enero 31, 2012

Los 30 Mejores Discos de 2011 II.


20. Gentle Spirit de Jonathan Wilson
Songwriter
 Best tracks :



19. Into The Murky Water de The Leisure Society
Folk-pop, Chamber-pop
 Best tracks :



18. Slower, Lower de David Simard
Songwriter, Folk-cabaret
Best tracks :



17. Helping Hands de Butcher Boy
Alt-pop, Folk
Best tracks :

-Bluebells


16. Songbox de Pete Astor
Chamber-pop, Songwriter
Best tracks :



15. Last Of The Country Gentlemen de Josh T. Pearson
Songwriter, Fingerpicking
Best tracks :



14. Dogs In Spirit de Anna Aaron
Alt-pop, Songwriter
Best tracks : 



13. Lights And Offerings de Mirrors
Synth-pop
Best tracks :



12. Mirrorwriting de Jamie Woon
Soul, Dubstep, R&B
Best tracks :



11. Lupercalia de Patrcik Wolf
Chamber-pop

Best tracks :



*Hacer click en las canciones para ver los respectivos videos.

enero 29, 2012

Los 30 Mejores Discos de 2011 I.


30. What Have We Learned de Morphosis
Techno
Best tracks :


29. Whitin And Whitout de Washed Out
Electro-pop, Dream-pop
 Best tracks :



28. Feel It Break de Austra
Electro-dark-pop
 Best tracks :



27. Days de Real Estate
Psych-pop, Surf-pop
 Best tracks :



26. Have You Seen Our New Fort? de Hezekiah Jones
Songwriter, Alt-folk
 Best tracks :



25. Gravity The Seducer de Ladytron
Synth-pop
 Best tracks :



24. Music Watching Over Me de Deniz Kurtel
Deep-house, Electro
Best tracks :



23. 21 de Adele
Blue-eyed-soul, Pop
 Best tracks :



22. Palace - Chapel Club
Rock
 Best tracks :



21. Making Mirrors de Gotye
Art-pop-rock
Best tracks :



*Hacer click en las canciones para visionar los respectivos videos.

enero 26, 2012

Película del día...

Weekend - Andrew High , 2011

¿Cuando una historia de amor se puede definir como tal? ¿Cuál es el paso que marca la diferencia entre sexo y amor? ¿Puede el encuentro fatídico entre dos personas durante pocas horas definirse amor?. La respuesta parece ser afirmativa, o por lo menos esto parece decirnos "Weekend", una nueva pequeña joya, que después de "Tyrannosaur" ofrece otra película interesante proveniente del panorama cinematográfico británico. Un fin de semana juntos es lo que transcurren Russell y Glen, dos gays treintañeros londinenses que se encuentran en un club gay como tantos otros, un viernes como tantos otros, buscando, al igual que tantas otras idénticas veces, calor y compañía. Sin embargo, este encuentro parece ser diferente para ambos, similares y a las antípodas, al mismo tiempo, ya sea con modalidades opuestas, en la búsqueda de un propio lugar en el mundo y del significado de dar a la propia vida.

Russell mira al mundo desde la ventana de su casa en el catorceavo piso, se refugia en ese rincón, realizando acciones lentas y cotidianas: un baño relajante, un cigarrillo en el sillón, sus confesiones en el PC. Glen es temerario, bello, inquieto, de él no vemos el lugar donde trabaja, ni la casa, ni las acciones que realiza cuando se encuentra solo, parece no necesitar de nada ni de nadie. Russell, huérfano y romántico, ha tenido que construir un mundo de cosas, para sentirse seguro, Glen es un animal desilusionado y herido, que depende de sí mismo para poder sumergirse totalmente en los lugares y en las cosas, ostentando encanto y seguridad. Y al final de ese fin de semana, hecho de sexo, confesiones, drogas, alcohol, acercamientos, no habrá un futuro para ellos, por que una inminente separación los dividirá para siempre. ¿Cuál es el punto, entonces, de ese fin de semana?...

Atrás quedaron los días de "Torch Song Trilogy", de "Maurice" o de "Milk", por nombrar sólo algunas de las películas más famosas del panorama cinematográfico homosexual, e incluso, en tiempo más recientes, aquellos de "Brotherhood", que triunfó hace sólo tres años en el Festival Internazionale del Film di Roma con la historia de amor entre dos naziskins. Aquí la homosexualidad se da por hecho, no hay ninguna crisis de identidad y dificultad de aceptación, los gays han dejado la plaza, las marchas y reivindicaciones, para dedicarse - como Glen dice en una frase de la película - "a perder el tiempo en Grindr (aplicación web de citas gay on line) y depilarse el culo", porque ahora, aquella de los derechos (suena extraño decirlo en Italia) es una conquista ya lograda.

Andrew Haigh, en su segunda prueba cinematográfica, desplaza la lente de la cámara de la calle al interior de un apartamento, realizando no una película social o política sobre la homosexualidad, sino íntima. Russell y Glenn han salido del armadio, y la pregunta que el director parece preguntarse es otra: una vez atravesado el muro de la revelación, ¿cuál es el siguiente paso? ¿Cuál es la actitud de adoptar hacia el mundo hétero, que sigue siendo un mundo diferente?. Russell se acerca con condescendencia, como si quisiera demostrar que, a pesar de su homosexualidad, es digno de respeto; Glen, por el contrario, se acerca desafiandolo, exhibiendo, arrogando el mismo derecho de contar sus propias experiencias en el modo virulento de tantos hombres heterosexuales. Y, por último, ¿Qué se debe buscar? ¿Una relación estable? ¿Y cuál es el riesgo? ¿El de sentirse, una vez más, legitimado por el mundo oficial?. A Russell, Glen enseña a ser sí mismo, sin necesidad de justificarse a los ojos del mundo. A Glen, Russell enseña en cambio, a no tener miedo de buscar y vivir ese amor completo, que no se trata de una entrega al establishment, sino de la única cosa que consiga definir el significado y el propio lugar en el mundo.

