diciembre 30, 2010

Los 50 Mejores Discos de la Década "00" V.

10. From a Basement On The Hill de Elliott Smith (2004)


Songwriter
..."From a Basement To The Hill" es un disco romántico, velado por una constante pátina de tristeza . La voz de Elliott es como siempre encantadora y el pop rock que sale es tan genuino como sofisticado. Disco espléndido, que se libera desde el inicio hasta el final, manteniendo intacta toda su intensidad entre baladas, guitarras acústicas y fragmentos eléctricos. Un largo respiro que sorprende por la capacidad de emocionar y lacerar al mismo tiempo. Un disco que consigue herirte inevitablemente, porqué se trata del epílogo amargo de un alma atormentada. Es difícil encontrar puntos débiles en este trabajo que permanecerá como uno de los mejores discos de la década...
Best tracks:



09. Amnesiac de Radiohead (2001)


Avant-Rock, Electronica
...Ningún grupo, en los últimos años, ha sabido endosar una serie de perlas como lo han hecho los Radiohead. Y que se puede decir de un disco que una vez más desorienta y maravilla todo y todos. El hecho de que "Amnesiac" haya sido concebido como colección de "descartes" lo hace perla entre las perlas, a mi modesto parecer. Llamarlo sorprendente es poco dado que se trata de un viaje emocional en la mente de aquella persona que escucha el disco. Cuarenta y cuatro minutos di psicodelia en estado puro, ya sea por las melodías, ya sea por los textos. El estilo es inconfundible y la inovación es un mix audaz...
Best tracks:



08. I Am A Bird de Antony And The Johnsons (2005)


Folk, Pop
...La voz de Antony más allá de ser inimitable puede ser considerada cómo una dolorosa belleza incomparable, un sufrimiento emotivo que, la amas improbablemente, o la evitas principalmente, pertenece a una naturaleza muerta pero exuberante. "I Am a Bird Now" es la esencia de un maravilloso viaje en un cuerpo celestial y elegante, ofuscado por el imprevisible destino, es una reallidad poco conocida porqué es evitada por miedo, es un sueño realista y si consigue conquistar tu parte más íntima, entonces no podrás renunciar de posicionarla en la despensa de tus emociones... Un clásico...
Best tracks:



07. Ys de Joanna Newsom (2006)


Avant-Folk.
...Voz persuasiva, líricas poéticas y arreglos verdaderamente originales, con rarefactos ambientes barrocos que parecen el fruto de una culta busqueda musical más que un experimento pretencioso."Ys", no es absolutamente un disco fácil. Es una obra realizada con melodías orquestales nunca entromentidas, con hipnóticos argumentos psichedélicos, con sugestiones poéticas intensas, pero sobre todo dominado por la interioridad de la autora, que acompaña el canto, dramático como si fuera un bardo, con las notas de cristal del arpa. El gusto que queda es agridulce, impregnado por emociones, y con la percepción de haber participado a una pequeña obra de arte...
Best tracks:
-Emily
-Only Skin



06. Mount Eerie de The Microphones (2003)


Avant-Rock.
... El disco es un flujo continuo de sonidos aterciopelados e impalpables, que se alternan con los rumores más trastornantes en un clima épico que vierte casi exclusivamente en los estados de ánimo, de ansiedad y de miedo atávico y que transporta al oyente en mundos desconocidos, pero llenos de inquietud humana. "Mount Eerie" entra de frente en la historia del rock y consagra su autor de grande inestable a grande músico tout court, la fantasía de Phil Elvrum es simplemente extraordinaria y los resultados constituyen algunas de las "hazañas" musicales más memorables de la década...
Best tracks:



05. Turn On The Bright Lights de Interpol (2002)


Rock
Difícil, casi imposibile: me refiero al hecho que sea verdaderamente complejo encontrar un grupo que al disco de debut te presente una obra maestra de este género. Los Interpol no tan sólo han capturado la grande resaca del revival new-wave, han sencillamente retractado su expresión más compacta, simple e implicante. excelente melodías, excelentes arreglos, un mood melancólico efímero e incompleto, continuos cambios emotivos, baladas para corazones frágiles, hit para indie-kids y canciones para un público rock: "Turn On The Bright Lights" es todo esto y mucho más, porqué lo es en la manera más fascinante posible...
Best tracks:



04. Yankee Hotel Foxtrot de Wilco (2002)


Folk-Rock
..."Yankee Hotel Foxtrot" es un disco vivo, fresco, imaginativo, un viaje en la american music con la simplicidad de la tradición y la fantasía desenfrenada de las nuevas tecnologías: baladas West cibernéticas, (mal)humores pasajeros, enmascaramientos folk beat country sumergidos en un fantasmagórico paisaje de rumores y "objetos sonoros no identificados" que divierte y alegra el espíritu. Un trabajo de una belleza universal, una obra hecha de ideas antes que de canciones, música de almas, antes que de músicos.Compuesto por once maravillas musicales  "Yankee Hotel Foxtrot" es un disco simplemente inolvidable...
Best tracks:


03. Illinois de Sufjan Syevens (2005)


Songwriter
...Una obra que se escapa verdaderamente de cualquier definición y paragón, una obra circunscrita en el espacio pero absolutamente fuera del tiempo, de la cual sobresale con fuerza la figura de un artista maduro, completo y lleno de un talento particularísimo, que lo convierte único en el congestionado panorama de los songwriter estadounidenses. Sufjan Stevens consigue rehuir de cualquier redundancia y llenar de pathos las propias composiciones manteniendo, al mismo tiempo, un tono leve y para nada serio, un ulterior elemento que, reproducción tras reproducción, contribuye a hacer entrar en la mente y en el corazón, para no dejarlas salir, las multiformes y espléndidas canciones de este irresistible disco...
Best tracks:



2. ( ) de Sigur Rós (2002)


Dream-Pop
...Los temas de "( )" no son ciertamente adaptos a una atención distraída y fugaz, forman parte de aquellas experiencias auditivas perspicaces, intensas…totalizantes. Un interés conciente, o solamente una mente predispuesta a la rendición frente a estas “fáciles” emociones, pueden descubrir al interior un mundo que será difícil de dejar, por como es sencillamente maravilloso y profundo y por consiguiente de alguna manera complejo. "( )" es indudablemente un disco “complicado” y simple a la vez. La cosa más justa que se pueda hacer es sumergirse de cualquier manera en esta obra sin poner resistencia, porqué aquella de los Sigur Ròs es música que no se debe interpretar o decodificar...es  simplemente música, encerrada entre paréntesis...
Best tracks:



01. Kid A de Radiohead (2000)


Art-Rock, Electronica
..."Kid A" es disco a su manera sólido y compacto, ya sea a nivel musical che “textual”, tanto así de hablar nuevamente (después de Ok Computer) de concept album. Sobresale principalmente en el disco un ambiente congelado, una extrañeza glacial en la historia del niño “A”, en un clima que se hace cada vez más artificial, con el intento de salir completamente de los esquemas del estribillo y de crear una obra de arte que renueva plasmando sobre sus propósitos el arte moderno electrónico, sometiendolo a una visión definitvamente onírica. Yorke y socios consiguen una vez más salir airosos de tan difícil hazaña, trasponieno las ansiedades que les aflige en música... Sin lugar a dudas el mejor disco de la década...
Best tracks:
-Idioteque


*Hacer click en las canciones para escucharlas.

diciembre 22, 2010

Película del día...

