatos en un clímax sexual y auto-destructivo. Una película descaradamente subversiva, que indica en la posibilidad de elegir cómo morir, la última forma posible de liberación del individuo. La obra de Cronenberg es chocante, desagradable, indigerible, inimitable y bellísima... La mejor película de los 90's. (tráiler)

julio 12, 2011

Película del día...

13 Assassins - Takashi Miike , 2010

"13 Assassins" es el remake de una película de los años sesenta del poco conocido Eiichi Kudo, en la que la bellísima reconstrucción de Takashi Miike demuestra de posser también un rigor filmológico en comparación con los rasgos estilísticos del género. Ambientada a mediados del 800, en el periodo Tokugawa, la película nos cuenta de los problemas infligidos a una población japonés y de las molestias ocasionadas a los funcionarios de alto nivel del Shōgun por parte del hermanastro del mismo, el Lord Naritsugu. Típica encarnación del mal miikiano, Naritsugu es un persona sádica, desprovista de empatía, violenta por disposición humana, nunca por necesidad. El Consejo Superior decide que el pequeño déspota deba de ser eliminado, para evitar futuras complicaciones irresolbibles. No pudiendolo hacer directamente, contratan al samurai pensionado Shinzaemon Shimada, y le encargan la tarea de reclutar un pequeño comando y cumplir con la misión. A esta sucia docena de samurais se añade un decimotercero, que sería el desaliñado vagabundo de mifuniana memoria. Comprarán literalmente una aldea para convertirla en teatro de la batalla contra el ejército de Naritsugo. Serán 13 contra 200...

"13 Assassins" es un Jidaigeki puro, es decir una película de samurais que respeta todas las reglas del propio género. Todo es filtrado a través de la idea de cine directo e inquientante que desde siempre Takashi Miike ha llevado a cabo. Y si por lo general las imágenes más "fastidiosas" propuestas por el director son aquellas sangrientas y aterradoras, en "13 Assassins", donde la mutilación y las agujas en los ojos (por mencionar sólo dos de sus tantos tópicos) se reducen al mínimo, la perturbación proviene de los elementos menos impensables. La película está dividida rígidamente en dos partes, en la primera se hace presente el objetivo de la misión y de sus protagonistas, en la segunda se illustra el combate de los pocos contra los muchos. Por la tanto, en la parte inicial  conocemos al grupo de trece samurais que combatirá contra todo un ejército para derrotar a uno de los señores feudales más sangrientos que pueda existir, conocemos también sus características, los motivos y los ideales, después de la mitad asistimos a 45 minutos de verdadero delirio de acción y dirección. La aldea lugar del increíble combate se convierte en un lugar de muerte y de gloria, donde atronadoras explosiones y lluvia de flechas comenzarán rápidamente a inundar la pantalla con todo su sorprendente poder visual. De toda la sangre que es derramada ni siquiera una gota cae fuera de lugar en el cine de Miike, cada plano tiene un sentido y cada composición es minimamente estudiada.

El extraordinario talento del director no se encuentra sólo en el conseguir unir estilos y fuentes diferentes, sino también en el conocimiento de que cada imagen puede hablar, aunque si permanece en pantalla por tan solo un segundo. Las ironías dejadas al personaje del guerrero del bosque (el de la ética más miikiana), el espectacular campo en donde las espadas son plantadas como flores y una explosión de sangre hiperbólica al final de un plano secuencia, son sólo algunos ejemplos de la avalancha de ideas que Miike profundiza en una película en donde la narración es llevada a cabo con la fuerza de las escenas de acción y las escenas de acción son narradas como si fueran diálogos. Una carnicería de emociones que no deja tregua al espectador, no le concede el tiempo de un respiro, intencionado a suspirar o menos por la supervivencia de "Nuestros Héroes". La misma facilidad con la que los cuerpos caen en tierra, en un número de desventaja tan alto, debe hacer comprender de la mejor manera posible el significado metafórico que se esconde detrás de la  estoica batalla entre los trece samurais y el ejército de Narigatsu, pero que a su vez representa también una concepción superior al valor del bien y del mal que desde siempre han vivido en la cultura japonesa.