Al mismo tiempo delicada, erótica e intensamente romántica, "Weekend" tiene el mérito de ser capaz de implicar profundamente al espectador en la historia de Russell y Glen, sin resbalar en los clichés, pero logrando, al contrario, de hacer de este "breve encuentro" algo mucho más vívido y real, con una atención por el realismo de los detalles y de los pequeños gestos que raramente puede ser visto en una película. A este resultado contribuyen de forma determinante las interpretaciones de los dos jóvenes protagonistas, Chris New y el extraordinario Tim Cullen, ambos debutantes y perfectamente entregados a sus personajes. Russell y Glen son inaceptablemente verdaderos y el hecho de que sean dos hombres a haberse encontrado y después enamorado en la película de Haigh no tiene ningún peso, podrían haber sido dos mujeres o dos héteros, poco habría cambiado o eliminado a la historia, que es una celebración a nuestra común e innata diversidad, que a menudo tratamos de sofocar para adecuarnos a un estándar que, afortunadamente, no existe.

Andrew Haigh adopta un estilo minimalista muy acorde con la realidad: una elección que se refleja en la extraordinaria espontaneidad de los diálogos y en una puesta en escena construida enteramente en torno a los dos protagonistas, enfocados casi siempre en primer plano y con la cámara al hombro. A Haigh le interesa, en particular, capturar los matices psicológicos de sus personajes, poniendo en comparación sus respectivas visiones de la vida y del amor y dejando emerger de vez en cuando, los impulsos y los sentimientos que se encuentran justo debajo de la superficie. El resultado es un retrato de dos personas que están buscando (fatigosamente) de construir su propia identidad, en un camino de aceptación hecho también de miedos e inseguridades, y sobre todo de aquel sentimiento de marginación del cual Russell, como homosexual, se siente a menudo afligido.

Y regresa una vez más, prepotente, la misma duda. ¿Un encuentro fugaz puede darse el lujo de definirse amor?. Tal vez podamos ir a buscar la respuesta en las palabras que una encantadora Julie Delphy regala a Ethan Hawke, en la espléndida "Before Sunrise" de hace algunos años atrás, que describía como en "Weekend" el encuentro de dos almas que se posan una sobre otra por pocas horas, sin la posibilidad de algún futuro: "Sabes, si de verdad existe alguna clase de Dios, no debe estar en ninguno de nosotros, ni en tí, ni en mi, pero quizás en un pequeño espacio intermedio. Si existe alguna magia en este mundo debe de estar en el intento de comprender a álguien al compartir algo... Lo sé, es casi imposible lograrlo, pero... ¿Qué importa eso?, en el intento debe de estar la respuesta."...
Fueron Celine y Jessie, en Viena, hace unos años; son Russell y Glen, en Lodres, hoy en día.

Valoración : 8.5/10


En dos palabras : Segundo largometraje del director y guionista inglés Andrew Haigh, "Weekend" es una pequeña producción independiente que cuenta, con tonos suaves e íntimos, la historia de amor entre dos chicos que se conocen por casualidad. El poder de esta película radica en su simplicidad y en lo "no dicho" de la relación entre Russell y Glen: las personas son personas, se nos muestra esto, y dos personas que se aman es algo maravilloso. Sin lugar a dudas una de las mejores sorpresas del año pasado, y en donde cada uno (sin distinción de sexo) puede encontrar un poco de sí mismo. Obra bellísima.

enero 24, 2012

Película del día...

Senna - Asif Kapadia , 2010

Ayrton Senna falleció el 01 de mayo de 1994, a treinta y cuatro años, a causa de un accidente que tuvo lugar en el Autódromo Enzo e Dino Ferrari de Imola durante el Gran Premio de San Marino, pocas horas después de haber contribuido a la idea de volver a instaurar la GPDA (Grand Prix Driver's Association), asociación de pilotos de la Fórmula Uno, ya activa en los años sesenta y setenta, con el objetivo principal de proteger la seguridad de los corredores en la pista. La asociación se activará poco después y la del campeón brasileño será la última muerte durante una carrera en F1.

Tres veces ganador del título mundial, verdadero "ídolo de las multitudes", personaje siempre al centro de las crónicas deportivas como aquellas de gossip, Ayrton Senna ha encarnado perfectamente la idea del deportista que ama "vivir al máximo", pero sin ese (hasta cierto punto) gusto por los excesos que a menudo caracteriza la existencia de ciertas personalidades en el mundo del deporte. Con sus buenos modales, carácter pacato y aquella inconfundible voz tranquila, conquista fácilmente las simpatías de todos, especialmente la de sus compatriotas, que veían en sus triunfos también una oportunidad de redención para todo el Brasil, país que en esa época conocía pocas satisfacciones.