Buried - Rodrigo Cortés , 2010

4 motivos para ver esta película :

-...Por que no hay duda que una película como "Buried" consiga intrigar desde el momento, en que sientes hablar de ella. Es difícil, en efecto, resistir al appeal de un concepto tan fuerte: un hombre enterrado vivo y que debe encontrar alguna manera para poder sobrevivir. Sin embargo, el problema con estos productos es que es verdaderamente difícil dar vida a una historia que sea a la altura de la idea original... Puedo decir tranquilamente que "Buried" ha acanzaso su objetivo. Rodrigo Cortés sale bastante bien del deafío con el maestro Alfred Hitchcock (evidente desde los títulos iniciales y el proseguimineto en un tour de fuerza visiva que no te puede no venir a la mente "Rope - (La Soga)"). Era realmente arduo mantener la tensión alta por noventa minutos, pero el realizador lo consigue encontrando y proponiendo siempre nuevos e inteligentes sistemas para poder rodar aquello que sucede en el espacio angosto de la acción...

-...Por un guión agudo y brillante que logra construir sorprendentemente una pequeña odisea en un único y estrecho lugar. Bastan un móvil y un Zippo para dar vida a una increíble escalation de tensión y adrenalina, "Buried" nos conduce en el abismo de nuestros miedos, enterrandonos junto a un extraordinario Ryan Reynolds que consigue entrar perfectamente en el personaje, regalandonos tantas emociones : ansiedad, pánico, desesperación, calma, rabia e histeria, y nosotros inevitablemente sufrimos con él, un metro bajo tierra, en un angosto espacio cerrado, sin conocer las motivaciones y sobre todo la manera de poder salir de aquél infierno, con los segundos que no te ayudan y que corren inexorablemente, quitando oxígeno a él, y a nosostros que entramos inmediatamente en conexión con el protagonista, con su total y oscilante desesperación. La completa identificación hace que la única realidad conocible sea la ansiedad de su universo limitado y rectangular, la amenazadora oscuridad que lo envuelve y la conexión con el mundo exterior y completamente desconocido, dada por el móvil, se convierta en la única cosa a la cual aferrarse desesperadamente.

-...Por que con tan sólo un móvil, Cortés destruye la guerra in Irak, su utilidad, sus verdades... Una de las guerras más insensatas de la historia, es acorralada por una de las películas más políticas del año. El ’”american dream” es sepultado, desnudado y mostrado en todo su evidente cinismo, junto a los lobby industriales de la guerra que desde años especulan sobre los jóvenes americanos, soldados y no, enviados a morir para defender una mentira inicial, para protegerla cueste lo que cueste, incluso a cuestas de la propia vida, en un país donde no existen sólo "terroristas" sino más bien delincuentes, convertidos en tales porqué privados de todo, con los sonidos de bombas y promesas falsas...Sin lugar a dudas una nos encontramos frente a una sorprendente idea que nos deja boquiabiertos.

-...Por la dirección de Rodrigo Cortès, nuevo talento de la cinematografía española a su segundo lungometraje, a pesar de la restricción de los espacios escénicos limitados, realiza una película ambiciosa y en constante evolución. La cámara se mueve continuamente adaptandose al ritmo de las emociones humanas y posicionandose en lugares inverosimiles y por este motivo sencillamente fascinantes. Una carrera contra el tiempo en donde nada es dejado al azar, todo esta perfectamente estudiado para eliminar el probable riesgo de inmovilidad. El encuentro ininterrumpido de nuevos y diversificados puntos de luces, la angustiante oscuridad que impide de ver aquello que nos rodea (pero no al protagonista y los detalles importantes), el sentimiento de ansia perpetuo e inconfundible que marca cada enfoque, son también mérito del director de la fotografía Eduard Grau que reemplaza los colores patinados de "A Single Man" por aquellos sucios, oscuros, a momentos deslumbrantes e infernales, y decididamente inquietantes, de esta cinta. Pocos elementos que, mezclados con poquísimas imperfecciones, crean una película claustrofóbica y palpitante, jamás aburrida. A través de un final tan audaz como sorprendente y funcional, Cortés concluye una obra practicamente casi perfecta. "Buried" nos devora literalmente, nos hace contener la respiración de principio a fin gracias a la tenacidad del joven español, empujado por aquella pasión por el cine, por el entusiasmo de las nuevas ideas y marcado sobre todo por esa mirada original e innovadora.

Valoración : 8/10


En dos palabras : Un película que sacude en lo más profundo de uno mismo y restituye un análisis inquietante de la realidad actual poniendo el acento sobre la absurdidad de la mente humana y de la guerra. Rodrigo Cortés, es capaz de orquestar una obra desprovista de bajones de ritmo y (increíblemente) llena de virtuosismos estilísticos que, entre planos secuencia, zoom y primeros planos, consiguen arrastrar al espectador (envuelto ya por la oscuridad de la sala), al interior de la historia. Hasta dejarlo simplemente pasmado...

diciembre 16, 2010

Tres pequeñas reseñas...

Contracorriente (Undertow) - Javier Fuentes-León , 2010

La película toma en consideración (con algunas analogías a "Brokeback Mountain" de Ang Lee, evanescientes y remodeladas) temas y caracteres universales: un microcosmo que refleja el macrocosmo, una situación temporal y sentimental que se vuelve a conectar con las tradiciones y con el pasado, esperando en el futuro, y que consolida sus vínculos con nosotros mismos a través de mitos, en la profundidad del tiempo y del mar, de nuestra cultura. Encontramos  todavía en superficie el modelo "clásico" del trío amoroso, aún más profundo, "Contracorriente" es sobre todo una historia de amor absoluto que se tropieza con la estabilidad, con el amor de Miguel (Cristian Mercado) hacía su esposa (Tatiana Astengo) y su pequeño hijo recién nacido, con las tradiciones religiosas del pueblo de Cabo Blanco (en la costa de Perú), y principalmente con la interioridad y la cosciencia del mismo Miguel, que, si bien se encuentra a vivir apasionadamente la relación secreta con el pintor Santiago (Manolo Cardona) no logra admitir la evidencia y tendrá que combatir con una decisión drástica cuando la situación será inesperadamente modificada. A Miguel en un primer momento parecerá de vivir en una solución ideal y surrealista, entre los amores de la esposa, del hijo y del amante, pero el destino pondrá por delante la verdad ante todo... Javier Fuentes-León ha sabido encajar perfectamentela esta perla, en una concepción ejemplar del tiempo y del espacio, una estupenda "puesta en escena" de la naturaleza de los paisajes y de las personas, una inmersión (también literal) en los ambientes, en las costumbres y en las psicologías, en las pasiones indomables que no se pueden esconder (pasiones pero que son constructivas) y por último en la enseñanza de la aceptación, de la maduración, del respeto - ya sea de una única persona que de la colectividad -, del conocimiento, del saber remediar a los errores y a las injusticias. Ética y humanidad (firmeza viril) tratadas con un estilo seco pero compartícipe, ardiente, conmovedor, natural, sincero y auténtico, erótico y dulce, doloroso y alegre, realista y fantástico: ver para creer y dejarse transportar de la (contra)corriente.