Las imágenes fotografían excelentemente el conjunto de los diferentes duelos, ya sean estos individuales o de masa. En este caso es más que perfecta la sincronización de los mismos, donde docenas de extras se encuentran en espacios limitados a hacer pasar un mal rato a los protagonistas. Entre los trece guerreros del título, algunos sobresalen más que otros, por precisas opciones narrativas : Si la lógica impone que Shimada (Kôji Yakusho) y su sobrino Shinrouko (un fantástico Takayuki Yamada) tengan más peso respecto a los otros, es decididamente irresistible el descabellado bandido del corazón roto Koyata (Yûsuke Iseya) que recuerda en más de una escena la figura de Kikuchiyo interpretada por el grande Toshirô Mifune en la obra maestra "Seven Samurai"Takashi Miike realiza una aventura dal sabor legendario, que rinde homenaje a maestros del género como Akira Kurosawa y al mismo Eiichi Kudo, sin despreciar de ninguna manera algunos breves, desequilibrados, inolvidables, flashes de su maravilloso cine.



En dos palabras : "13 Assassins" es una masacre cinematográficamente imponente. Una obra majestuosa e irresistible, en donde las asombrosas coreografías son solamente la expresión de un ideal, de cine y de libertad, mucho más profundo. Un Jidaigeki contemporáneo pero que tiene respeto por la tradición, una película seria y entrenida a la vez, una historia muy bien contada, una explosión de sangre, espadas y valores que es un espectáculo pirotécnico. Altamente recomendable.

julio 09, 2011

Película del día...

Transformers: Dark Of The Moon - Michael Bay , 2011

"Transformers: Dark of the Moon" es a priori la apoteosis del cine de Michael Bay, un director que, queramos o no, ha modificado irreversiblemente la forma de entender el action y el popcorn movie en la Hollywood postmoderna. A nivel de guión (siempre de Ehren Kruger como para la secuela anterior) no es que presente muchas novedades este tercer "Transformers" : al centro de la trama se encuentra una vez más la eterna lucha entre el bien (Autobots) y el mal (Decepticons) y el personaje del humano torpe, pero heroico, Sam Whitwicky (Shia LaBeouf), que ayuda a sus amigos transformables en su misión. Cambian algunos particulares, como el personaje femenino. Eliminada Megan Fox,  por que había comparado al director con Hitler, es remplazada por la menos carismática (pero indudablemente sexy) Rosie Huntington-Whiteley, siguiendo "obviamente" la misma esencia.

Suma y síntesis de las dos películas anteriores, "Transformers: Dark of the Moon" extremiza sus dos componentes principales: la ironía, en la primera parte, y la espectacularidad, en la segunda. Las burlas y la conciencia de sí mismo se convierten en una farsa, en una sátira: Sam es un trabajador precario a pesar de haber recibido una medalla de parte del presidente Obama, su jefe es una caricatura (interpretado por un divertido John Malkovich) al límite de la locura, y también el personaje del ex agente Simmons (John Turturro) se encuentra bastante cercano a la comedia slapstick. Toda la primera parte esta realizada en un tono de comedia demencial y exagerada, dilatada y excesiva como todo el cine de Bay, larguísimo preludio a lo que es el verdadero corazón palpitante de la película, es decir la intensa batalla conclusiva, en donde la ciudad de Chicago es literalmente arrasada por los alienígenas de acero. Es aquí, en dosis incrementadas respecto al ambiguo segundo capítulo, y en clara oposición respecto al despreocupado capítulo original, que se describe una forma de entretenimiento de ninguna manera inocua o efímera.