"Senna", presentado (y premiado) al Sundance Film Festival 2011, representa el debut en este campo de Asif Kapadia, director británico de origen hindú, autor de la apreciada "The Warrior "(de no confundir con la película sobre la MMA protagonizada por Tom Hardy y Nick Nolte), y de la poca considerada “Far North” (con una espléndida Michelle Yeoh). Estudiando y seleccionando, se dice, quincemil horas de material, Kapadia ha ensamblado entrevistas, servicios televisivos, rodajes de las competiciones y escenas de vida privada, para poder reconstruir la brillante carrera del piloto desde su debut en la Fórmula 1 en 1984 hasta la tristemente famosa curva Tamburello, donde terminarían sus competiciones y su vida. Diez años de retos y victorias, reconstruidas, también, con los comentarios de aquellas personas (colegas, técnicos, periodistas) que vivieron de cerca aquellos años. De estos maravillosos diez años faltan algunos aspectos controvertidos (ninguna referencia a Eddie Irvine, ni al noviasgo con la joven de quince años de edad), tal elección facilita la empatía hacia el piloto, pero esto no depende sólo de la presunta hagiografía que algunas personas han visto en la película, sino más bien por la habilidad que Kapadia ha tenido en el describir Senna como un personaje interesante que ha vivído el automovilismo con pasión, y cuyo mayor reto no se encontraba en el famoso circuito, sino contra el establishment, como cuando criticó abiertamente a los directivos por la introducción de la nueva generación de vehículos con tecnología avanzada a bordo.

A la luz de esta polémica, incluso la rivalidad con Alain Prost, co-piloto de Senna en la McLaren, asume un significado particular en la película, visto que el dueño de la FIA, Jean-Marie Balestre era partidario decididamente del piloto francés (del cual, como era previsible, emerge un retrato no precisamente entusiasmante). Aunque sí quizás es demasiado simple resolver todo afirmando que Senna es el héroe de la historia y Balestre (desaparecido en 2008), el malo, los mejores momentos del documental son aquellos en donde sale la naturaleza rebelde de Ayrton, junto con aquello en donde emerge su lado más sensible, como por ejemplo su reacción a la muerte de Roland Ratzenberger, el coetáneo piloto austriaco, que falleció en Imola durante las pruebas de clasificación para el Gran Premio de San Marino, y donde Senna encontraría la muerte al día siguiente (entre otras cosas, había decidido que, si vencía, habría ondeado la bandera de Austria en memoria del colega fallecido).

 El resultado más bello de "Senna" es el de ser capaz de hacernos entender la clase de piloto que era, y esto gracias a la generosa labor de los editores Chris King y Greger Sall que reconstruyen las competiciones con un ritmo y una energía que no dejaría descontentos a los aficionados de "Fast & Furious". La Academy Award no ha aceptado "Senna", entre los finalistas para la categoría de Mejor Documental (una decisión que podría parecer increíble, si no se supiera que estas personas son las mismas que hace unos años dieron un tratamiento similar a "Grizzly Man" de Werner Herzog), pero, fortunadamente, habiendo sido distribuida regularmente en America, puede competir en otras categorías, entonces, sería estupendo si el trabajo de estos dos genios se tuviera en cuenta en la categoría de mejor montaje. "Senna" en Italia no ha tenido una buena distribución (una semana en cartelera), pero es sin lugar a dudas una película a reivindicar, incluso por aquellas personas que nunca han estado interesadas ​​en la Fórmula 1.

Valoración : 9/10


En dos palabras : Nunca es fácil realizar un óptimo documental, incluso cuando el material disponible es sumamente interesante : sin embargo Asif Kapadia realiza un trabajo extraordinario, seleccionando cuidadosamente el material más atractivo para proponer, ya sea a los aficionados que a los neófitos, la figura de una campeón sobre el cual hay mucho que contar. La película está perfectamente equilibrada en todos sus aspectos, y sobre todo es capaz de entusiasmar incluso a los que no sienten interes por los deportes, en virtud de la extraordinariedad de los acontecimientos y del marcado acento sobre las figuras humanas al interior de los habitáculos.

enero 20, 2012

Tres pequeñas reseñas...

Take Shelter - Jeff Nichols - 2011     

Curtis LaForche es un padre de familia que trabaja en una empresa de construcción, paga las cuotas de una hipoteca que le ha permitido hacer suya una bonita casa, adora a su esposa que para hacer cuadrar las cuentas realiza trabajitos de costura para los vecinos. La pareja tiene una hija de pocos años, sordomuda, que aman y que pretenden someter a una operación para resolver al menos parte del problema que la aflige desde el nacimiento. La vida tranquila de provincia, entre los campos y los inmensos cielos, es sacudida por las pesadillas cada vez más frecuentes del protagonista, que le hacen ver cosas horribles y los efectos destructivos de una devastadora furia de los elementos, mucho más fuerte de los tornados que cada año se abaten en la zona. Temeroso de volverse loco, (la madre sufre de esquizofrenia) Curtis solicita consultas médicas a escondidas de su bella esposa, pero cuando se convence de que su pesadilla es una premonición de una catástrofe inminente y comienza a ampliar su bunker a prueba de huracanes, su esposa comenzará a preocuparse seriamente...

Presentada al Sundance Film Festival 2011, y ganadora al Festival de Cannes 2011 del Grand Prix de la semaine internationale de la critique (además del Premio SACD) "Take Shelter" (que significa "refugiarse", para ser preciso) es la segunda película del director y guionista Jeff Nichols, una película fascinante poderosa e inquietante que, disminuyendo la acción en un contexto que parece arraigado en la actualidad (se habla de crisis económica y de inestabilidad en el mercado laboral, además de tocar el tema de la contaminación ambiental), sumerge al espectador entre la psicosis de un hombre común plenamente convencido de sus visiones premonitorias, pero al mismo tiempo consciente de su aparente estado de confusión, un hombre dividido entre el terror por una hipotética apocalipsis inminente y por la gravedad de su condición actual.