En dos palabras : Una insólita historia de fantasmas ambientada sobre laa costaa del Perú, en la cual un pescador lucha para conciliar la devoción de su amante con las rigurosas tradiciones de la comunidad local. "Contracorriente" es quizás en este momento un pequeño clásico, que todos deberían visionar.

Valoración : 8.5/10



Incendies - Denis Villeneuve , 2010

Incendies es una película que no da tregua: golpea al espectador desde la primera hasta la última escena y lo obliga a realizar un análisis de un acontecimiento cruel. Es una película necesaria porqué declara en manera trágica y explícita la insensatez de la guerra y el drama de una mujer marcada por las injusticias más terribles. Denis Villeneuve es un director valiente, capaz de poner en escena la secuencia más cruda y de hacernos recordar que aquella que vemos no es más que pura ficción. El mensaje socio-político de la película es directo: Nawal (una fantástica Lubna Azabal) vive sobre su propia piel el conflicto árabe-israelí y la gravedad de un único enfrentamiento difiere a una dimensión universal que engloba todas las trágicas consecuencias de las guerras contemporáneas. Nawal de joven fue echada de casa por haber escuchado sus propios sentimentos, y desde ese momento se empeñará activamente para construir y construirse un futuro de paz. Sin embargo se verá obligada gracias a la  guerra a realizar nuevamente otro viaje. Nawal buscará obstinadamente lo que debería haber sido, sigue el amor que la ata a sus hijos, pero avanzará sola en una realidad negativa donde la humanidad es olvidada, enterrada bajo los escombros de pueblos destruidos... Basado en la pièce teatral homónima de Wajdi Mouawad, "Incendies" del canadiense Denis Villeneuve esta inspirada en la historia de una mujer existida realmente e que ha vivido acontecimientos parecidos a aquellos narrados en la obra. El profundo sufrimiento de las íntimas historias personales y la dureza, en algunas escenas por la desagradable crueldad, de un escenario histórico, se funden y se confunden en una pintura que se mezcla perfectamente con los diferentes y violentísimos colores del resto. El brusco íncipit, encantado por las melancólicas notas de Radiohead, y el fulminante final digno de la mejor tradición sofoclea, confluyen para hacer de esta película una experiencia de vivir en toda su plenitud.

En dos palabras : Dolorosa, cautivadora y provocativa, aunque sí la obra de Villeneuve no se plantea de ser una película política, no deja de recordar que las violencias políticas tienen repercusiones en la vida de las personas.

Valoración : 7.5/10



Hævnen (In A Better World) - Susanne Bier, 2010

Al Occidente le gusta imaginarse como un modelo de civilización de exportación, ama verse como un mundo mejor al cual se pueda  aspirar, pero Susanne Bier se toma la molestia de disentir o por lo menos insinuar la duda, de levantar la mano y tener en cuenta las contradicciones que nuestra sociedad produce, o mejor aún que nuestra naturaleza considera, arriesgando el acercamiento entre un conflicto tribal africano y un episodio de intimidación en Dinamarca. De esta manera se abren las puertas de un melodrama moral que explora diferentes formas de violencia y que se interroga sobre la posibilidad de restablecer el orden del civismo sobre el caos, sobre la ignorancia, sobre las ofensas gratuitas, sobre las prevaricaciones cotidianas, sobre las prepotencias, sobre las heridas infligidas aunque involuntariamente, sobre aquellas adquiridas por debilidad, sobre el miedo, la rabia, la pérdida. Susanne Bier nos acompaña en este cuadro complejo de disfunciones familiares tejiendo un lienzo rico de tensión y ambigüedad pero que cede en un par de ocasiones (el inicio y el final, sobre todol, en la parte africana de la película) en un resbalón en el exceso y en la equivocidad. Es un viaje (con tanto de montaje) alternado entre el África con los médicos del territorio y la Dinamarca opulenta con sus respectivos burgueses. La película es objetivamente ambiciosa, pero consigue moverse con desenvoltura, valentía y voluntad en las caracterizaciones articuladas y siempre bastante densas gracias al respaldo de un cast notable. La dirección es elegante y confirma el talento de Susanne Bier en el navegar con sensibilidad entre las insidias de historias corales difíciles que hacen reflexionar y sondan zonas profundas y universales. En este juego masacrador de buenos sentimientos, en esta mal disimulada malicia, pareciéra de encontrarnos frente a una gran película. Pero los vidrios más robustos poseen también el propio punto débil y a penalizar ulteriormente el prometedor inicio se registra un decaimento del clima tenso y del ambiente oscuro que habían enmarcado admirablemente los acontecimientos de los personajes; caída que se siente en el último cuarto de hora durante el cual se cambia tonalidad girando inesperadamente sobre matices más cálidos y complacientes similares a aquellos del final feliz de la "fiction" más convencional. Una verdadera pena...

En dos palabras : Susanne Bier realiza una compleja reflexión sobre la violencia y sobre las presunciones de un occidente lleno de problemas y contradicciones. El resultato es elegante y poderoso, pero sufre pequeños desvanecimientos en la historia.

Valoración : 6/10


diciembre 15, 2010

Las 50 Mejores Canciones de la Década "00" VII.



20. Losing Myself - Colder (2005)



19. Half Of You - Cat Power (2002)



18. The Libertine - Patrick Wolf (2005)



17. Jesus, Etc. - Wilco (2002)



16. Solar System - The Microphones (2003)


diciembre 09, 2010

Película del día...

Let Me In - Matt Reeves , 2010

4 motivos para ver esta película :

-...Por que a dos años de "Cloverfied", Matt Reeves se confirma un director excepcional, del talento indiscutible. Transportando la historia de la glacial e inquietante Suecia al New Mexico, el joven director ha conseguido replicar los ambientes de la película de Alfredson, en una America reaganiana que descubre el Imperio del mal, materializandose al pequeño Owen, bajo la apariencia de una nueva y misteriosa vecina de casa…No es una simple película sobre vampiros, sino más bien un título que recorre las dificultades que cada adolescente tiene que superar en un preciso momento de la propia vida, aquello de la tan difícil adolescencia."Let Me In" es una impresionanate historia de amor, que no conoce edad o límites de "género", entre dos personas tan similiares y tan diferentes a la vez, inolvidables en la transposición cinematográfica sueca y simplemente extraordinarios en esta versión americana.