La guerra entre robots organizada por Bay es una metáfora explícita de los conflictos bélicos en donde están involucrados las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos, los ideales históricos y anarquistas son "reescritos" de acuerdo con el principio del cinismo y del arribismo (la "Carrera espacial" promulgada por Kennedy expresamente para apropriarse de una tecnología alienígena desconocida), las ambientaciones, los personajes, los enfrentamientos armados recuerdan páginas terribles de nuestra historia (El malvado líder de los Decepticons, Megatron ciego de un ojo como el Mulá Omar, la ciudad de Chernobyl espectral y abandonada después del desastre nuclear, que transmite hoy una advertencia más actual que nunca, el derrumbamiento del rascacielos en Chicago, que se pliega sobre sí mismo como las Twin Towers en el día más terrorífico en la historia de los Estados Unidos), mientras que la defensa de la propia patria por parte de los enemigos externos pasa obligatoriamente por el peaje del militarismo y de las fuerzas armadas. Y aquí uno se preguntaría sí la "paloma" Spielberg, nombre tutelar de las tres películas, a la luz de puebas recientes que utilizaban y hablaban de la violencia de manera ambigua (como "Munich", y no sólo), no se haya convertido en un "halcón". Sin contar con la secuencia de las naves Decepticons que incineran (literalmente) a los humanos, que parece salir directamente da su excelente "War Of The Worlds".

Pero el verdadero "Deus ex Machina" de la operación sigue siendo Michael Bay, que en la última hora de metraje pone en escena la guerra de los Transformers como un verdadero asalto a los sentidos del espectador: visualmente, y auditivamente, estrepitosa, la larga batalla urbana por las calles de Chicago que tiene como pariente más cercano sólo "Black Hawk Down" de Ridley Scott. La imagen está sobrecargada de elementos digitales convirtiendola en una especie de "pastiche vanguardista", el montaje es subliminal, la cámara se mueve con la velocidad de un tren: es el punto de no retorno del cine de la era digital (mucho más de lo que hizo "Avatar"). 

El resultado puede exaltar (la ya mencionada secuencia del derrumbamiento del edifcio, con los protagonistas al interior del mismo, deja con la boca abierta como lo había hecho "Star Wars" en 1977 o "Terminator 2" en 1991) o generar un disgusto inmediato, pero desde luego no deja indiferente, aunque si algunos críticos americanos, y no, parecen más interesados a buscar nuevas formas para burlarse del trabajo del director, oficialmente catalogado entre los enemigos del séptimo arte.

Valoración : 6.5/10





En dos palabras : Para bien o para mal, Michael Bay firma el nuovo manifiesto del cine de acción americano. La verdadera apoteosis del pop-corn movie, que puede ser acusado de ser "sólo" combates, mujeres hermosas, persecuciones y computer graphics, además de una evidente retórica nacionalista. Pero sin embargo, es un espectáculo que (a diferencia del interminable e irritante segundo episodio) nunca aburre y a momentos exalta, siendo confeccionado con atención y con los mejores medios posibles. La película merece la visión aunque sólo por el 3D absolutamente bien aprovechado y capaz (entre otras cosas) de mejorar y no empeorar el estilo de un director. De un director como Bay, después de todo.

julio 07, 2011

Canción del día...


"Set Fire To The Rain" - Adele - 21 (2011)

Ser Fire To The Rain

I let it fall, my heart,
And as it fell, you rose to claim it,
It was dark and I was over,
Until you kissed my lips and you saved me,
My hands, they were strong, but my knees were far too weak,
To stand in your arms without falling to your feet,

But there's a side to you that I never knew, never knew,
All the things you'd say, they were never true, never true,
And the games you'd play, you would always win, always win,

But I set fire to the rain,
Watched it pour as I touched your face,
Well, it burned while I cried,
'Cause I heard it screaming out your name, your name,

When laying with you I could stay there,
Close my eyes, feel you here forever,
You and me together, nothing is better,