Respalada por la partitura musical ansiógena, pero nunca molesta de David Wingo y por los oportunos efectos visuales en CGI, "Take Shelter" tiene sus puntos fuertes en la excelente escritura y dirección de Jeff Nichols, destinadas a imprimir en toda la película una sensación de catástrofe inminente, y en la prueba convincente de todo el cast, con mención especial para los dos actores principales: el impresionante Michael Shannon, que domina la escena con su mirada entre el aturdido y el descabellado, regalandonos una interpretación atormentada y apasionante que devuelve perfectamente el conflicto interno de un individuo (desunido, angustiado, perdido) en la búsqueda desesperada de un nuevo equilibrio. A su lado, la bella y etérea Jessica Chastain (iluminante en la última obra maestra de Malick), con un personaje condenado al sufrimiento, verdadero elemento de ajuste en una familia al borde de la desintegración. Pero "Take Shelter" es también una película sobre el poder del amor y el vínculo de la sangre, aquello que une a los dos personajes principales y la niña problemática, conduciendolos siempre a ayudarse y protegerse a sí mismos, incluso cuando las duras pruebas podrían llevarte a elecciones diferentes, y a reunir todas las fuerzas contra todo pronóstico, hasta quedar solos: solos, pero unidos.

En dos palabras : Segunda película del estadounidense Jeff Nichols (que regresa a dirigir a Michael Shannon después de haberlo hecho en su debut "Shotgun Stories" de 2007) "Take Shelter" es una película sorprendente por intensidad y equilibrio; Se mueve a lo largo de la delgada línea que separa el cine independiente Hollywoodiano, entre la "parábola" intimista y la historia de género, en la observación de la naturaleza y su transfiguración. Absolutamente recomendable. 

Valoración : 8.5/10




Snowtown - Justin Kurzel , 2011

A finales de los noventa, Australia vivió uno de los momentos más oscuros de su historia, durante esos años, el serial killer John Bunting asesinó de manera atroz a once personas antes de ser encarcelado de por vida con todos sus cómplices, gracias a una investigación policial accidental, que nada tenía que ver con Bunting, pero que condujó a los agentes australianos al descubrimiento de algunos cadáveres de seres humanos en un depósito. "Snowtown" transpone en la pantalla grande esta historia a través de la perspectiva de una de las personas involucradas, Jamie, hijo adolescente de la nueva conquista del asesino. John Bunting entra en la vida de Jamie y de sus hermanos después de que estos han sido víctimas de abuso por parte de la pareja anterior de la madre, y se erige como protector de una familia postrada por el dolor. Una profunda hostilidad hacia los desviados - pedófilos - que comienza, sin embargo, a ser cada vez más alarmante, y poco a poco el poder manipulador de John hacia la nueva familia resulta evidente. Un poder que aplasta específicamente Jamie, que es involucrado, a su pesar, en los asesinatos y no encuentra la fuerza para rebelarse contra el terrible "padrastro".

El director Justin Kurzel elige un enfoque casi de documental, alejado totalmente del thriller policíaco, poniendo en escena (principalmente) la vida triste y monótona de una ciudad suburbana. Los lugares de "Snowtown" son los mismos en donde ocurrieron los hechos, y por lo tanto rodada con actores no profesionales, reclutados a nivel local (a excepción del excelente Daniel Henshall que da vida a Bunting) con el fin de hacer lo más veraz posible este recorrido que vuelve a atravesar el oscuro acontecimiento australiano. El ambiente - la sordidez de los parajes y la deriva moral que parece brotar del paisaje - es el de una anónima, pobre provincia australiana, Snowtown exactamente. Y en él, el mal siembra las semillas y germina. Toda la primera parte de la película acumula siniestras indicaciones que anuncian la llegada de algo terrible, que explota visualmente y metafóricamente en una secuencia de una crueldad sin precedentes, obligando al espectador, al igual que Jamie, a la observación de uno de los primeros asesinatos de Bunting, con tortura interminable incluída.

La película utiliza la historia de un asesino en serie para contar una parábola de hundimiento hacia el mal por parte de una persona, el joven protagonista, que asiste paralizado a las acciones de su "educador". Nunca ha sido demostrado el hecho de que Jamie realmente desaprobase aquello que sucedía a su alrededor: ha tenído sólo una reducción de la pena, porque testificó contra Bunting y sus cómplices. "Snowtown" se apropia de una historia real para realizar una película de ficción sobre la cual poder reflexionar, con mayor razón pensando en la identificación del espectador con el protagonista, del cual nos vemos obligados a compartir la mirada impotente (pero también ambigua: ¿quién hubiera tenido el valor de denunciar a Bunting?) sobre los terribles acontecimientos descritos.

En dos palabras : Lenta, torturante, angustiante, maligna pero capaz de absorber todo esto gracias a su estilo alienante, "Snowtown" se desliza en el aburrimiento de una vida sin salidas, te pone incómodo mucho antes de derramar una sola gota de sangre y te golpea como si fuera una piedra en sus explociones de violencia fuera de campo, el director Justin Kurzel arrastra al espectador en ese mundo. A traición, de sorpresa, estampandotelo en la cara de repente, sin dejarte salir. Impactante.