-...Por que es normal hacer comparaciones con el trabajo de Reeves en "Let Me In2 y el trabajo de Tomas Alfredson en "Let the Right One In2. Ambos estan basados en el fantástico libro de John Ajvide Lindqvist "Låt den rätte komma in", las dos películas escogen la misma realización de las escenas para contar la evolución de la relación entre estos dos difíciles personajes. Mientras que la película sueca elige, edulcorando la historia original de toda la violencia más explícita, de apostar sobre la poésia de la relación y analizando también en manera introspectiva una condición animal como el vampirismo, el trabajo de Reeves se asesta sobre los ritmos y las ambientaciones mucho más americanas. Homicidios, ataques, exagerados derramamientos de sangre se extienden sin miedo ante los ojos del espectador y Abby que se transforma, ya sea fisicamente que intimamente, en continuación, pasando del plan niña a aquél de vampiro en un abrir y cerrar de ojos. Y por lo tanto, todo se convierte visivamente más explícito, más sensacionalista. Es esencial en el proceso de comparación entre los dos trabajos, recordar que "Let Me In" fundamentalmente no es el remake de "Let the Right One In". Reeves de hecho, ha comenzado a trabajar en la película cuando la cinta sueca se encontraba aún en post-producción. La comparación por consiguiente, debería ser trasladada entre la obra literaria y aquella cinematográfica.

-...Por que la completa máquina, visiva, acústica y de realización no hubiera podido ser los misma sin dos actores convincentes capaces de interpretar los dos pilares de la historia. Owen y Abby son dos personajes extremadamente complejos pero aparentemente bastante simples. Niños con un pasado lleno de emociones y problemáticas que inevitablemente emergen sobre sus jóvenes rostros. Cualquier mirada descuidada, movimiento más ligero, risotada más aguda hubiera hecho su existencia en pantalla exagerada, poco exacta y no creíble. Chloë "fantástica" Moretz y Kodi Smith-McPhee, a pesar de su joven edad, regalan en cambio un interpretación magistral de sus respectivos personajes. Atormentados interiormente y sin embargo, constantemente inocentes, los dos pequeños actores conquistan al espectador y llenan la escena con tan sólo su presencia. No existe un solo momento en el cual sus emociones, sus necesidades, sus miedos o sus reacciones parecen inexplicables, exageradas o injustificadas y el afecto hacia ellos aumenta gradualmente con el fortalecimiento de la relación de amistad, hasta transformarse en mutua dependencia. Es también mérito de un cast en estado de gracia entre jóvenes talentos y famosos interpretes como Richard Jenkins (grandísimo) y Elias Koteas perfectos en hacer aumentar el termómetro de la tensión.

-...Por que "Let Me In" es una película inquietante, anestesiante, arrollodora. Una construcción cinematográfica técnicamente funcional. Reeves demuestra una vez más de saber jugar bastante bien con las ansias del género humano, escondiendo y mostrando a ritmos alternos violencia e intimidad, en una suseción de imágenes que encanta desde el primer momento. Los ambientes son aislados y tranquilos, de un lugar que, no obstante sea bien colocado en el tiempo y en el espacio, tranquilamente podría no haber existido. Para los espectadores y obviamente para la historia es importante sólo che aquél patio se encuentre allí, en ese preciso momento y sea escenario del nacimiento de esta maravillosa amistad-dependencia entre Owen y Abby. Por lo general todo resulta impactante, gracias también a la ayuda de una banda sonora, capaz de conturbar y angustiar al espectador incluso a ojos cerrados , como lo hacía (y lo sigue haciendo) el inolvidable score de "The Exorcist"... Las composiciones originales de Michael Giacchino, enfocan perfectamente el tono emotivo de la película y se mezclan sin cambios a las canciones escogidas para recordar las ambientaciones años ochenta de la storia. "Let me in”, como su predecesora, va más allá de las fronteras de las películas de género para contarnos una historia tierna y espantosa al mismo tiempo, aterradora y fascinante, que sacude y turba con una fuerza expresiva inusual... Una adaptación capaz de “brillar con luz propia”.

Valoración : 7.5 / 10


En dos palabras : "Let me In" va visionada y juzgada como una película basada en la novela "Låt den rätte komma in" de John Lindqvist y no como remake de la homónima película sueca. En este sentido nos encontramos frente a una película apassionante, intensa y bien confeccionada bajo todos los aspectos cinematográficos. Inquieta y encanta con un mix discreto de violencia, acción y poésia, narrando las dificultades en el crecer y en el encontrar a alguien con el cual sentirse a gusto a través de la funcional metáfora del vampirismo.

diciembre 04, 2010

Película del día...

The Kids Are All Right - Lisa Cholodenko, 2010

4 motivos para ver esta película :

-...Por que es más que una simple obra militante sobre la temática del matrimonio gay, la divertida "The Kids Are All Right", en realidad se introduce en el consolidado surco de la comedia familiar americana, propensa a confirmar la importancia del núcleo familiar (cualquiera que sea su composición) como base de la sociedad. Y, si existe un valor de atribuir a la película de Lisa Cholodenko, es preciamente aquella forma de describir la familia de Jules (Julianne Moore) y Nic (Annette Benning) absolutamente ordinaria, como aquella de cualquier otra pareja heterosexual. Su trabajo, convence y conquista, gracias a una mirada (la suya), que no se detiene tan sólo a la representación de aquello que no pueda ir bien incluso dentro de una famiglia gay, convocada a veces a tener que afrontar y superar momentos de dificultad bastante conocidos noti en un ámbito heterosexual. Por lo tanto, no nos encontramos frente a una representación del mundo GLBT, más bien a una imagine del mundo, hecho de amor, relaciones y conflictos, Conceptualmente, se presenta una idea de la pareja lesbiana madura, con las peculiaridades de tantas analogías de las parejas heterosexuales, y al mismo tiempo confirmando la propia, única especificidad que sin embargo, significa simplemente amor familiar.

-... Por el guión, firmado por Lisa Cholodenko y Stuart Blumberg, que se apoya sobre diálogos brillantes y vivaces para delinear las relaciones entre los personajes y para crear secuencias y intercambios de juego de palabras del efecto cómico (hilarante la gag sobre el video pornográfico encontrado por Laser en la habitación de sus madres) y especialmente capaces siempre de regalar el enfoque justo a los pensamientos y a los subtextos que se desean mostrar. En la misma trayectoria se mueve una dirección capaz de acercar y alejar los cuerpos, encerrar, cortar o dar espacio a los maravillosos rostros de sus personajes, según el significado que se desea exponer (espléndida la secuencia de Annette Bening en la mesa después del descubrimiento de los cabellos encontrados en la ducha). Nada es dejado al azar, desde las inscripciones sobre las tazas de desayuno a las cadenas colgadas al cuello, pasando por la utilización de la banda sonora (que se interrumpe y  vuelve pocos minutos después cuando Joni (Mia Wasikowska) llega en su habitación del college) y a la fotografía (la radiante California se casa con la falsa brillantez del personaje masculino), haciendo de "The Kids Are All Right" una película sumamente agradable de visionar...