'Cause there's a side to you that I never knew, never knew,
All the things you'd say, they were never true, never true,
And the games you's play, you would always win, always win,

But I set fire to the rain,
Watched it pour as I touched your face,
Well, it burned while I cried,
'Cause I heard it screaming out your name, your name
I set fire to the rain,
And I threw us into the flames,
Well, I felt something die,
'Cause I knew that that was the last time, the last time,

Sometimes I wake up by the door,
And heard you calling, must be waiting for you,
Even that when we're already over,
I can't help myself from looking for you,

I set fire to the rain,
Watched it pour as I touch your face,
Well, it burned while I cried,
'Cause I heard it screaming out your name, your name
I set fire to the rain,
And I threw us into the flames,
Well, I felt something die,
'Cause I knew that that was the last time, the last time, oh,
Oh, no,
Let it burn, oh,
Let it burn,
Let it burn...

Prender Fuego A La Lluvia

Dejé caer, mi corazón,
y mientras caía, tú apareciste para reclamarlo,
estaba oscuro, y yo acabada,
hasta que besastes mis labios y me salvaste.
Mis manos, eran fuertes. Pero mis rodillas eran demasiados débiles
para estar entre tus brazos, sin caer rendida a tus pies.

Pero hay una parte de ti que nunca conocí, nunca conocí. Todas las cosas que dijiste nunca fueron ciertas, nunca fueron ciertas.
Y los juegos a los que jugaste, siempre los ganaste, siempre los ganaste.

Pero prendí fuego a la lluvia,
y la vi caer, mientras tocaba tu cara,
ardió mientras yo lloraba,
porque la escuché gritando tu nombre. Tu nombre.

Cuando me tumbaba contigo, podría haberme quedado ahí para siempre, cerrar mis ojos, sentirte aquí,  para siempre, tu y yo juntos, nada podría ser mejor.

Pero hay una parte de ti que nunca conocí, nunca conocí. Todas las cosas que dijiste nunca fueron ciertas, nunca fueron ciertas.
Y los juegos a los que jugaste, siempre los ganaste, siempre los ganaste.

Pero prendí fuego a la lluvia,
y la vi caer, mientras tocaba tu cara,
ardió mientras yo lloraba,
porque la escuché gritando tu nombre. Tu nombre.
Prendí fuego a la lluvia, y nos lancé a las llamas,
entonces sentí que algo moría,
porque sabía que sería la última vez. La última vez.

A veces oigo la puerta y me despierto,
y te oigo llamarme, debe ser que todavía te espero,
y anque ya hemos terminado,
no puedo evitar seguir buscaándote.

Pero prendí fuego a la lluvia,
y la vi caer, mientras tocaba tu cara,
ardió mientras yo lloraba,
porque la escuché gritando tu nombre. Tu nombre.
Prendí fuego a la lluvia, y nos lancé a las llamas,
entonces sentí que algo moría,
porque sabía que sería la última vez. La última vez.
Oh, no,
Déjala arder, oh,
déjala arder,
déjala arder...

julio 04, 2011

Película del día...

The Conspirator - Robert Redford , 2011

Abraham Lincoln, 16º Presidente de los Estados Unidos de América, y el primero a pertenecer al Partido Republicano, fue asesinado el 15 abril de 1865 al Ford’s Theatre de Washington, donde había ido para asistir a la representación de "Our American Cousin", una comedia musical del escritor británico Tom Taylor. Su muerte sacudió a toda una nación, siete hombres y una mujer fueron detenidos con el cargo de conspiración para asesinar al presidente, de sus planes también formaban parte el vicepresidente y el secretario de estado. La única mujer en el grupo, Mary Surrat, era la proprietaria de una pequeña pensión donde los supuestos conspiradores habían alquilado habitaciones para planificar los ataques simultáneos.