Valoración : 8/10



Another Earth - Mike Cahill , 2011

La temporada pasada les tocó a los planetas hacer de trait d'union a problemáticas del todo humanas y poco sobrenaturales. Ha terminado desde hace tiempo la época de los blockbusters catastróficos sobre asteroides y planetas descontrolados( basta observar "Arnageddon" o "Deep Impact"), el año pasado, después del maravilloso film apocalíptico de autor "Melancholia" de Von Trier, se estrenó también una nueva película en donde un cuerpo celeste termina por condicionar vidas y destinos de nuestra humanidad frágil y débil. Recibida con mucho entusiasmo al Sundance Film Festival, "Another Earth", merece una más que atenta visión por aquella reflexión conmovedora sobre la necesidad de redención que invade al ser humano. Utilizando la ciencia ficción de la forma más estilizada y humanista, Cahill ha realizado un melodrama capaz de tocar puntos ocultos y profundos.

Rodhe (Brit Marling) es una estudiante apenas admitida al curso de astro-física que, cautivada por el nuevo planeta gemelo de la Tierra que ha recientemente aparecido al lado de la esfera lunar, se distrae una noche al volante para admirarlo y termina por provocar un accidente automovilístico en donde pierden la vida la esposa embarazada y el hijo del compositor John Burroughs (William Mapother) que sobrevive milagrosamente después de meses en estado de coma. La joven por esto pasa cuatro años en detención y cuando sale de prisión, es ya una outcast que devorada por los remordimientos renuncia a sus estudios de astrofísica y elige de convertirse en limpiadora de una escuela. Un poco por casualidad, comienza a trabajar para John, desconiendo de la verdadera identidad de la protagonista, entre los dos nace una improbable como intensa historia de amor que parece traer de vuelta la vida y en donde el planeta misterioso es complementario al nuestro y se convertirá en algo más que un telón de fondo espectacular...

Una película de estilo independiente "pobre", que tiene por objeto un realismo puro según la puesta en escena sumamente esencial, pero muy bien cuidada, tiene el gran mérito en el esbozar con sinceridad la desorientación de las almas heridas de personas que los acontecimientos han relegado a los márgenes de la sociedad. Para poder acercarse al mundo de "Another Earth", por lo tanto, no se debe buscar la novedad, sino más bien la capacidad de introspección psicológica y la búsqueda de la poesía. Desde este punto de vista, las composiciones musicales intimistas del grupo neoyiorquino Fall On Your Sword ayudan tantísimo al proyecto. Una parte considerable del éxito de la película se debe también a la excelente prueba de la protagonista, la prácticamente desconocida Brit Marling: la compostura dolorosa de su interpretación permite de entrar en sintonía con su personaje, dibujado con pudor y profundidad. Una agradable sorpresa.

En dos palabras : Una historia de errores, arrepentimientos e imposibles redenciones, dolorosa e intensa, visualmente original y casi impresionista. Una de las películas de ciencia ficción más curiosas, fascinates y sorprendentes de los últimos tiempos. Al igual que en el repentin e irónico final: un golpe de genio que consigue arrastrar el misterio inquietante de la película, las preguntas sobre la identidad y sobre las segundas oportunidades, más allá de los créditos finales.

Valoración : 7.5/10


enero 18, 2012

Película del día...

Et maintenant, On Va Où? (Where Do We Go Now?) - Nadine Labaki , 2011

Hace cuatro años el éxito inesperado, con la espléndida "Caramel", y ahora la increíble confirmación. Por que Líbano nos ha oficialmente regalado una talentosa (y bellísima) realizadora, Nadine Labaki. Si el debut podría parecer una sorpresa irrepetible, la segunda película como directora no ha hecho más que confirmar su innegable calidad. Presentada el pasado mes de mayo en Cannes en la sección Un Certain Regard, y ganadora del Premio del Público al Festival de Cine de Toronto, "Et maintenant, on va où?" es probablemente una de las joyas de 2011, apenas concluido.

Escandalosamente olvidada en los Golden Globes como mejor película en lengua extranjera, pero candidata oficial de Líbano en los próximos premios de la Academia, la última obra de Nadine Labaki consigue magistralmente tratar un tema, desgraciadamente, actual como el integrismo religioso, haciendolo con sensibilidad, humor y ese tacto extraordinariamente femenino que caracteriza su cine. Moviendose libremente entre el musical y el drama, sin dejarse escpar brillantes toques de comedy, "Et maintenant, On Va Où?" abandona el Beirut de "Caramel" para detenerse de todos modos en un Líbano bombardeado por divisiones humanas, sociales y religiosas, con musulmanes y católicos perennemente en pie de guerra. Permanecida en su país natal, y una vez más atada a su amada lengua árabe, Nadine Labaki no sólo dirige sino interpreta, una vez más, la protagonista principal de esta aunténtica fábula moderna, tan surrealista como sublime, capaz de emocionar, conmover y hacer reír, como hacía tiempo no se veía en el cine, gracias a un guión que es una concentración de ideas, unidas entre ellas por una única férrea voluntad. Es decir desenmascarar el odio, ya sea religioso, racial, sexual, o incluso sólo generacional, a través de la fraternidad y la igualdad.

Érase una vez, en una remota aldea rocosa y polvorienta en Beirut, una comunidad aparentemente feliz, unida, aunque si visiblemente pobre y fuera del mundo. En el Líbano, dividido por la religión, en este rincón de universo olvidado por Dios, musulmanes y cristianos conviven juntos, hasta que el eco tecnologíco de una televisión jamás vista antes, anuncia el comienzo de una nueva "guerra" de religión. Aterrorizadas por la idea de tener que volver a enterrar a sus seres queridos, las mujeres de la comunidad hacen todo lo posible por contener el ardor de sus maridos, tratando de distraerlos de cualquier forma posible e imaginable de la terrible amenaza. Por que la tensión interreligiosa es cada vez más fuerte y preocupante, tanto así de hacer desenterrar aquellas armas que durante mucho tiempo han permanecido en silencio...