-...Por los personajes nítidos : una Mia Wasikowska deliciosa, sexualmente vacilante y ansiosa de despegarse una vez por todas del "nido materno", un Josh Hutcherson poco desarrollado a diferencia de los demás protagonistas, pero de todos modos convincente, un Mark Ruffalo inmaduro, que consigue añadir a cada diálogo suyo una fuerza cómica sensacional, y sobre todo ellas, Julianne Moore y Annette Bening, extraordinarias madres lesbianas tan diferentes y tan enamoradas. Insegura la primera, "hombre de casa" la segunda, una pareja que en pantalla emíte chispas de habilidad interpretativa, regalando tantas emociones, tanto así de apostar a la doble nominación al Oscar en la misma categoría. Pero entre las dos es Annette Bening a deslumbrar mayormente (inolvidable la performance canora sobre la melodia de “All I want” de la grande Joni Mitchell), gracias a un personaje complejo, rudo e conmovedor a la vez...en pocas palabras perfecto!

-...Por que habrá quien objetará que "The Kids Are All Right" es sencillamente una comedia, y como tal debería ser juzgada. Desde el punto de vista de los mecanismos y de los ritmos del género, de hecho, la película es intachable: algunas gags son decididamente hilarantes y todo el cast dona una interpretación claramente brillante. La película sorprende por su inmediatez y por la ya citada esctitura penetrante que se mantiene constante durante todo el metraje de la película. Es ciertamente una obra mainstream, pero no por esto menos efectiva de otras películas americanas independientes (te vienen en mente "Thumsubcker" de Mike Mills o la bella "The Squid And The While" de Noah Baumbach, por ejemplo) donde son dispuestas, bajo la lente de agrandamiento, las relaciones entre padres e hijos y la necesidad de la emancipación adolescencial.La segunda obra de Lisa Cholodenko consigue con los ritmos de la comedia a decir y a dar tanto y esto sin lugar a dudas no es poco.

Valoración : 7.5 / 10


En dos palabras : Lisa Cholodenko escribe y dirige una comedia llena de giros narrativos, nunca vulgar o banal, al contrario bastante delicada e inteligente en el mostrar sin necesidad de moralizar o en el describir sin necesidad de "normalizar", y no por esto parecer polémicos con el mundo. Una película autoirónica, auténtica, divertida y amarga al mismo tiempo con un excelente cast destacando sobre los demás una impecable Annette Bening. Recomendable.

diciembre 02, 2010

Canción del día...


"So Far Away" - Carole King - Tapestry (1971)


So Far Way

So far away, doesn't anybody stay in one place anymore? It would be so fine to see your face at my door doesn't help to know you're just time away.
Long ago I reached for you and there you stood holding you again could only do me good how I wish I could, but you're so far away.
One more song about movin' along the highway can't say much of anything that's new if I could only work this life out my way I'd rather spend it bein' close to you.
But you're so far away, doesn't anybody stay in one place anymore? It would be so fine to see your face at my door doesn't help to know you're so far away
Travelin' around sure gets me down and lonely nothin' else to do but close my mind I sure hope the road don't come to own me Yet so many dreams I've yet to find.
But you're so far away, doesn't anybody stay in one place anymore? It would be so fine to see your face at my door and it doesn't help to know you're so far away
Oh, so far away, you're so far away...


Tan Lejos

Tan lejos, ¿es que ya nadie permanece en un lugar? Sería tan bueno verte aparecer por mi puerta no me ayuda saber que tan solo te has ido por un tiempo.
Hace mucho te busque y ahí estabas abrazarte de nuevo solo podría hacerme bien como me gustaría poder hacerlo, pero estás tan lejos.
Una canción más que habla acerca de ir por la carretera ya no me dice nada nuevo sí tan sólo pudiera ser que las cosas funcionaran a mi manera preferiría pasar mi vida cerca de ti.
Pero tu estás tan lejos, ¿es que ya nadie permanece en un lugar? Sería tan bueno verte aparecer por mi puerta No me ayuda saber que tan solo te has ido por un tiempo
Andando por ahí de seguro me hace sentir triste y sola No tengo nada más que hacer tan solo pensar en otra cosa espero que tampoco yo me tenga que ir porque tengo tantos sueños que quiero cumplir
Pero tu estás tan lejos, ¿es que ya nadie permanece en un lugar? Sería tan bueno verte aparecer por mi puerta no me ayuda saber que tan solo te has ido por un tiempo.
Oh, tan lejos, tú estas tan lejos....

noviembre 29, 2010

Película del día...

Scott Pilgrim vs. The World - Edgar Wright , 2010


4 motivos para ver esta película :

-... Por que "Scott Pilgrim vs. The World" representa decididamente una anomalía en el moderno panorama cinematográfico. Es un comic-movie sin duda alguna, pero, es también la enésima confirmación de los contornos descoloridos que caracterizan este género, dominada por los productos en serie de los studios de la Marvel, la película de Wright decide sensatamente de coger una camino propio, de exasperar los tonos de los cómics y de recorrer aquél camino poco transitado. Y por este punto de vista parece casi de poder individuar una especie de hilo rojo que ata esta película a "Kick-Ass" de Matthew Vaughn, ya sea en el estilo fresco, original e irreverente, como en la historia de base. El propósito es exorcizar el complejo del nerd perdedor que, refugiandose en sus fantasías (de cómics o videogames), logra vencer sus miedos y adquIere autoestima. ¿Una simple moral? quizás, pero lo que importa es la manera con la cual viene propagado el mensaje, y "Scott Pilgrim vs. The World"  con su girándula de música, combates, diálogos hilarantes y la carencia prácticamente total de tiempos muertos, lo consigue perfectamente.

-...Por que contener casi 1200 páginas de cómic en aproximadamente dos horas de película no es ciertamente una hazaña simple, pero aquí (por una vez) no se ha tratado simplemente de establecer un compromiso. Wright, junto a Michael Bacall y al mismo Bryan Lee O'Malley (autor del cómic), han pensado a una nueva lectura de la graphic novel, que, si bien manteniendo las caracteristicas fundamentales de la historia y de los personajes no se pierde entre las diferentes subtramas del cómic, al contrario, va de frente al corazón de los aconteciminetos. Ciertas partes de la historia han sido repropuestas ciegamente, mientras que otras han padecido una casi total rescritura, que no obstante las ha (posiblemente), mejorado. En particular la parte final, que en la película resulta más homogénea y, sobre todo, satisfactoria respecto a la contraparte dibujada, con una intuición particularmente inspirada che aumenta notablemente el alcanze.