En una Washington dividida entre la aversión y el resentimiento de los sursitas que, perdida la Guerra Civil, tuvieron que decir adiós a los privilegios relacionados con la esclavitud, un joven e inexperto abogado Frederick Aiken, héroe de guerra, pero sin experiencia en los tribunales, se ve obligado a defender Mary Surratt, una civil sometida al estricto tribunal militar. Pronto Aiken se da cuenta de que Mary es inocente y su sentencia serviría solamente como chivo expiatorio para llegar al único conspirador aún en libertad.

La conspiración y el asesinato de Lincoln son relatados en el breve íncipit de la película, inmediatamente se hace evidente que a pesar de la atmósfera de película de época nos encontramos frente a un clásico legal thriller di ambientación tribunalicia. Robert Redford y el guionista James D. Solomon, por consiguiente, evitan de mostrarnos aquello que a primera vista podría parecer solo un ulterior court drama con un joven e idealista abogado como protagonista. El acontecimiento es mostrado a través del punto de vista de Aiken, pero es el cuadro general a resaltar, un quadro en donde la materia jurídica es ambigua en el compromiso de una justicia terrenal continuamente deseada, pero de ninguna manera absoluta. En el centro de todo está la historia de una nación y node los personajes individuales, a pesar de estar muy bien caracterizados y colocados delante a numerosas, fundamentales, elecciones de vida. No se trata, de cualquier manera, de una película nacionalista: luces y sombras están bien distribuidas entre las partes en causa, y la historia no es tan sólo una consecuente.

Un siglo y medio después de los hechos que han sido traducidos en película, la historia de Mary Surratt representa tadavía un exemplum de como un estado herido en el alma y en el orgullo afile todas sus armas disponibles con tal de demostrar su propia fuerza, desdeñoso de la posibilidad de acusar una persona evidentemente inocente. El abuso de un tribunal militar, con sus reglas y su disciplina, que extorsiona a una mujer sin darle la oportunidad de demostrar su inocencia es un paralelismo que  puede ser legible en los otros supuestos conspiradores. El joven abogado, consciente de ser un pequeño David que lucha contra un Goliat inexpugnable, representa no obstante la posibilidad de una rebelión personal (que se debe necesariamente transformar en colectiva) en contra de una forma de estado que no permite alternativas a las decisiones del poder político.

Robert Redford realiza una película tensa y lograda, gracias también a las óptima prueba de sus actores, superlativa Robin Wright Penn en el papel de una madre dispuesta a enfrentar la horca por traición en lugar de acusar públicamente a su hijo, un Kevin Kline inflexiblemente rígido en el papel del Ministro de Guerra Edwin Stanton, y un intenso James McAvoy, que da vida al abogado Frederick Aiken, en equilibrio entre la oportunidad de dejar a su cliente en las manos de la Jurado Militar y el grande riesgo(también personal) que implica una fuerte defensa de su inocencia. Pero también vemos, en roles más o menos importante, otros rostros conocidos : Evan Rachel Wood, Tom Wilkinson y Justin Long.

"The Conspirator" es por lo tanto, una obra equilibrada y muy bien diseñada, que concede además poco espacio a la imaginación: la historia no resulta de ninguna manera ficticia como en otras películas similares y la atención a los detalles históricos, desde un punto de vista escenográfico y del vestuario, es más que notable. En breve, la dirección de Robert Redford, siempre garantía de un cierto rigor formal, es evidente. Una película que debe ser vista también debido (principalmente) a los temas históricos, aparentemente distantes de los intereses de un público no "americano", son en realidad universales y dignos de ser descubiertos y analizados por un público heterogéneo.

Valoración : 7.5/10


En dos palabras : Un legal thriller firmemente anclado a lo que la historia ha conservado como uno de los eventos más significativos desde el nacimiento de los Estados Unidos de América : "The Conspirator" tiene todas las credenciales para entrar en la lista de las mejores películas de género, gracias a un óptimo cast, un guión convincente e profundo que no se pierde en divagaciones políticas o personales sobre los personajes, y a la impecable dirección de un Robert Redford decididamente en forma. Recomendable.

julio 01, 2011

Los 50 Mejores Discos de los 90's IV.