Una película coral, casi en su totalidad interpretada por actores no profesionales, una historia de amor imposible, un casi musical a momentos hilarante y en otras ocasiones extremadamente conmovedora, una película con una dirección elegante y fascinante, valiente y penetrante, polvorienta y brillante, sostenida por un guión que es un ejemplo extraordinario de cómo se puede tratar asuntos delicados con ligereza y seriedad, sobriedad y sabiduría. Manteniendo la mirada sobre el propio mundo, sobre el mundo femenino, compuesto por valientes mujeres, madres, abuelas, esposas y hermanas, Nadine Labaki retrata los rasgos de una sociedad llegada a un paso de la implosión. No es una película sobre la guerra, sino más bien una película sobre cómo evitar que estalle las misma, con figuras femeninas, como Amal, Yvonne, Takla, Afaf y Saydeh , obligadas a detener el odio y la intolerancia de sus maridos, hijos, padres y tíos, cegados por el integrismo religioso que de hace años enciende el Medio Oriente.

Recorriendo con extraordinaria maestría diversos géneros, la realizadora libanesa confecciona una película increíblemente madura, hecha de lágrimas y de risas, de hombres y mujeres innegablemente imperfectos, y a un paso de ese abismo que se llama guerra. Para evitar un nuevo baño de sangre, los protagonistas de la película tendrán que empezar a hacer frente a la realidad, al vecino, al amigo de siempre, yendo más allá de los velos, cruces, alfombras, imanes y sacerdotes, con el fin de captar la esencia misma de la religión, hecha de igualdad y fraternidad, paz y amor, aquí muy bien representada, gracias a una película que es una manifestación de sorpresas, una explosión de emociones, especialmente digna de atención y sobre todo consideración.

 Valoración : 8/10


En dos palabras : Cuatro años después de habernos llevado de la mano al colorado salón de belleza de "Caramel", Nadine Labaki nos arroja en los páramos sangrientos, desolados y acalorados de "Et maintenant, On Va Où?" centrando nuevamente el objetivo. La realizadora libanesa confirma con su segunda obra la sustancial capacidad de detenerse sobre las sombras de la vida a través del color que se desprende de la misma, de hacer frente a los sufrimientos exorcizandolos a través de la creatividad de nuevas "combinaciones" capaces de abrir nuevas puertas y nuevas puntos de vista de la realidad, de lo contrario condenados a un resultado trágico. Espléndida.

enero 15, 2012

Película del día...

Shame - Steve McQueen , 2011

Brandon Sullivan (Fassbender) es bello, exitoso, inteligente, vive en New York. Una vida que, desde fuera, parece perfecta. Brandon tiene un problema que se esta haciendo cada vez más insistente: es adicto al sexo. Incapaz de concebir una relación que no sea, en efecto, sexual y que no sea consumida desde el primer minuto y terminada un minuto después. Su hermana Sissy (Mulligan) es todo lo contrario. Busca la estabilidad y una relación, en todas partes, y no consigue entender quien se aprovecha de ella y quien en cambio realmente la ama. Un día, busca refugio en la casa de Brandon, para estar con él, para sentirse de nuevo familia. El estar juntos llevará a ambos hacia el camino de la catarsis.

Gracias a "Hunger", ganadora de la prestigiosa Camera d’Or al Festival de Cannes 2008, Steve McQueen entró en el Olimpo de los directores de tener absolutamente en consideración. Porqué "Hunger" es una de esas películas que te hacen cambiar de opinión sobre la capacidad del cine de encontrar estilos potentes y originales y principalmente miradas inéditas. No sólo la mirada de McQueen/director también la de Michael Fassbender, actor soberbio lanzado a la fama definitivamente gracias a esta película. Por todo esto "Shame" era particularmente esperada. El mismo director y el mismo actor de uno los debut más apasionantes e impactantes de los últimos años, de nuevo juntos. Y una vez más, con un argumento para nada fácil y al límite de la provocación, pero del cual se podía escoger, inmediatamente, algunos aspectos: un amplio margen de trabajo sobre los personajes, con ese estilo que McQueen ya había mostrado, precisamente, en "Hunger" (sí, pensamos sobre todo a esa antológica escena entre Michael Fassbender/Bobby Sands y Liam Cunningham/ Padre Dominic Moran de unos quince minutos, cuando la aparente simplicidad es realmente una compleja estructura cinematográfica).

"Hunger", hambre. "Shame", vergüenza (ambas películas hablan de aislamiento y reclusión, una física, la otra del alma). No necesita decir más en sus títulos Steve McQueen para abrir un mundo. El vínculo existe, y es el mismo director a donarle una lectura especular: como cuando un recluso utilizaba su cuerpo como un medio político para obtener libertad, aquí encontramos a un hombre completamente libre, en teoría, pero en realidad atrapado en una jaula. Brandon vive de la mano con el sexo todo el día. Se trata de una obsesión al límite de lo patológico, de un instinto incontrolable que debe ser satisfecho. Y en la "ciudad que nunca duerme", llena de ojos que observan, Brandon vive con el temor de ser descubierto y de ser juzgado por lo que es. Una pesadilla que se hace aún más fuerte desde el momento en el que Sissy, se traslada a su casa, porque ahora vivirá con él entre esas cuatros paredes, y que conducirá su obsesión hacia un abismo cada vez más profundo. Contada de esta manera, la historia de "Shame" puede dejar una ventana abierta a la idea de que se trate de una película moralista. Después de todo, el sexo es visto como un acto vergonzoso: el problema es entender por "quien". Las opciones son dos: es visto como vergonzoso por Brandon, o es visto como vergonzoso por la sociedad. Por consiguiente por nosostros mismos - hay una escena en particular que es sumamente interesante, aquella donde el jefe y amigo del protagonista descubre que en el pc de Brandon hay material pornográfico, pero piensa que ha sido descargado por terceras personas, repugnantes erotómanos dice el jefe : y al escuchar aquellas palabras Brandon voltea la cara, herido.