-...Por las soluciones gráficas aplicadas a la imagen, con onomatopeyas y líneas cinéticas que parecen añadir una tercera dimensión a la película sin necesidad de gafas estereoscópicas, son en efecto perfectamente integradas en el corpus de la película, así como los diferentes efectos gráficos y sonoros, sacados de la más común práctica videolúdica. Estos continuos reenvíos "cross-media" fascinaran al espectador acostumbrado, que los encontrará, inevitablemente divertidos y en algunos casos : "geniales", por como son ingeniosamente introducidos en la imagen como en la historia misma, contribuyendo a sumergir al espectador en la película, tanto así de hacer progresar inevitablemente el camino de los personajes en sus eventos personales. Wright demuestra una vez más de saber elegir los interpretes más adecuados, no tan sólo los protagonistas son perfectos (Michael Cera y Mary Elizabeth Winstead), son sobre todo los comprimarios (Brandon Routh como un aturdido bajista vegetariano, Chris Evans en papel de un egocéntrico divo del action, Jason Schwartzman impersonificando un odioso empresario discográfico y Anna Kendrick como la "sensata" hermana de Scott) a brillar con luz propia. Pero lo más importante es que "Scott Pilgrim vs. The World" representa sin lugar a dudas una de las trasposiciones más eficaces del cine conteporáneo realizadas por un cierto tipo de imaginario de videogames (en particular el estilo retro de un par de décadas atrás).

-...Por que como en los anteriores trabajos del director, no es fácil imaginar la evolución de la historia, incluso para aquellos que han leído la graphic novel, por otra parte Wright es famoso por la mezcla de géneros y el acercamiento inconformista de la reunión entre comedia y acción, entre situaciones dramáticas e hilarantes. Además la atención reservada a las escenas de combate resulta casi inesperada : en el cómic los combates son focales pero, esencialmente, caricaturales, aquí a la exageración (visiva y activa) de las escenas de acción se incorpora una atención particular por las coreografías inusuales (algunos de los enfrentamientos son, de hecho, pequeños gozos para los ojos, por que son adrenalínicos, claros, “familiares” y en parte, inspirados o derivados) pero sin embargo, siempre originales y armónicos. Y a esta armonía contribuye también la excelente utilización della espléndida banda sonora, parte fundamental para algunas de las escenas y base de algunos retos "musicales", Un soundtrack realizado con gusto: a lado de las composiciones originales de Nigel Godrich (su primer trabajo solista después de las diferentes colaboraciones con Radiohead y otros grandes) se encuentran temas originales de todos los grupos que aparecen en la pelicula : Sex Bom-Omb, Crash and The Boys, Broken Social Scene, Metric... además de sucesos viejos y nuevos de Rolling Stones, T- Rex , Black Lips, Frank Black, Bluetones y muchos más. Dirección indispensable, protagonistas extravagantes, diálogos afilados y peinados inverosímiles, todo esto (y mucho más) es "Scott Pilgrim vs. The World", una exploxión de colores y citas videolúdicas que no pueden dejar absolutamente indiferente.

Valoración : 8 / 10


En dos palabras : Una cinta densa de acción, pero también de situaciones humorísticas incesantes: la prueba es el hecho que el primer combate llega después de media hora del inicio, sin darnos cuenta que ha pasado un cuarto de película. El humorismo es agudo, y al mismo tiempo burla y acaricia totos los nerds de aquella que podremos definir la “Scott-generation”: y lo hace con gusto, al interior de un film realizado con medios relativamente simples pero de rara efectividad. De todos modos, Edgar Wright demuestra que, a veces, también el ser "geek" puede ser considerado arte.

noviembre 24, 2010

Película del día...

Fair Game - Doug Liman , 2010

4 motivos para dejar de lado esta película :

...Por que después de un debut independiente de buen efecto con la tarantiniana "Go" y una prueba de músculos con la adrenalínica "The Bourne Identity", primer episodio de la fantástica saga con Matt Damon, Doug Liman parece querer demostrar (más a sí mismo que al públlico) de ser un director capaz de trabajar también sobre un tema más complejo y delicado respecto a las "bromas" de la pareja Pitt-Jolie de "Mr & Mrs. Smith". Liman en efecto afronta un tema de gran actualidad enmascarando el proyecto como sí fuera un thriller, obteniendo de esta manera un resultado que satisface poco el paladar de los apasionados de las spies-stories y sobre todo no consiguiendo ser lo bastante fuerte desde el punto de vista de la denuncia social que desearía lanzar.

...Por que aunque sí, nos encontramos frente una historia real (y sorprendente) que debería contribuir a fortalecer el mensaje que desearía manifestar, la película no funciona y sus principales defectos desafortunadamente son amarrados a su dimensión preponderantemente cinematográfica. El íncipit se alarga en una fluvial introducción de los personajes y del entorno en el cual estan sumergidos, mientras que en la segunda parte en la cual los protagonistas combaten solos contra el sistema no ofrece desenvolvimientos narrativos que consigan implicar al espectador. Aunque sí el mensaje es fuerte y límpido, esta claro que falta un elemento de participación por el cual uno se pueda identificar con la vida de los dos protagonistas, Doug Liman debería saber que el problema es que no todas las historias, por cuan significativas, pueden ser contadas como han sucedido verdaderamente.

...Por que Sean Penn y Naomi Watts sirven más a la película para tratar de atraer al público que por la necesidad de tener grandes actores en escena. “Fair Game” resulta de esta manera una película a medias, ambiciosa en los objetivos, pero deficitaria en la forma. Por eso, nos quedamos con dos pruebas discretas pero no excepcionales de las dos estrellas de Hollywood. Sean Penn, en realidad, no tiene tantas ocasiones de destacar, excepto que en un par de escenas que hacen entender como la posición di Wilson (su personaje) no es más que una banalísima actitud de un fanático de izquierda. Naomi Watts en cambio muestra correctamente la fuerza de esta mujer, pero esta vez lamentablemente no posee aquella chispa que podría permitir de ir más allá de un honesto buen trabajo y apasionar efectivamente al espectador.

...Por que en definitiva es una verdadera pena, porqué la secuencia inicial prometía bastante, sobre todo en términos de sorpresas y de elecciones poco convencionales. Pero desgraciadamente a la larga el efecto didascálico monopoliza casi todo, aunque para ser honesto, casi nunca se exagera con el énfasis. A pesar de un excelente montaje por mano de Christopher Tellefsen, los 107 minutos apróximadamente de visión no tardan a ser excesivamente verbosos, dejando al espectador técnicamente exhausto. Substancialmente, "Fair Game" es una película que no ofrece grandes motivos para transportar la gente al cine ... Sí se busca emoción y al mismo tiempo conocer las cosas que son capaces de hacer la CIA y los políticos para poder salvaguardar a sí mismos y sus propios intereses, a este punto es indudablemente mejor visionar el reciente y bellísimo movie-action "Green Zone” del siempre grande Paul Grengrass.

Valoración : 5 / 10


En dos palabras : "Fair Game" es una película que no logra mantener el ritmos de thriller, y que no posee ni siquiera la fuerza de acusación de una obra social que consiga remover las conciencias, en un flujo continuo de retórica de la desconfianza popular en contra de las instituciones. 107 minutos de visión (completamente construidos sobre diálogos y caracterizados por un corte más literario que cinematográfico), hacen sí que sea una película (involuntariamente) sólo para apasionados de política, aburriendo a todos los demás...

noviembre 21, 2010

Las 50 Mejores Canciones de la Década "00" VI.


25. Sovay - Andrew Bird (2005)



24. The Professor & La Fille Danse - Damien Rice (2004)



23. Consequence - The Notwist (2002)



22. Svo Hljótt - Sigur Rós (2005)



21. Knives Out - Radiohead (2001)

noviembre 16, 2010

Película del día...