20. I Hope You're Sitting Down de Lambchop (1994)
Rock, Alt-country, Folk
Lambchop es quizás el más grande (y numeroso) ensemble rural americano de siempre y "I Hope You're Sitting Down" es su obra maestra, este disco parece querer apartarse inmediatamente de la tradición blanca americana, y alinea diecisiete espléndidas canciones en donde el gusto por la melodía persuasiva y refinada va a mezclarse constantemente con las costrucciones casi jazzísticas, que se despliegan en un flujo de vientos, pianos y órganos del fuerte valor evocador. El grande debut de Lambchop no se olvida de los tonos rock'n'roll y revela al mundo el estilo lírico personalísimo e irónico de Kurt Wagner, nuevo desilusionado narrador de la realidad de la Provincia Americana.
Best tracks :




19. The Good Son de Nick Cave & The Bad Seeds (1990)
Songwriter
Poquísimos artistas son comparables a Nick Cave en la capacidad de despertar emociones tanto contradictorias como fuertes a la vez, así como otros pocos puede presumir de su capacidad evocativa. Y nunca antes como en esta obra, las historias contadas por Cave parecen realmente materializarse ante nuestros ojos, como si fuéramos espectadores "invisibles" de una representación sagrada. Por su valor y espesor musical, literario, poético y por su fuerte impacto emocional, "The Good Son" es a todos los efectos una obra preciosísima e irrepetible. Ningún otro trabajo del cantautor australiano ha jamás alcanzado una intensidad tan devastadora y una belleza tanto imponente como el disco en cuestión.
Best tracks :




18. Maxinquaye de Tricky (1995)
Trip-hop, Electronic
Uno de los exponentes más famosos e influyentes del movimiento inglés conocido como trip hop es Tricky, alias Adrian Thaws, personaje de la personalidad compleja y fascinante, y también uno de los principales puntos de referencia de la fértil escena bristoliana. Su música es verdaderamente hipnótica, alienante y enferma. "Maxinquaye" posee una espontaneidad vivida, casi ingenua, que le da decididamente un toque especial que probablemente el Tricky más maduro, el de sus futuras publicaciones no sería capaz de recrear; además representa uno de los capítulos más importantes de la historia del trip hop. Un disco ingenuo, intenso y sobre todo único. Anestésico.
Best tracks :




17. The Sea And The Bells de Rachel's (1996)
Modern Classical, Post-rock
Improvisaciones post-rock envueltas por arreglos orquestales de tipo clásico, por las bobinas de un idolatrado romanticismo y por la inmediatez de la variada música popular , mezcladas con una forma totalmente nueva en estructuras de vanguardia; estos son los objetivos y las peculiaridades del ensemble estadounidense. Un álbum conceptual del sound puro, vivido y ágilmente arrollador, como las olas del mar y las sensaciones salobres de los navegantes de quién este disco coge inspiración, como la inquietante y conmovedora vista de una extensión de agua sin orilla. Una obra original, importante, inspirada, ambiciosa; es la simbiosis de la inviolabilidad y de la evolución, es un territorio no cultivado pero decididamente fértil.
Best tracks :