Eliminadas todas las dudas sobre la "moralidad", se borra tanbién la posibilidad de que "Shame" sea una parábola de redención. Por amor de Dios. Afortunadamente, a McQueen no interesa recorrer un camino "terapéutico", especialmente cuando se trata de sexo. "Shame", cuenta, en cambio, de un intento de rescate. Tal vez incluso de un doble intento de rescate. Pero es un camino difícil, sobre todo en el comunicar con otros y el expresarse parece cada vez más complicado. Aquí está todo el corazón de"Shame": Sissy y Brandon se entienden, quizás, a la perfección, pero no pueden hacer nada para ayudarse mutuamente a sobreyevar sus problemas, ya que no pueden realizar una conversación seria, y se acaba discutiendo, a menudo atacandose venenosamente. En esta perspectiva, todo lo que vemos de "Shame" es filtrado a través de los ojos del protagonista. Con un estilo potente, donde nada es dejado al azar, McQueen esboza el retrato de un hombre no sólo convincente, sino cada vez más entusiasmante gradualmente la película avanza en su camino. De notar que no hay nada de condescendiente en la película, e incluso las escenas de sexo y desnudos no son nunca gratuitas. Todo es preciso, elegante, extremadamente cuidado y "frío" como un cuchillo afilado, y algunas veces te pasa por la mente que "Shame" podría ser la perfecta transposición heterogénea de "American Psycho".

"Shame" es la prueba cinematográfica que la vergüenza no posee un rostro específico. Se tiene vergüenza del deseo de tener necesidad de sexo. No debería ser una cosa vergonzosa, pero la vergüenza de Brandon tiene que ver con su reputación, su conciencia confusional ante los ojos de Sissy. Las innumerables escenas eróticas no hacen más que reforzar la película en su objetivo principal de penetrar en la vida, desoladora y excitante al mismo tiempo, del protagonista. Sin embargo, es una película que poco a poco pierde su perfecta frialdad y se calienta dolorosamente, hasta convertirse devastadora. La imposibilidad del protagonista de reprimir sus instintos y su naturaleza en una ciudad impecable y glacial como New York (raramente vista tan bella en una película últimamente), te captura dejandote sin salida, hasta volverse casi sofocante. Si todo esto es posible, se debe principalmente a la soberbia interpretación de Michael Fassbender, maravilloso, valiente y conmovedor. Un manojo de nervios y sensaciones que en cualquier momento están a punto de estallar, es verdaderamente extraordinario en el transmitir sus sentimientos en conflicto y todos aquellas molestias que a menudo dan la impresión de devorarlo vivo desde su interior. Su rostro profundo pone a prueba una condición que es fruto del hombre contemporáneo, obligado a tener que comprar de todo: todo tiene un precio, y tienes que estar dispuesto a gastar, es sumamente fácil hacerlo, más complicado resulta no hacerlo, no caer en tentación. La tentación no tiene precio, y está encerrada en la mirada de Fassbender, que se refleja en los ojos dulces e inocentes de una fantástica Carey Mulligan, "pequeña" mujer asustada que fortalece las coordenadas de la historia con una interpretación digna de apalusos.

Steve McQueen tiene tantísimo talento y lo demuestra sin exagerar, logrando construir un ambiente sórdido y atrayente con una dirección que tiene su punto de fuerza en los estupendos planos, y también en la intensa música de Harry Escott (y sobre todo en la elección brillante del director de utilizar algunas de las sinfonías de Bach en las escenas más fuertes de la película). McQueen se pone en la piel de su anti-héroe, y hace que público también lo haga, desacelerando y acelerando los acontecimientos cuando lo cree más oportuno. Pocas miradas, unas cuantas imágenes en el interior de las mismas, hacen entender todo o casi todo. Por que una obsesión es una obsesión, y no podemos librarnos de ella. Sólo tratar de controlarla.

Valoración : 9.5/10


En dos palabras : "Shame" es una película potente, descrita con sequedad y gran maestría, capaz de utilizar sabiamente los sentimientos basilares humanos. No es casualidad que el título, después de "Hunger", parece continuar una especie de estudio sobre los instintos primordiales del hombre. McQueen evita de caer en el sentimentalismo fácil - a pesar de un momento bastante emotivo en el final - y prefiere dejar abierta una rendija, es decir,  la esperanza de poder reconstruir un significado. A veces, es todo lo que necesitamos. Sencillamente memorable.

enero 03, 2012

Película del día...

Tyrannosaur - Paddy Considine , 2011

Es difícil, casi imposible escribir una reseña sensata y adecuada de una obra como "Tyrannosaur". El debut como director del actor inglés Paddy Considine (maravilloso protagonista de "Dead Man’s Shoes", "In America" y "Red Riding"), posee un tal poder expresivo de abrumar al espectador que tendrá que esperar mucho tiempo antes de poder decir de haber realmente metabolizado la cantidad absurda de la violencia, dolor y poesía que la película regala a manos llenas.