The Social Network - David Fincher , 2010


4 motivos para ver esta película :

-...Por que "The Social Network" no es tan sólo una película sobre el fenómeno Facebook. De Facebook entre diez años no se recordará casi nadie , mientras en cambio de la película de David Fincher se continuará a hablar durante mucho tiempo. "The Social Network" nos habla principalmente de la America de hoy en día, de qué cosa ha quedado del sueño americano, de la esencia del capitalismo. Temas altisonantes afrontados a partir de la microscópica intuición (todo empieza con una "simple" venganza contra una ex novia) de una "frívola" conexión mass medial capaz de poner en contacto todos los estudiantes de la universidad de Harvard (y después millones de personas en todo el mundo). Fincher se hace cargo del peso de su (nuestra) sociedad, la afronta con decisión y valentía, sin temor, realizando una película sobre el nacimiento controvertido de aquella idea que se ha convertido en una realidad social, la transformación de nuestra manera de relacionarnos. Una simple idea nacida casi por casualidad que ha convertido Mark Zuckerberg en el más joven multimillonario del mundo, pero que no ha servido a cambiar aquella incapacidad de relacionarse con los demás y que permanecerá ante nuestros ojos cómo el "simpático" antihéroe nerd.

-...Por que a funcionar en "The Social Network" es la genial estructura, la serie de maniobras que sin un momento de respiro oprimen al espectador, que se ve arrastrado por el guión más brillante de los últimos años, (premio Oscar certificado y praticamente ya concedido), labor de Aaron Sorkin, un guión relleno con diálogos agudos, inteligentes, jamás banales, potentes e irónicos, capaces de poner sobre el plato de la balanza los diferentes puntos de vista de los protagonistas, sin tomar nunca realmente posición, interpretados por un cast sorprendente : Si Jesse Eisenberg es practicamente perfecto en el asumir el papel del genial, pero frustrado Mark Zuckerberg personaje ambiguo, oscuro, solitario, franco, cínico pero al mismo tiempo frágil, Andrew Garfield es simplemente extraordinario en el rol del amigo de toda una vida, Eduardo Saverin, conquistado y fascinado por la idea revolucionaria de Mark para después ser traicionado por su misma criatura (memorable su monólogo final, cuando descubre la traición del amigo y socio). A completar el ya notable cuadro un Justin Timberlake que cada vez se acerca más al mundo del cine, mejorando película tras película, y los "gemelos" Armie Hammer creíble(s) en su aristocrática potencia muscular y pseudo-intelectual.

-...Por la sorprendente madurez de la puesta en escena. Cada vez más autor, David Fincher, pasa con extrema naturalidad de un género a otro (sin lugar a dudas se trata de su película más madura junto a aquella llamada "Zodiac"), consiguiendo infundir vitalidad y sangre al guión bastante locuaz de Sorkin (que ha cogido inspiración del libro "The Accidental Billonaries" de Ben Mezrich) que se decide por una narración no cronológica, más bien elíptica, que anticipa algunos fragmentos de historia, andando después a excavar en el flashback las motivaciones que nos han conducido hasta allí. Por su parte David Fincher, para evitar de realizar un trabajo hábilmente estático, corta cada diálogo como si fueran de los cara a cara entre imputado y abogado en una sala del tribunal. Cada palabra es sopesada, cada frase es una carnada o un mordisco que la mirada o el tono de la voz poco a poco identificarán. El sonido, los movimientos de fondo, los primeros planos nunca demasiados cercanos a Zuckerberg de poder quizás entender si está mintendo o no. Como en una partida de poker, cada momento es justo o para evitar los obstáculos o para caer en los bluff. Cuando puede, Fincher acude a esos pequeños elementos que, aunque sean aparentemente alejados de la historia, consiguen transportar la mirada del espectator hacia lugares al aire libre. Aquí se encuentra la no fundamental, pero absolutamente extraordinaria escena de la carrera de canoas: único momento exterior verdadero que se respira en la película, y a su vez centrado en uno de los temas de la película : la competición... Fuera de contexto va mencionada la irónicamente maravillosa escena final, indudablemente uno de los mejores finales cinematográficos de los últimos tiempos.

-...Por las espléndia música de Trent Reznor, mente de los Nine Inch Nails, y Atticus Ross que han creado para el lungometraje de los sonidos casi apocalípticos, constantemente en tensión, vibrantes de una propia fuerza propulsora que se insinua en las escenas más significativas del proyecto absoluto. No existe un aspecto en "The Social Network" que se consiga criticar. La utilización magistral (precisamente) de la música, la fotografía, el montaje soberbio, la capacidad de relatar un fenómeno social sin ningún tipo de banalidad o quizás ofender (demasiado) los protagonistas reales del acontecimiento sin necesidad de hacer apologías o encomendarse a la trivalidad. Que Facebook está cambiando nuestras vidas, a partir de las generaciones bajo los cuarenta es indudable, y no servía una película para decirlo. Por suerte "The Social Network" se centra en otras cosas, utiliza la historia de una invención para contar de jóvenes colocados demasiado pronto sobre el escenario, grandes demasiado pronto en una época de alienación de la realidad en donde Facebook es tal vez el escaparate, el significante, no el significado. No tan sólo por méritos artísticos, esta película permanecerá sin luagr a dudas en la historia por aquella lucidez con la cual cuenta un pedazo fundamental de historia reciente en manera seria y profundizada. Y por esta razón, verla en el cine será una experiencia simplemente inolvidable.

Valoración : 10 / 10


En dos palabras : La obra maeastra de David Fincher, el mejor guión del año, y tal vez, la mejor película. "The Social Network" es la Hollywood que se atrave, que sabe contar historias, que tiene al espectador pegado a la butaca por 120 minutos logrando apasionar relatando el nacimiento del social network más famoso del mundo. Parecía imposible pero Fincher lo ha conseguido, proporcionando un metro de medida sobre el cual vendrán inevitablemente valoradas todas las futuras películas de género... Absolutamente recomendable.

noviembre 14, 2010

Disco Fundamental...

Pink Moon - Nick Drake (1972)


Género : Songwriter

Tracklist :

01. Pink Moon
02. Place To Be
03. Road
04. Which Will
05. Horn
06. Things Behind The Sun
07. Know
08. Parasite
09. Ride
10. Harvest Breed
11. From The Morning

El resultado extremo de una desolada desesperación frente a la vida. Es este el significado de "Pink Moon", tercer y último disco de aquél formidable genio llamado Nick Drake. Evocar las canciones de un artista que en cuyo catálogo se encuentran una de las más memorables páginas de cantautorado mundial (embellecidas por aquella implicante profundidad emocional y por aquella conmovedora intimidad sonora y  también lírica que han hecho de este fantástico disco un arquetipo incomparable), es igual como pasar un poco de sal sobre una herida aún abierta. Cualquier persona que tenga un determinado acercamiento con la música, tarde o temprano termina por enamorarse del desafortunado canta historias de Tanworth-in-Arden. Si pasas una noche insomne, o tratas de exorcizar los fantasmas que te impiden de dar un sentido a tu existencia, que mejor banda sonora de la sincera guitarra de Drake, de aquella voz tan profunda que parece brotar de las víceras del alma, capaz de transportarte en un "camino colorado e interminable" (como cita la última canción "From The Morning"), en donde la intensa consciencia de cada momento vivido se quiebra contra un mundo árido y despiadado.