16.Orange de The Jon Spencer Blues Explosion (1994)
Blues-rock
La grandeza de "The Jon Spencer Blues Explosion" reside en su capacidad (evidentemente para nada común) de acercar fragmentos sonoros provenientes de los más diversos contextos creando sin embargo un conjunto homogéneo y coherente. No un sound que se acerca a tal o cual género, sino más bien un maelstrom en donde conviven la esencia de la música roots y escenarios visionarios a los límites de la vanguardia. "Orange" es incuestionablemente su obra maestra, un disco del sonido absolutamente e inequívocamente blues, hecho de música antigua, pero al mismo tiempo uno de los experimentos más evolucionados y memorables que el rock ha sido capaz de realizar en la maravillosa década de los 90's.
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15. Tindersticks de Tindersticks (1993)
Chamber-pop
El primer disco del grupo británico es al mismo tiempo una representación de la melancolía crepuscolar y una colección de canciones sumamente melódicas, tanto en los episodios íntimos y minimalistas como en las aperturas más frecuentes a una grandeza orquestal jamás empalagosa o fin en sí misma, pero marcada por una lírica precisa y por inquietas inserciones instrumentales. A la fugacidad de las modas alternativas, y a los excesos, "Tindersticks" opone el sobrio refinamiento de un chamber-pop sin tiempo y la normalidad sólo aparente de una frágil autenticidad emocional, que encuentra una representación completa en este viaje romántico en los subterréneo del alma humana.
Best tracks :




14. Hex de Bark Psychosis (1994)
Post-rock , Psychedelic-rock
Los Bark Psychosis han conseguido con gran éxito "sublimar" la lección psicodélica del pasado en miniaturas sonoras vanguardistas, en la encrucijada entre sonidos ambientales y música de cámara. Sus canciones nunca presentan una estructura precisa, bien definida, parecen más bien seguir de la mano el estado de ánimo de quién las compone y ¿por qué no? incluso de quién las escucha. Una música en marcha, eternamente alterable; música potencial al estado puro, que procede en perfecta armonía con la voz, a veces romántica, otra veces deseperada, y otras simplemente apática, de Graham Sutton. Un disco maravilloso, un recorrido entre los géneros de rara calidad y uno de los más brillantes ejemplos de la no-muerte del rock.
Best tracks :




13. Just For A Day de Slowdive (1991)
Shoegazer
Hay discos que trascienden no sólo su propia pertenencia de género, sino también la misma concepción de música "rock" o "pop" o como se la quiera llamar, a pesar de ser parte de la misma en todos los aspectos: el extraordinario debut de la banda británica es uno de estos. Los Slowdive superaron con creces cualquier otro grupo "shoegazer", con su capacidad de emocionar profundamente con pocas, simples palabras y con un sonido llevado al extremo de perder completamente identidad. Pocos grupos han sido capaces de unir la forma y la sustancia con tanta perfección y naturalidad, y de dar en el blaco (en sus inicios, y con tan sólo veinte años) con un disco irripetible e inolvidable como "Just For A Day".
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12. Sapphie de Richard Youngs (1998)
Post-rock, Songwriter
Richard Youngs es una figura única en la escena musical de las últimas dos décadas. Mágico encantador, traductor de sueños: "energizer del free-rock" capaz de conmover con obras que brillan por audacia, melodicidad y sentido de "construcción". Simultáneamente reliquia, celebración y velatorio, "Sapphie" pulsa de una luz corpuscolar, y al mismo tiempo tenue y deslumbrante. Tres largas canciones grabadas en toma directa, guitarra clásica, cero overdub, y aquella voz que se trepa, fluctuante, atravesada por la emoción de vocales alargada, falsetes indecisos y una ligera desentonación. Y todo es simplemente maravilloso porque (perdonad la banalidad) habla/imita el lenguaje del corazón.
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11. Dummy de Portishead (1994)
Trip-hop
"Dummy" es el manifiesto definitivo de la revolución trip-hop y también la obra que más que cualquier otra atraviesa las fronteras de ese género, para arribar en los territorios de una música retro (en el alma) como moderna (en el enfoque). La obra de Portishead entierra sus raíces en la tristeza del blues y en las confesiones a corazón abierto del soul; absorbe la agonía de la dark-wave, la rabia del hip-hop y la obsesión del techno. Y consigue vestirlas en baladas de enrarecida elegancia, gracias también a un gusto orquestal jamás exagerado. "Dummy" es el ejemplo de lo que significaba hacer óptima música en esos años. Absolutamente indispensable.
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