Sin embargo, si sólo se leyese la trama, se podría pensar de estar frente al enésimo producto, socialmente comprometido, del cine independiente británico. La película, de hecho, tiene como protagonistas a un hombre y una mujer derrotados, dos almas desesperadas que, por un corto tiempo, tratan de avanzar juntos, paso a paso. Él es Joseph (Peter Mullan), un viudo alcohólico, con una dosis desbordante de rabia interior de correr el riesgo, en cualquier momento, de volverse loco. Ella en cambio es Hannah (Olivia Colman), pequeña mujer triste que se aferra a una fe tan ingenua como frágil para poder sobrevivir a un desastroso matrimonio con un psicópata que nunca pierde la oportunidad de humillarla y maltratarla. El encuentro de ambos es accidental y explosivo, que los unirá, pese a su voluntad, indisolublemente...

Nada de original si no fuera que precisamente gracias a la idea de iniciar a través de una historia, aparentemente bastante sentida, se pueda entender (rápidamente) la inteligencia de este autor. Considine, de hecho, desde los primeros minutos, con una escena impactante, pone en claro las cosas con su público: lo que estáis a punto de visionar es un trabajo al que no estáis de ninguna manera preparados. "Tyrannosaur", efectivamente, logra la increíble tarea de asimilar las obras de grandes maestros ingleses como Ken Loach, Jim Sheridan y Mike Leigh, reponiendo una obra personal y extrema que, en algunos aspectos, consigue superarlas. La película toca tantos puntos y cambia tantas veces de registro, de manera perfecta en la fase de escritura, para evitar que los espectadores tomen por un momento un soplo de aire fresco.

La obra de Considine es una película proletaria sobre los suburbios devastados, un drama psicológico, una historia de amor poco convencional y una historia de redención, todo ello aderezado con algunos diálogos dignos de las mejores comedias negras británicas. Podría parecer, y objetivamente lo sería, demasiada carne al fuego para un solo hombre, aún más si se trata de su primera película. Sin embargo, el director (también guionista) dirige todo con una experiencia que deja estupefacto, no se equivoca en nada, ni una escena, ni un movimiento de cámara, ni una frase o solución narrativa. Son muchas las escenas que conmueven (el funeral, la "expedición punitiva" para vengar a un niño, el final angustioso), al igual que los diálogos que quedan grabados en la mente (el diálogo sobre la religión, la carta en donde Joseph se confiesa, el estallido de Hannah) para considerar este producto como un "simple" golpe de suerte.

Si por un lado Considine nos obliga a bajar la mirada, como si fueramos niños que soportan los gritos de los padres en público, por el otro en su película, también, se genera un flujo positivo. Como espectador te encuentras a querer abrazar este protagonista violento que ha destruido su espíritu en los últimos años. La única manera de hacerlo es atravesar su infierno personal con coraje en un túnel que desemboca sobre su alma de hombre sincero. "Tyrannosaur" no se detiene por un momento de destilar tensión. Por otra parte el autor inglés también es bueno en dejar espacio a sus protagonistas, vehículos de una tensión que nunca estalla en voz alta, los eventos más violentos tienen lugar fuera de campo, rodeados por un silencio que no se olvida fácilmente.

Si se necesita una ulterior prueba para confirmar de encontrarnos frente a un gran director, basta visionar la elección de actores maravillosos y la capacidad de ponerlos completamente cómodos en papeles difíciles con el fin de extraer interpretaciones epocales. Peter Mullan, de esta manera, desempolva su personaje de proletario fracasado, lo sumerge en ácido y nos regala un anti-héroe que, aunque si comete una interminable sucesión de hechos terribles, conquista al público, mientras que Olivia Colman junta una dosis de dulzura desarmante y de dolor indescriptible de producir escalofríos, en un papel que le vale toda una carrera. Dos almas a la deriva, dos personajes derrotados por la vida, dos individuos que se dedican al fracaso, dos recorridos salpicados por eldolor absoluto. Como también un recorrido de redención. De no subestimar la contribución de Eddie Marsan que carga sobre sus hombros un personaje repugnante que, con sólo pocas escenas disponibles, es sencillamente inolvidable gracias a ese guiño desagradable y enfermizo.

Sufrimiento y poesía, sangre y lágrimas, opuestos que se tocan en una película rodada con grande equilibrio. Una sucesión de escenas perfectas, una alternación de secuencias de violencia ciega (fulminante el íncipit con aquella patada mortal del protagonista infligida a su pobre perro) y de momentos que conmueven gracias a los maravillosos diálogos que dan en el blanco. Una película potente como el prehistórico "tiranosaurio" del título (la explicación está a cargo del protagonista, pero que no revelo para no arruinar la fuerza emocional de la escena en cuestión). Una obra difícil de olvidar. Chapeau para el joven Considine y para sus magníficos intérpretes.




Valoración : 9.5/10


En dos palabras : Una película que nos devuelve (de cerca) el cine de Ken Loach, que también recuerda a las obras de Jim Sheridan y Mike Leigh, pero que sorprende, principalmente, por un estilo personal capaz de tocar tantos puntos simultáneamente. Violencia y dolor sumiso, gritos desesperados y sollozos ahogados. Potente representación de la realidad proletaria de los devastados suburbios británicos, implicante drama psicológico sobre la violencia doméstica, pero también conmovedora historia de amor. La película es todo esto, emociones fuertes, duras, que te cogen por el cuello impidiéndote voltear hacia otro lado. Imprescindibile.

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