"Pink Moon" es posiblemente el disco más puro que haya sido jamás realizado, una pureza casi divina. Los territorios que circunda no son absolutamente lugares humanos, son desiertos infinitos contenidos en el universo de Nick Drake, en su subconsciente. Es intimidad por excelencia, intimidad desnuda, casi animal por su naturaleza ingenua. "Pink Moon" es aquello que puede ser el canto de un ruiseños o el maullar de un gato, no posee conceptos o símbolos, su increíble fuerza se encuentra en su paso minimalista, simple, y sin ornamentos. Fue registrado en una habitación de un hotel, solamente pocos meses antes del dramático epílogo del songwriter de la voz tímida y aristocrática y publicado en febrero del '72 por la etiqueta discográfica Island de Joe Boyd. Nick Drake ha grabado la magistral guitarra, el piano y la voz sin ningún tipo de arreglos, el sonido completamente desprovisto de cualquier adorno musical. Escuchando cualquiera de sus canciones, te da la impresión como si él estuviera a pocos pasos de ti, presencia viva e intangible al mismo tiempo. La profundidad de los maravillosos textos, se elevan a niveles altísimos, como en cada canción que disfrutamos (a ojos cerrados y tendidos sobre la cama es lo ideal)...

Con sus treinta minutos escasos, "Pink Moon" es uno de los discos más intensos del folk acústico británico y, al mismo tiempo, uno de los mejores en la historia de los "cantautores". Tan breve y libre como denso de miles significados. Probad a escuchar este disco de noche, con los auricolares bien puestos, solos en la intimidad de vuestra casa… no habrá nada que podrá dividir vosotros de aquellas canciones, vosotros del hombre que las está cantando y tocando. La mágica "belleza" de estos 11 temas musicales, podría cambiar vuestra vida, como ha cambiado indudablemente la mía.

*3 Indiscutibles Joyas :








noviembre 11, 2010

Película del día...

Animal Kingdom - David Michôd , 2010

5 motivos para ver esta película :

-...Por que nos encontramos frente a una fantástica ópera prima sólida, poderosa que se apoya sobre robustos cimientos. A comenzar por un guión preciso y bastante difícil, que no acorta en absoluto detalles sobre la caracterización de los protagonistas y relata una historia amarga y cruel con un toque casi solemne, la película comienza como una especie de un viaje introspectivo dentro del dolor, un camino distorcionado de formación de un joven (que ha tenido una vida dura) que se encuentra en medio de un grupo de lobos, donde parece regir la ley de la manada. El clima que se respira en cada instante es opresivamente silencioso pero constante, que impide a quién tratase de entrar en este círculo cerrado de transportar un poco de luz, y el mismo, catártico pero para nada confortante final, es el emblema más nítido. En este viaje hacia el infierno del alma, no se salva nada ni nadie, y cualquier persona, le guste o no, es sujeta de culpas.

-...Por que Michôd, también guionista de la película (absolutamente "low budget"), diseña personajes de una nitidez sorprendente, ayudado por un cast diligente y que sobresale en algunos de sus miembros : iniciando por la abuela "smurf" interpretada por una extraordinaria Jacki Weaver, un personaje aparentemente dulce y cariñoso, con la voz celestial y con la sonrisa siempre impresa en el rostro, pero en realidad caracterizada por una mueca de perfidia absoluta, de ilegalidad y violencia, pasando por la maligna mirada de hielo de Pope personificado por un fantástico Ben Mendelshon, sin olvidar el sobrio detective Leckie del siempre óptimo Guy Pearce. Por último la performance del protagosita James Frencheville es preciosa y admirable gracias a su innata capacidad de hacerse entender y activar emocionalmente el público, sin la utilización de alguna expresion del rostro, ni siquiera una arruga en la frente... Sin lugar a dudas un repato de aplausos.

-...Por que la película es como si fuera un grande tablero de ajedrez, realizado principalmente por puntos de giro, por animales que no conocen límites, posicionandose de igual manera entre los criminales como entre los policías, sobre una sabana de asfalto en territorio australiano, donde el más mínimo error puede costarte la vida. La violencia aunque si no es excesivamente mostrada, se hace intensa y cruel sobre todo en la escena principal que dará un cambio narrativo a la película, sin caer jamás en una acción desatinada sino más bien en la clásica calma que precede la tempestad.

-...Por el asombroso debut cinematográfico de David Michôd que nos arrastra en una Melbourne nunca antes vista, irreconoscible, periférica, sucia, violenta y delincuencial, donde los vínculos familiares se quiebran ante la evolución de acontecimientos criminales crueles y feroces en su aparente frialdad. Michôd , que en algunos momentos nos hace pensar al mejor Scorsese de siempre, y ayudado por una banda sonora sintética que contribuye a aumentar la tensión, da en el blanco a la primera ocasión, realizando una obra que permanecerá en la memoria cinematográfica, gracias también a la ya mencionada serie de personajes sinceramente memorables. Por lo tanto es una óptima oportunidad de disfrutar de un trabajo inteligente y cuidadoso y de dejarse encantar por una historia que ilustra con tanta fuerza la cruda realidad que nos circunda y el determinismo por el cual el ser humano se encuentra muchas veces a elegir inexorablemente en el camino de la propria existencia.

-... Por que "Animal Kingdom" conquista por su crudeza, por su inusual violencia: la completa ausencia de tiroteos, persecuciones automobilísticas o otros clichés del género, montando un "crime-drama" que abre las propias puertas a más géneros, gracias a uno guión que no perdona los "beats" y a una dirección consciente, que sigue los personajes propios como una sombra, sin ir de prisa y tomandose todo el tiempo necesario, para poder construir animales de combate, verdaderos monstruos. Al igual que las leyes del reino animal, donde el más fuerte termina por dominar los más débiles hasta el nacimiento de un nuevo "leader", "Animal Kingdom" nos ofrece un manifiesto majestuoso y palpitante de como llevar el "crime movie" en este nuevo milenio.

Valoración : 9/10


En dos palabras : Una obra que, a través de los elementos fundamentales del crime movie, realiza una declaración emotiva de un núcleo resquebrejado bajo el domino de un mal que incomoda y percute, todos, sus componentes. Y que oprime, con una belleza sublime, incluso aquellos que asisten a la visión. Se puede afirmar, sin ningún tipo de problema, que "Animal Kingdom" es una ópera prima sorprendentemente madura y que difícilmente será olvidada. Desde luego será imposible quitarnos de la cabeza la figura trágicamente shakespeariana de la perversa e inquietante abuela "smurf", interpretada por una grande, grandísima Jacki Weaver. Absolutamente imperdible!.

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